“Liga de la justicia de Zack Snyder” al rescate de la industria cinematográfica


Ismael Ortiz Romero Cuevas

El año pasado y este, sin duda han sido épocas muy difíciles para el cine; vamos, la industria está sobreviviendo prácticamente sin ganancias o bien, por los estrenos que nos ofrece el ‘streaming’ a través de diversas plataformas. Por eso, de manera desesperada los grandes estudios no escatiman en desempolvar, rescatar algunas ideas o hacer algo de manera abatida para poder rescatar el séptimo arte. Y eso, fue lo que en realidad llevó a Warner Bros., a anunciar desde el año pasado, que se estrenaría vía su plataforma HBO Max, el solicitado corte original de Zack Snyder de la cinta “Liga de la justicia”, esa película que a petición del mismo estudio se había convertido en una caricatura en 2017, de la mano de Joss Whedon. 

Los fans del estilo de Zack Snyder y de los héroes emanados de DC Comics habían realizado un movimiento en redes sociales con la etiqueta “Release The Snyder Cut”, que surgió en 2018, cuando el actor Jason Momoa, quien interpreta a Aquaman / Arthur Curry, confirmó que esa versión de la película sí existía y que él ya la había visto, calificándola además como increíble. Para 2020, hacía dos años de que se inició esa petición y en el primer trimestre de el año pasado, cuando la pandemia ya estaba, Warner confirmó que la petición de los fans había sido escuchada y que la película sería lanzada. En efecto, esa petitoria que fue tendencia en redes y firmada por millones de personas en el mundo fue un punto crucial en esa decisión, pero lo que realmente necesitaban, era un material que creara una gran expectativa y sabían, por el número de mociones, que tenían un buen producto para lograrlo y así, salvar al estudio de los pocos ingresos. Y la solución no estaba en las salas de cine, sino en el ‘streaming’. 

Para esta fecha, muchos ya han de haber visto “Liga de la justicia de Zack Snyder”, que pese a sus cuatro horas de duración, se convirtió en la madrugada del 18 de marzo, fecha en que se lanzó, en un fenómeno del que no habíamos sido testigos en las plataformas. Vamos, ni el estreno de series como “Stranger Things”, “Dark”, “La corona” o la película “Roma”, que han tenido niveles de audiencia exorbitantes, hicieron lo que hizo esta cinta: colapsar en pocas horas la plataforma en que se exhibía. Pasó en los Estados Unidos, cuando por la madrugada, HBO Max, reportó una enervación de unos minutos por la cantidad de público que estaba intentando ver la película. En nuestro país sucedió lo mismo con Cinépolis Klic y Google Play, que por la demanda, les sucedió lo mismo. Mientras que Prime Video de Amazon, tuvo el tino de poner a unos minutos del lanzamiento, un costo muy bajo al público y que su plataforma, fuera la preferida por los usuarios mexicanos y latinos, y eso que cuando el sol aparecía, el costo aumentó considerablemente. Además, demostró la capacidad de la plataforma para no colapsar incluso, contando con la mayor audiencia en los países de habla hispana, donde no está HBO Max.

Esta película puede tener la oportunidad de reivindicar ese desquebrajado universo de súper héroes que no pudo ser lo que Marvel, con todo y lo pueriles que resultan sus cintas, a nivel cinematográfico; “Liga de la justicia de Zack Snyder” ha tenido comentarios en su mayoría positivos por parte de la crítica y lo que es mejor, el reconocimiento del público, que la ha evaluado como una cinta entretenida, madura y llena de acción; los fanáticos más cautivos de DC y de las viñetas, agradecieron el tratamiento más adulto que se les dio a los súper héroes, indicando que la reivindicación de personajes como Cyborg / Víctor Stone (Ray Fisher) y de The Flash / Barry Allen (Ezra Miller) era de lo que más se esperaba, pues una de las quejas de la versión de 2017, es que hicieron con ellos una especie de chiste. Vimos la versión de Diana Prince / Mujer Maravilla (Gal Gadot) que se esperaba: feroz, ruda, justiciera y hasta sangrienta, pero sin que perdiera la personalidad esperanzadora que la ha caracterizado; fuimos testigos de un crecimiento y desarrollo importante en el personaje de Aquaman / Arthur Curry (Jason Momoa), su conflicto con su naturaleza de meta humano y su contribución a la Liga de la Justicia, planteamiento que simplemente se ignoró en la versión de 2017; a Superman / Clark Kent (Henry Cavill) lo vimos con el traje negro que se ilustró en los comics después de su resurrección y siendo un héroe más humano; pero la guinda sin duda ha sido Ben Affleck como Batman, quien se roba la película sin problemas; además, los villanos se encontraron a la altura de las circunstancias. Por cierto, Ben Affleck fue uno de los artífices y mediador con Warner Bros., para que esta versión de “Liga de la justicia” saliera a la luz, pues recordemos que él es uno de los productores ejecutivos. 

