El coraje que necesitaba Celine Dion


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Desde noviembre del año pasado, Spotify me anunciaba con bombo y platillo el lanzamiento del nuevo disco de Celine Dion, el primero en inglés desde hacía seis años de ausencia con una placa en ese idioma y después de terminar su exitosísima residencia en Las Vegas. También, este es el primer disco que lanza la canadiense tras del fallecimiento de su esposo y manager Rene Angélil. Y cuando la plataforma me lo mencionó como un lanzamiento destacado, le puse atención, pero debo confesar que no la que ameritaba, pues toda la curiosidad de la industria estaba centrada en la música navideña que ya comenzaba a sonar en esa temporada y llamó más la atención (miente quien me diga que no) el disco navideño de Robbie Williams y el relanzamiento del icónico material “Merry Christmas” de Mariah Carey que cumplía 25 años y le dio su décimo noveno número uno en Billboard Hot 100. Escuché “Courage”, de Celine Dion, pero lo dejé como un asunto pendiente al que le pondría más esmero en un tiempo posterior. 

Pasaron unos meses, bueno varios para ser preciso y honesto; hasta febrero de este 2020 que por fin escuché con detenimiento en Spotify y llegó a mis manos en formato físico el anunciado material. Es en esta parte cuando digo, ¿por qué no lo ausculté con detenimiento antes?, quizá porque en una primera revisada se me hizo algo diferente en el estilo de Dion, pero que sonaba igual a cualquier cantante joven ídolo de los millennials; quizá también porque la firmeza en la voz de la canadiense no resulta igual a la de sus discos de la década de los noventas, cuando el pop y la balada retumbaban con sus potentes notas altas que incluyó en discos como “The Colour Of My Love”; “Falling Into You” o “Let’s Talk About Love”, su álbum cumbre. Por la razón que sea, “Courage” resultó para mí una grata sorpresa. 

Encontré en efecto, un material con un sonido al que Celine no había recurrido pero que no dejaba de lado las bases de la balada y el pop que siempre la han acompañado; por ello, resulta que este nuevo disco que tiene la cantante en el mercado actualmente, representó un riesgo no solo en el estilo, sino en las decisiones que debió tomar al ya no tener a su esposo quien le llevaba la carrera, para que la aconsejara. Así, la canadiense tomó las riendas de su nuevo trabajo fungiendo por primera vez como productora ejecutiva, además de su labor como cantante. Con ese control, la intérprete recibió por parte de la disquera más de cincuenta canciones para que eligiera por lo menos doce para conformar el disco. Y ese coraje y valentía las encontró justamente en piezas compuestas por la enigmática Sia; por el ganador del Grammy y un Oscar, Sam Smith; por David Guetta; por el nominado al Globo de Oro, Greg Kurstin; por Jimmy Napes, quien ha coescrito temas con el mismo Sam Smith y que ganó el Oscar junto con él y otro tema por el exitoso cantautor emergente Lauv. 

Además de ello, Dion se rodeó de reconocidos productores que ya habían trabajado con ella en materiales anteriores como en “A New Day Has Come” o “One Heart”, y otros reconocidos como Greg Wells, famoso por sus trabajos con OneRepublic, Mika y Katy Perry; el mismo David Guetta y Jimmy Napes, por citar algunos. El resultado, un disco alucinante, sin desperdicio de principio a fin y donde, cualquiera de sus 16 tracks, puede ser un potencial single de éxito global. Por cierto, la versión de lujo contiene cuatro pistas más, haciendo un total de 20 canciones. 

“Courage”, abre con el tema “Flying On My Own”, canción que Celine había regalado a sus seguidores en junio de 2019, en agradecimiento por el éxito de su residencia en Las Vegas y por el apoyo recibido en su proceso de duelo. Así, el recorrido musical que Dion presenta en este disco resulta una experiencia completamente fresca e innovadora, sobre todo, tratándose de una artista que tiene su mercado cautivo en el género de adulto contemporáneo y no en el juvenil. Aún así, cualquier chico que escuche el material, quedará convencido de que los cantantes de antaño no solo pueden hacer música que le guste a sus padres, sino que se atreven a ser vanguardistas. 

Es cierto, el desempeño en listas de estas cantantes consagradas ya no es como cuando se dirigían a los jóvenes, sin embargo, sus singles: “Imperfection”; Lying Down”; “Courage” y “Change My Mind” han tenido buen desempeño en plataformas y en estaciones de radio. Asimismo, aún con la euforia de los discos navideños cuando se lanzó este material, debutó en el número uno en ventas en Canadá y estuvo en el top 5 de Billboard 200. El nuevo material de Celine Dion quizá sea su trabajo más arriesgado, pero también es un disco lleno de fuerza, de agallas, es catártico y ecléctico. Es lo que Dion no se había atrevido a hacer y le salió de una manera fantástica. Es el coraje que encontró en explorar vivencias personales y escarbar en lo más hondo de sus sentimientos para plasmarlos en música. Sin duda, es un disco que merece ser escuchado con todo el detenimiento, atención y apertura que una diva de su calibre merece. 

Se fue una leyenda


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ayer lunes por la mañana, cuando la mayoría despertábamos para iniciar las obligaciones diarias, revisaba mis redes sociales cuando una noticia de verdad me sorprendió e hizo que entristeciera. Varios medios digitales anunciaban el fallecimiento del gran Max von Sydow, que había sucedido la noche del 08 de marzo; el legendario actor sueco que hizo cine en prácticamente todo el mundo y en varios idiomas, que incluyeron su natal sueco, noruego, inglés, italiano, francés y danés; bueno, puede que se escape algún otro idioma en los que actuó. 