Aún y con todo lo que está siendo “Liga de la justicia de Zack Snyder” a nivel de crítica y audiencia, parece que ser que Warner y DC Films, no tienen intenciones de continuar con el universo planteado por Zack Snyder, pues se sabe que ya se ha roto la relación contractual con el cineasta, quien en este momento está trabajando en una cinta para Netflix. Sin embargo, los fanáticos más orgánicos del controvertido director y de los personajes, no pierden las esperanzas de que se revire la decisión del estudio y recontraten a Snyder para continuar con su visión más oscura y madura de estos héroes y reestablecer ese universo de películas como se tenía planeado originalmente: la segunda parte de “Hombre de acero” y dos cintas más de “Liga de la justicia” para completar una trilogía; incluso, han vuelto a lanzar otra etiqueta en redes sociales que dice: “Restore The Snyder Verse” la cual hasta ayer, llevaba tres días en primer lugar en las tendencias de Twitter; tal y como comenzó el movimiento para el lanzamiento de la visión original de Zack Snyder para los súper héroes más emblemáticos. 

Insisto, las declaraciones de ejecutivos de Warner y DC Films, indican que no hay forma de que se continúe con este universo planteado por Snyder, pero recordemos que lo mismo dijeron de la versión de la cinta que ya estrenaron. Y mientras esperamos a ver qué sucede, y qué medidas vuelven a tomar los fans, Warner no puede negar que esta cinta representó un éxito rotundo en ganancias, en comentarios de la audiencia y de la crítica especializada. Así, la “Liga de la justicia de Zack Snyder” no solo ha salvado a la humanidad en la ficción, lo hizo con la industria cinematográfica que, por la pandemia, no ha pasado por su mejor momento. 

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Dos mujeres, las favoritas para el Oscar 2021


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ayer lunes tuvimos la esperada ceremonia, este año presentada por Priyanka Chopra y Nick Jonas, donde se anuncian a los nominados a competir por el premio de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de los Estados Unidos, mejor conocidos como los Oscars. Y a pesar de que el 2020 fue un año en el que socialmente hubo poca o nula audiencia en las salas de proyección en el mundo, incluso, cerrando algunas, como el caso de Cinemex en nuestro país; no significó que no hubiera producciones cinematográficas. 

Y a diferencia de otros años, la ceremonia se llevará a manera virtual el próximo 25 de abril, en el Teatro Kodak como sede, pero de manera virtual. Y para estas horas, muchos ya deben conocer a todos los nominados a los premios, destacando entre otros, a figuras como Gary Oldman, al recientemente fallecido Chadwick Boseman y a Anthony Hopkins que compiten en la categoría de Mejor Actor; asimismo, a David Fincher que está dentro de la competencia a Mejor Director con su película “Mank” que encabeza la lista de nominaciones con diez, pero que no es la gran favorita; y la gran sorpresa (o no tanto) es ver nuevamente enfrentarse a Glenn Close y Olivia Colman en la misma categoría, pero ahora en la de Mejor Actriz de Reparto, ¿será que este sí será para Close? Pero también la de Mejor Actor de Reparto se pone muy interesante, pues Daniel Kaluuya, quien estuvo nominado a Mejor Actor por “Huye” ahora lo hace en esta categoría compitiendo, entre otros, con Sacha Baron Cohen por “El juicio de los 7 de Chicago”; y la nominación por primera vez en la categoría de Mejor Actriz para Vanessa Kirby, que se llevó las palmas cuando actuó en la serie “La corona” interpretando a la princesa Margarita y esta vez es candidata por su trabajo en la cinta “Fragmentos de una mujer”.

Pero déjenme comentarles queridos lectores, que más allá de lo interesantes que pueden resultar estas nominaciones en el que quizá fue el peor año para el cine, este también podría ser el año en que otra mujer se corone con las estatuillas más codiciadas, incluyendo la de Mejor Directora y estoy hablando de Chloé Zhao, una cineasta, productora y guionista estadounidense de origen chino que tiene, este año, grandes probabilidades de convertirse en la segunda mujer en los premios de la Academia, en llevarse el Oscar por su trabajo en la cinta “Nomadland” que cuenta con seis nominaciones en total y que aún no se estrena en nuestro país y que lo más seguro es que llegue directo a plataformas digitales. 

Zhao es alguien que en el año de la pandemia, refrendó que su juventud no es sinónimo de inexperiencia en el séptimo arte, al contrario, es quizá su arma más fuerte dentro de la industria, pues su innovadora técnica y sus guiones que están llenos de realismo, pueden ser la diferencia entre el premio que pretende llevarse el veterano David Fincher o ella. Y es que su cinta “Nomadland, fue presentada el pasado septiembre en el Festival Internacional de Cine de Venecia y donde se alzó con el prestigiado “León de Oro” a la Mejor Película. “Nomadland” también se coronó con el Globo de Oro en la entrega pasada, como Mejor Película Dramática y Zhao, como Mejor Directora. 

La cinta “Nomadland” está protagonizada por Frances McDormand, una actriz de método que ya ha ganado la estatuilla en dos ocasiones: por “Fargo” en 1998 y en 2018 por “Tres anuncios por un crimen” y quien este año, vuelve a ser la gran favorita para alzarse con esa estatuilla, pues los especialistas han catalogado su actuación de sorprendente y magistral como Fern, una mujer nómada que tras perderlo todo en un fracaso amoroso, decide vivir viajando en un auto caravana. 

El punto de elogios de los críticos hacia “Nomadland” es justamente la técnica de dirección de la cineasta, que sorprendió por su originalidad; otro elemento fue el guion que también está escrito por ella y mencionan con grandilocuencia el trabajo histriónico de McDormand que pese a los años de carrera, sigue sorprendiendo con cada una de sus interpretaciones. Las páginas especializadas en crítica de cine, Rotten Tomatoes la ha calificado con un 94% de aprobación, mientras que en MetaCritic la posicionan con un 93% de comentarios positivos. 

El próximo domingo 25 de abril, sabremos qué película y qué histriones se alzan con la estatuilla, sin embargo, varios portales especializados han catalogado ya a “Nomadland” como la gran favorita la noche de la entrega del Oscar. Si Chloé Zhao se alza con la estatuilla a Mejor Directora sería la segunda vez, (sí, apenas la segunda vez) en 93 años que ese reconocimiento sea para una mujer, mientras que si McDormand vuelve a ser la ganadora de la presea a Mejor Actriz esa noche, se colocaría a la par de Meryl Streep en el número de estatuillas ganadas, pero la superaría pues una de Streep es a Mejor Actriz de Reparto. Esos comentarios han colocado a esta cinta, como la gran favorita para ganar los galardones más importantes en la noche más importante del cine. 

Mi Twitter: @iorcuevas. 

Cinco estupendas películas que dirigieron mujeres


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Esta semana, seguimos rindiendo homenaje a las mujeres por la conmemoración de su día y por enaltecer su lucha por la igualdad de derechos y respeto. La dirección de películas ha sido una profesión que ha sido asociada al sexo masculino, enumerando incluso, a los mejores de la historia siendo varones. 

Pero hoy, estimados lectores, les invito a que recordemos cinco estupendas cintas, que tuvieron a una mujer a la cabeza y que fueron éxitos de taquilla y crítica:

1.- PATTY JENKINS

Película: “Mujer maravilla” (2017)

Elenco: Gal Gadot; Chris Pine; Connie Nielsen; Robin Wright; Elena Anaya; Etta Candy y David Thewlis

Productoras: DC Films; RatPac Entertainment; Atlas Entertainment; Cruel And Unusual Films; Tencent Pictures y Wanda Pictures

Distribución: Warner Bros. 

Patty Jenkins ya había tenido un éxito cinematográfico con la película “Monster” de 2003 y con la que Charlize Theron obtuvo un Oscar a Mejor Actriz; pero fue en 2017 cuando llegó a las pantallas cinematográficas la película “Mujer maravilla”, la cual llevaba por primera vez a una heroína mujer como cabeza de elenco. A pesar de que las películas de ese universo de DC no habían sido bien recibidas, fue esta que dirigió la cineasta la que fue ovacionada tanto por la crítica como por el público, catalogándola hasta la fecha, como una de las mejores cintas de súper héroes de la historia. Además de eso, era la primera película de este género que era realizada por una cineasta y protagonizada por una mujer y ha convertido a Jenkins, en la cineasta más taquillera de la historia del cine hasta el momento. Después del estreno y aclamación mundial de “Mujer maravilla”, se anunció la salida de Zack Snyder de la dirección de “Liga de la justicia” y la gente, antes de que se anunciara que sería Joss Whedon quien lo sustituiría, pidió vía redes sociales que fuera la directora quien tomara las riendas de ese proyecto, del que hoy, se ha estado hablando más que nunca. 

2.- AVA DUVERNAY

Película: “Selma: el poder de un sueño” (2014)

Elenco: David Oyelowo; Carmen Ejogo; Tim Roth; Lorraine Toussaint; Common; Giovanni Ribisi y Oprah Winfrey

Productoras: Cloud Eight Films; Celador Films; Harpo Films; Pathé y Plan B Entertainment

Distribución: Zima Entertainment

La marcha por el derecho al voto de la población afroamericana, tuvo una película esenada en 2014, magistralmente dirigida además por Ava DuVernay y que estuvo nominada al Oscar a Mejor Película, siendo esta la primera vez, que una cinta dirigida por una mujer afroamericana era tomada en cuenta. Sin embargo, la polémica no se hizo esperar pues la cineasta no obtuvo el reconocimiento ni siquiera de la nominación al Premio de la Academia a Mejor Directora. Sin embargo, se alzó con la estatuilla a Mejor Canción, que fue interpretada y escrita por Common y John Legend, haciendo, además, uno de los momentos más emotivos de la entrega de premios. “Selma: el poder de un sueño”, es una cinta emotiva, grandiosamente dirigida y con una técnica sorprendente. Sin temor a equivocarme, es una película que se ha convertido en una de las más poderosas en la historia del cine. 

3.- KATHRYN BIGELOW

Película: “Zona de miedo” (2008)

Elenco: Jeremy Renner; Anthony Mackie; Brian Geraghty; Ralph Fiennes y David Morse

Productoras: Voltage Pictures; Grosvenor Park Media; Film Capital Europe Funds; First Light Production; Kingsgate Films y Summit Entertainment

Distribución: Summit Entertainment

Ganadora de todos los premios prestigiosos del cine, incluyendo el Oscar en las categorías de “Mejor Película” y “Mejor Director”, “Zona de miedo” ha sido la cinta dirigida por una cineasta, más galardonada de la historia. Con un guion trepidante y actuaciones asombrosas, trabajo que le valió la nominación al Premio de la Academia a Jeremy Renner como Mejor Actor, esta es una cinta bélica de las más aclamadas de los últimos años. Bigelow compitió con su ex marido, James Cameron ese año, por las mismas estatuillas, él compitiendo con la cinta “Ávatar”, sin embargo, la cineasta se las embolsó sin ningún problema. Pese a las polémicas por las inexactitudes relatadas en cuanto a la guerra de Irak y lo que provocó su productor en 2010, donde se dieron a conocer audios y mensajes de texto que pedían boicotear a “Ávatar”, no podemos negar que estamos ante una película bélica muy respetable. 

4.- ÀGNES VARDA

Película “Cleo de 5 a 7” (1961)

Elenco: Corinne Marchand; Antoine Bourseiller; Dominique Davray; Dorothée Blank; Michel Legrand y José Luis de Vilallonga

Productores: Carlo Ponti y Georges de Beauregard

Distribución: Netflix Europa

Una película de culto, dirigida por una cineasta de culto. La llamada “abuela de la nueva ola del cine francés” nos ha dejado como legado una de las películas más aclamadas de todos los tiempos. Y es que “Cleo de 5 a 7” ha sido a lo largo de la historia, una película que ha enamorado por su historia y por su maestría en su narrativa y forma de ser filmada. La historia que retrata un encuentro amoroso que representa el amor a la vida, el miedo a la muerte y la soberbia es una cinta de arte que ha estremecido al mundo entero y le valió el reconocimiento a Varda, como una de las cineastas indispensables en el séptimo arte. Sin duda, una cinta imperdible para todos. 

5.- SOFIA COPPOLA

Película: “Perdidos en Tokio” (2003)

Elenco: Bill Murray y Scarlett Johansson

Productoras: American Zoetrope y Tohokushinsha Film

Distribución: Focus Features

Trabajar con Bill Murray es una verdadera pesadilla. Y cuando se trabaja con él, tiene que dirigirlo un cineasta no solo creativo, sino que tenga un temperamento igual de fuerte que el de él. Y eso lo ha logrado Sofia Coppola, quien no solo pudo dominar a Murray, sino sacarle una de sus mejores actuaciones en su carrera; asimismo, poder retratar a Johansson en su ángulo más sensual. Coppola fue nominada al Oscar en diversas categorías, incluyendo la de “Mejor Director” y “Mejor Película”, sin embargo, solo se alzó con la estatuilla a “Mejor guion original”. Sin duda, “Perdidos en Tokio”, es una película grandiosamente retratada, sino que enmarca la soledad de dos personajes que se encuentran y descubren la grandeza de la compañía de alguien. Imperdible. 

Estas han sido solo algunas de las cintas que cineastas mujeres, han llevado hacia lo más alto. Y por supuesto, que espero propuestas para una segunda entrega. 

Mi Twitter: @iorcuevas 

Cinco canciones que demuestran el poder de las mujeres


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ayer conmemoramos en todo el mundo, el Día Internacional de las Mujeres. Una fecha en donde se nos recuerda que, si tienen un día para ser evocadas, es porque sus derechos han sido vulnerados en muchos sentidos a lo largo de la historia y por eso, tienen que ser exigidos por ellas a como dé lugar. 

Y para no pasar desapercibida esa conmemoración tan necesaria, quiero que hoy repasemos seis temas que tienen una temática feminista y que son interpretadas por grandes intérpretes de la industria: 

1.- “Respect” 

Artista: Aretha Franklin

Autor: Otis Redding

Álbum: I Never Loved A Man The Way I Love You (1967)

Productor: Jerry Wexler y Arif Mardin

Discográfica: Rhino / Atlantic Records

El tema originalmente fue interpretado por el cantante y su mismo autor, Otis Redding, dos años antes de que lo retomara la “Lady Soul” y lo hiciera un icono del empoderamiento femenino. La canción original versaba en la misma temática, pero al revés, es decir, en lo que un hombre espera de una mujer ideal, sumisa, al pendiente de las labores domésticas y atendiendo a su hombre. Pero Aretha le cambió la letra e hizo lo contrario, pues la de ella, hablaba del respeto que debe tener una mujer siendo independiente y lo que merece de su pareja. Sin tenerlo claro, su productor Jerry Wexler y la misma Aretha, crearon el himno feminista por excelencia. Una canción sin duda, emblemática y poderosa. 

2.- “I Will Survive”

Artista: Gloria Gaynor

Autores: Freddie Perren y Dino Fekaris

Álbum: Love Tracks (1978)

Productor: Dino Fekaris

Discográfica: PolyGram / Polydor Records

Esta canción ha acompañado sobre todo al movimiento feminista, aunque el LGBTTTIQ también la ha adoptado por su magnífico y certero mensaje. La letra cuenta la historia de una mujer que vive una ruptura amorosa, pero no se deja caer pese a que su pareja la quiere ver suplicando: “Creías que me desmoronaría, que me tumbarías y me moriría, pero yo no, ¡sobreviviré!”  dice una de las conocidísimas estrofas de esta canción que es hasta la fecha, es la más emblemática de la cantante originaria de Nueva Jersey. Un tema del género ‘soul’ que es atemporal. 

3.- “GTFO”

Artista: Mariah Carey

Autores: Mariah Carey; Bibi Bourelli; Jordan Maswell; Paul Jeffries (Nineteen85) y Porter Robinson

Álbum: Caution (2018)

Productores: Mariah Carey y Paul Jeffries (Nineteen85)

Discográfica: Sony Music / Epic Records

Cuando uno entiende que el título de la canción no son más que las iniciales de “Get The Fuck Out”, es decir, algo así como “vete a la mierda” o como diríamos en México en buen castizo: “vete a la chingada”, sabemos que Mariah se está tomando el empoderamiento femenino muy en serio. La premisa es también una ruptura amorosa, pero en la que ella tomó la iniciativa para hacerlo, pues considera que su pareja toma su amor como un hecho, sin esforzarse a más. “No soy de las mujeres que juega a ser la víctima; toma tus cosas y sé feliz. Vete a casa de tu amigo o de alguien y dile que has tenido suerte; porque fui yo quien, desde el pasado fin de semana, te iba a dar una patada por el culo para que te largaras” dice una de las poderosas y hasta sarcásticas estrofas de este aclamado primer ‘single’ del álbum “Caution” de la diva neoyorkina, uno de los mejor evaluados por la crítica y uno de los mejores discos de 2018, según Billboard. 

4.- “Cosita seria”

Artista: Aterciopelados

Autores: Andrea Echeverri y Héctor Buitrago

Álbum: La pipa de la paz (1997)

Productor: Phil Manzanera

Discográfica: BMG / Ariola

Uno de los temas más reconocidos de la banda colombiana “Aterciopelados” es justamente “Cosita seria”, escrito por la misma vocalista del grupo, Andrea Echeverri. En realidad, el álbum completo “La pipa de la paz” retrata en sus letras, la reivindicación y poderío de las mujeres en las culturas latinoamericanas y que van tomando fuerza conforme vamos avanzando en el disco. “No tengo pelos en la lengua y ya superé el qué dirán”, menciona Echeverri en una de las partes de este tema; un icono de la banda y de la lucha de las mujeres por la defensa de sus derechos. 

5.- “Ingrata /o” (versión feminista)

Artistas: Café Tacuba y Andrea Echeverri

Autores: Rubén Albarrán y Enrique del Real

Álbum: Re (1994)

Productor: Gustavo Santaolalla

Discográfica: Warner Music / WEA

Desde el 2017, Café Tacuba anunció que su popular tema “La ingrata” ya no estaría presente en sus ‘shows’ en vivo, justamente por el reclamo de las mujeres quienes argumentaban que el tema, incitaba a la violencia de género a pesar de que es hasta la fecha uno de sus temas más sonados. Sin embargo, en el movimiento del año pasado y antes de que la pandemia nos hiciera presa, Andrea Echeverri subió al escenario con ‘los tacubos’ cantando el tema con adecuaciones en la letra, la cual fue ovacionado de manera unánime: “Ingrato, no me importa si me quieres, vale madres si me dejas, vengo a romper tu espada y a mandarte a la chingada; ingrato, porque soy independiente porque no te necesito, no soy tu media costilla, es respeto lo que pido y como madre yo exijo, ni una más es lo que pido, ni un macho abusivo violará a una chava…” dice parte de este coro que en efecto, deja chinita la piel. 

La lucha de las mujeres no es algo frívolo. Lo hacen porque han sido relegadas en diversos ámbitos y en infinidad de lugares. Y aunque sigan escuchando expresiones como “ya chole” o que son manipuladas por grupos que quieren “dejar en mal al gobierno”, su movimiento es tan auténtico que han demostrado de lo que son capaces y lo fuerte que pueden ser; y la música, también es una muestra. 

Mi Twitter: @iorcuevas.

“El exorcista”: Diferencias entre el libro y la película


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Desde hace algún tiempo, algunos periodistas y críticos especializados en el séptimo arte, así como portales y redes sociales, han mencionado con insistencia que Warner Bros., se encuentra trabajando en un ‘remake’ de la película “El exorcista”, el clásico de horror que ha conmocionado al público por casi 50 años, siendo hasta este momento, la cinta del género que se considera insuperable y que cuenta, además, con un séquito de fanáticos que se cuenta por millones alrededor del orbe. 

El estudio ante estas especulaciones no se ha pronunciado al respecto. Si es cierto o no, queda aún en un misterio, pero déjenme insistir en algo, meterse con un clásico que ha sido una película de ese género con una lista de grandiosas críticas y además de culto, es demasiado riesgoso. Para mi gusto y en mi opinión (que seguramente le viene valiendo tres cacahuates a Warner), que no deberían hacerlo. La cinta además de aterradora, es una de las mejores adaptaciones literarias que se haya presentado en el celuloide, destacándose por su fidelidad a la novela. Incluso, uno de los dos premios Oscar que ganó en 1974, fue justamente a “Mejor guion adaptado”, que se llevó el mismo autor, William Peter Blatty, pues él mismo hizo la adaptación al cine. 

Aún con eso y para que una historia presentada originalmente en un libro funcione mejor en la pantalla, siempre se tienen que hacer ajustes, puesto que detenerse en los detalles que una narración nos ofrece daría como resultado en una película tremendamente larga, algo que comercialmente no funcionaría y tampoco, causaría el impacto esperado en el público. Y hoy queridos lectores, les invito a que revisemos algunas diferencias entre la novela y la película que detallan mejor la historia, sin embargo, no demeritan la esencia de lo que vimos en el cine: 

LAS FECHAS: 

Mientras que en la película, sin decírnoslo de manera abierta, la historia se desarrolla en tiempos o víspera de ‘Halloween’, los acontecimientos en la novel suceden entre abril y junio, es decir, entre la primavera y el inicio del verano. 

UN PRIMER HIJO DE CHRIS MCNEILL: 

La novela plantea que ChrisMcNeill (Ellen Burstyn) tuvo un hijo antes que Regan (Linda Blair) y que murió a los tres años de una enfermedad. Por ello, la aversión de Chris hacia los médicos, a quienes culpa de una mala atención a su hijo y de su fallecimiento. Ese sentimiento, hace que sea una madre muy sobreprotectora con Regan, pues carga la falta de la muerte de su primer hijo. 

EL PÁJARO ROJO:

Este detalle aparece en la serie de 2016 estelarizada por Alfonso Herrera para la cadena FX pero en la película pasa completamente desapercibido, a pesar de que Chris mira ese pájaro que es exactamente como lo describe el libro, pero sin hacer mayores comentarios. La historia del pájaro rojo la vemos desarrollada en la serie, pero no en la película. 

EL PADRE KARRAS ES UN PRESTIGIADO PSIQUIATRA:

En la película, solo vemos que el padre Damien Karras (Jason Miller) llega a visitar a su madre a Nueva York sin mayores explicaciones, cuando en la escena anterior lo vimos en el Campus de la Universidad de Georgetown, donde se desarrolla la historia, y en la iglesia de la Santísima Trinidad, cercana a la casa de Chris McNeill. Sin embargo, él acude a Nueva York para dictar una conferencia en un congreso psiquiátrico como un respetado médico de esta especialidad y de paso, acude a ver a su madre, a quien encuentra en precarias condiciones. 

LA CENA EN LA CASA BLANCA: 

En la película, vemos que Sharon (Kitty Winn) le comenta a Chris que la han invitado a una cena en la residencia oficial del presidente de los Estados Unidos por ser una actriz muy famosa y que se encuentra filmando en Washington. Mientras que en la cinta nunca vemos la fiesta, en el libro sí sucede y ahí Chris, conoce a un personaje que resulta clave en el inicio de la trama y que se omite completamente en la película y por quien se hace una fiesta que Chris ofrece en su vivienda de Georgetown. Esa fiesta, sí aparece en la cinta. 

MARY JO PERRIN: 

Es una carismática adivina y vidente que a Chris le parece simpática y que conoce justamente en la cena de la Casa Blanca, pues es amiga de la Primera Dama estadounidense. Su simpatía por ella anima a Chris a realizar una fiesta en su casa, donde acude un afamado astronauta, el vicepresidente de los Estados Unidos, el director de la película que realiza Chris, Burke Dennings (Jack MacGowran) y quien le insiste que invite al rector de la Universidad de Georgetown pues ahí filman y sería algo de “buenas relaciones públicas”; pero quienes llegan son el padre Wagner, decano jesuita de la Universidad y el joven Vicerrector, el padre Dyer (William O’Malley). Con estos últimos, Mary Jo Perrin sostiene una plática sobre misas negras que llama poderosamente la atención de Chris, pues al ser atea no tiene referencias de eso. Es Mary Jo Perrin, quien le advierte a Chris sobre el peligro de la tabla ouija con la que juega Regan. 

CHRIS MCNEILL SE CONVERTIRÁ EN CINEASTA: 

Aunado a todo el drama, Chris tiene que lidiar con algunas dificultades profesionales pues un famoso estudio cinematográfico la ha invitado a dar el gran salto: pasar de actriz a directora de cine, situación que la tiene animada y se convierte en su refugio, cuando la situación de Regan se convierte en algo que no puede manejarse con facilidad. 

EL PASO POR LOS MÉDICOS: 

Quizá en la película son las escenas más perturbadoras a nivel de imagen. Pareciera que el sufrimiento visto en pantalla por Regan es completamente real y según entrevistas con los productores de la película, era esta la parte en donde mucha de la gente que acudió a verla en su entreno, salió despavorida y con ataques de nervios. En la novela, el paso por los médicos es profundamente detallado y aún más turbulento. Antes de llegar a un psiquiatra, Regan pasa por revisiones y estudios realizados por un médico internista. El psiquiatra llega hasta que el internista declara que el “padecimiento” de Regan sale ya de su competencia, después de pesados y violentos estudios médicos.

EL CAMBIO DE REGAN:

La novela nos relata como el deterioro físico de la niña, el cambio de su voz y coloración de piel provoca cada vez más horror y preocupación en Chris, incluso en los médicos, mientras que, en la película, aunque vemos el cambio gradual, nunca vemos que cause mayor sorpresa en los personajes. La novela relata que cuando la personalidad que está dentro de Regan aparece, su piel, sus dientes y su aliento cambian completamente. Asimismo, cuando ya está presente la posesión, hace que Regan defeque y orine cuando tiene contacto con quienes acuden a ayudarle. “La habitación de la niña emite un hedor a mierda, orines y a carne podrida” menciona el libro, situación que nunca es mencionada en la película. Cuando la niña ya muestra signos de posesión, en el libro se refieren a ella como “la cosa” y no como Regan y de eso, tampoco se hace referencia en la cinta. 

KINDERMAN: 

Mientras que en la película, el personaje de Lee J. Cobb es un teniente de la policía que parece es torpe al solo seguir pistas, en el libro es en realidad quien llega al fondo del asunto esclareciendo de manera intuitiva el asesinato de Burke Dennings y afirmando, que fue la niña quien lo hizo pero sin saber de su posesión. Los diálogos entre Kinderman, Chris, el padre Karras y el padre Dyer son en verdad de mucho contenido en la novela y muestran una personalidad amable, pero insistente e implacable del detective, características del personaje que fueron omitidas en la cinta. 

KARL EL PRIMER SOSPECHOSO Y CUIDADOR DE REGAN:

En la película nos refieren que el mayordomo de Chris McNeill, Karl (Rudolf Schündler), mantiene una relación ríspida con Burke Dennings pero no pasa a más. La novela nos narra que, después del asesinato de Burke por “la cosa”, Karl se convierte en el primer sospechoso de Kinderman, quien lo interroga y lo persigue hasta que descubre el gran secreto del mayordomo y que es utilizado por “la cosa”, cuando se realiza el exorcismo; pues es el mismo mayordomo quien se encarga de cuidar a la niña todo el tiempo y amarrarla a la cama cuando se vuelve incontrolable. 

LOS DIÁLOGOS DE KARRAS Y EL DEMONIO: 

En la novela son simplemente estremecedores y no son dos como en la cinta, son cinco. A Karras le cuesta mucho trabajo demostrar la posesión de Regan, pues incluso, “la cosa” le refiere que puede entrar a su mente para conocer las respuestas que el sacerdote espera, conocer su personalidad, sus miedos y hasta hablar latín con él y por eso, nunca le dará una prueba de eso y la obtendrá, hasta que Regan muera. La parte quizá más terrorífica del libro, pero también la más disfrutable. En la novela, el llegar a la conclusión de que “la cosa” le habla en inglés pero al revés, refiere un estudio completo por parte de la escuela de idiomas de la Universidad de Georgetown, detalle simplemente estupendo, pues además revela que le teme a él y a un tal Merrin, a quien Karras aún no conoce. 

EL EXORCISMO, KARRAS Y KINDERMAN: 

Hacia la parte final del libro, nos narran el exorcismo y la llegada del padre Merrin (Max Von Sydow) que sucede justo como lo vemos en pantalla. El exorcismo no dura una noche como hace referencia la cinta, sino que se extiende por tres semanas, obligando a los sacerdotes a vivir en la casa de Chris McNeill. Asimismo, durante el rito se encuentran presentes Karl; Sharon y la propia Chris. Cuando ya han pasado varios días y mientras Karras visita el campus universitario a petición de Merrin para descansar, sostiene una charla con Kinderman quien le dice que ha descubierto que fue Regan la asesina de Burke y por tratarse de una niña, el asunto ya se encuentra en manos de sus superiores. Pero le advierte que la niña es una “demente”, por lo que no se podría proceder contra ella, pero que es peligrosa, pues puede asesinar a una persona.

LA TEMÁTICA ES SUGERENCIA DE UN SACERDOTE JESUITA:

Obviamente eso no puede aparecer en la cinta, pero el autor al final del libro agradece al padre Thomas Berminngham, S. F., Viceprovincial del noviciado de la Compañía de Jesús de la provincia de Nueva York por sugerirle el tema de esta novela, asimismo, a su formación jesuita que le permite mantener un equilibrio entre sus creencias religiosas y lo científicamente comprobable. 

Sin duda, “El exorcista” es una de esas historias que ha encantado y aterrado a prácticamente cinco generaciones y aunque, más que el horror la novela se centra más en un thriller policiaco y de suspenso, no limita a que ambos, sean considerados en realidad obras de horror, incluso, cuando los productores de la cinta han mencionado que se trata de un thriller religioso. La novela sin duda posee un equilibrio genuino entre la religiosidad, la ciencia y hasta el ocultismo, volviéndose un libro tremendamente disfrutable. La película, es una pieza que también posee sus propios valores y ha permanecido a lo largo de sus casi 50 años, como una de las cintas no solo más aterradoras de las que se tenga memoria, sino como una producción que ha conjuntado de manera magistral lo aterrador con escenarios bellísimos como el barrio de Georgetown en Washington D. C. ¿Crees que me faltó algún elemento por mencionar? Espero tus comentarios. 

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48 años que conocimos el lado oscuro de la luna


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ayer lunes 01 de marzo de este 2021, se cumplieron cuarenta y ocho años de existencia uno de los discos fundamentales en la historia de la música: “The Dark Side Of The Moon”, de la banda británica Pink Floyd y que además, resultó todo un logro en las grabaciones de ese entonces. El álbum, es un trabajo conceptual de la banda que ha representado uno de sus mayores éxitos y que ha marcado influencia no solo en la música misma, sino hasta en las carreras de músicos y bandas. 

Y aunque la banda es de origen inglés, la disquera EMI decidió lanzarlo primero en los Estados Unidos, donde consideraron que poseían el mayor número de público cautivo en el mundo y quince días después, es decir, el 16 de marzo de ese mismo año, fue puesto a la venta en Reino Unido, donde también fue un éxito inmediato. 

Los números de “The Dark Side Of The Moon” es algo muy interesante de revisar. Primero porque se estima que ha vendido alrededor del mundo más de 50 millones de copias, siendo uno de los álbumes con mayores ventas en la historia de la música, solo por detrás de “Thriller” de Michael Jackson y de “Back In Black” de AC/DC que se dice, han rebasado los 65 millones de unidades colocadas. El disco, también estuvo en la lista Billboard 200 por ¡937 semanas!, es decir, casi 19 años y por ello es el que más tiempo ha permanecido en la lista de los álbumes más vendidos. Logró llegar al número uno de ventas en los Estados Unidos en su semana de estreno y al número dos en Reino Unido y actualmente, cuenta con más de 450 millones de reproducciones en Spotify y casi 100 millones en YouTube. Todo un logro si ubicamos que es un álbum que tiene casi medio siglo de existencia. 

“The Dark Side Of The Moon” fue grabado también en el mítico Abbey Road Studios, propiedad en ese entonces de la discográfica EMI, una de las más poderosas en ese tiempo y la producción estuvo a cargo de los integrantes del grupo, ya que “el productor” se acredita como Pink Floyd, pero también por Alan Parsons, quien fue en realidad quien le dio esa personalidad enigmática, elegante y progresiva al disco. En 1968, su principal arreglista, compositor y líder Syd Barret dejó la banda debido a problemas relacionados con su adicción al LSD, esto que le ocasionó problemas mentales severos; eso inspiró justamente a Parsons y a quien asumió el papel de líder desde entonces, Roger Waters, a explorar temáticas mucho muy oscuras (por ello el título del disco) para realizar un trabajo de diez tracks que hablaban de relaciones en conflicto, la avaricia, la soledad, el significado de la vida y la muerte, el miedo, la vejez y obviamente, los tormentos mentales que sufre alguien adicto, inspirados justamente en los problemas de Barret, de quien por cierto, nunca dejaron de ser amigos pese a su beligerante salida. 

Este disco fue grabado pensando en una futura gira de la agrupación e incluso, varios de los temas que componen el ‘tracklist’, fueron estrenados tiempo antes de la salida del material tocados en directo por la banda. Sin embargo, fue justamente el talento y visión de Waters y Parsons que hicieron que la grabación resultara algo muy innovador para la época: introdujeron ‘loops’ y grabaciones multipista en ciertas canciones, lo que repercutió en un sonido vanguardista y moderno, se dice también que en varias pistas se utilizaron sintetizadores analógicos; pero la introducción de citas filosóficas que se implantan a lo largo de los temas del álbum, así como la interpretación conocida como “no léxica” de la cantante Clare Torry para el tema “The Great Gig In The Sky” y varias novedades a nivel de sonido, fueron creaciones de Alan Parsons. 

El disco sigue siendo uno de los más aclamados por la crítica al paso de los años y es un emblema no solo del rock progresivo, sino de la música. Gracias a este trabajo, muchos artistas incluso actuales, se han inspirado para cimentar su sonido e incluso, carreras completas. “The Dark Side Of The Moon” sigue siendo hasta este momento, uno de los discos elementales para cualquier amante de la música y que las nuevas generaciones, deben conocer como un testimonio de que el arte, no tiene época.

Mi Twitter: @iorcuevas.