Nominado al Oscar en dos ocasiones una Mejor Actor por la cinta “Pelle el conquistador” en 1989 y la otra en 2012, en la categoría de Mejor Actor de Reparto por “Tan fuerte y tan cerca”, donde Sandra Bullock llevó el rol protagónico. Max von Sydow es conocido por ser uno de los actores recurrentes del fabuloso cineasta Ingmar Bergman, pues protagonizó cintas para él como “El séptimo sello” de 1957, cuando su personaje llamado Antonious Block, un caballero cruzado, juega una partida de ajedrez con la muerte por su alma. Otras cintas donde actuó bajo la dirección de Bergman fueron: “Fresas salvajes”; “El umbral de la vida”; “El manantial de la doncella” y “El rostro”, por citar algunas. Y esos trabajos fueron los que le dieron reconocimiento, pero déjenme contarles cómo conocí yo a Max von Sydow y estoy seguro, es de la misma manera que muchos lo hicieron. 

En los años ochentas, cuando yo era niño vi una película que quizá sigue impactando a más de uno. En efecto, contando con siete años de edad y siendo la primera vez que la veía, las noches se convirtieron en algo perturbador para mí. Se trataba de “El exorcista”, película de 1973 que dirigió William Friedkin y se basaba en el libro de William Peter Blatty y donde von Sydow interpretó de manera gloriosa al padre Lankaster Merrin; según la película y la novela, un sacerdote jesuita que ya se había enfrentado a la entidad demoniaca venciéndola, años atrás. Y ahí fue donde supe del actor sueco, alguien que al paso de los años, me convencía que además de ser un extraordinario actor de método y talentoso, era un intérprete a quien no le importaba sacrificar su físico por un personaje.  

“El exorcista” se ha convertido al paso de los años en una de mis películas predilectas de todos los tiempos; no solamente por el contenido y la historia, sino todo el esfuerzo cinematográfico que se realizó para la época, pues en esos años, no había efectos realizados por computadora o digitales, sino que se filmaba lo que cámara captaba en realidad. Uno de los grandes logros de la cinta es precisamente el maquillaje. Y cuando nos referimos a ese rubro, inmediatamente nos enfocamos en el personaje de Linda Blair, cuando interpretó a Regan McNeill y al demonio mismo con aquellos prostéticos en la cara, los ojos y los dientes; pero nos olvidamos del personaje del padre Merrin. Y es que me quiero detener en ese personaje, porque cuando Max von Sydow interpretó al exorcista, en realidad tenían 44 años de edad, su cabello era rubio y él tenía pocas arrugas en el rostro; muy diferente a su personaje. 

La misma Ellen Burstyn, quien interpreta a Chris McNeill, la madre de Regan, hacía algunos comentarios sobre la personalidad imponente y lo atractivo que le resultaba Max von Sydow antes de entrar a sus largas sesiones de maquillaje para caracterizarlo como el decano sacerdote. Pocos saben también, que el estudio, es decir, Warner Bros., en realidad quería a Marlon Brando para el papel del atormentado exorcista; sin embargo, fueron el director Friedkin y el mismo Blatty quienes rechazaron la idea, pues el gigantesco ego que tenía el célebre actor en esos años les hubiera limitado en realizar algunas escenas: “no quería que la película, se convirtiera en un capricho de Brando”, comentó años más tarde el mismo director además, argumentando que la elección de von Sydow para interpretar al sacerdote, no había podido ser mejor. 

Siendo adolescente y ya viendo “El exorcista” con más madurez y menos miedo, seguí la trayectoria de von Sydow, quien ha dejado una marca en el cine de todos los tiempos. Un actor que no le temía a los géneros cinematográficos, pues lo mismo fue Ming el Despiadado en la cinta ochentera “Flash Gordon”, sí, aquella a la que Queen le hizo su banda sonora o  realizaba la obra de Arturo Ripstein, una cinta mexico-británico que se llamó “Foxtrot”, al lado de otra desaparecida leyenda del cine: Peter O’Toole. Estelarizó también películas en español como “Jugando con la muerte” dirigida por José Antonio de la Loma en 1982. Lo mismo drama, cine histórico, ciencia ficción, horror, acción, fantasía o clásicos; lo mismo fuera el director del tamaño que fuera como Sydney Pollac; Steven Spielberg; Martin Scorsese; Darío Argento; J. J. Abrams o Lars von Trier; Max von Sydow siempre brillaba de manera intensa en cada una de sus actuaciones. Lo mismo fuera “El exorcista” que “La guerra de las galaxias: el despertar de la fuerza”, “Minority Report: Sentencia previa” o “Game Of Thrones”. Se fue una leyenda de la actuación; se fue uno de los pilares del cine. Se fue uno de los más grandes actores de todos los tiempos y la pantalla de plata, seguro extrañará al actor cuya silueta se ha convertido en una de las imágenes más afamadas del planeta, pues el póster de la también legendaria “El exorcista”, es su figura de espaldas la que vemos. 

Cinco películas con mujeres poderosas como protagonistas


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Este domingo, conmemoramos el Día Internacional de la Mujer. Un día que nació no para celebrar su condición de sexo, sino para recordar que han sido ellas, las víctimas de vejaciones, violencia, feminicidios y demás atrocidades, sin mencionar que su lucha, es por el justo hecho de gozar de derechos humanos básicos. 

No celebramos nada, conmemoramos la lucha que realizan para que se les garantice la igualdad de oportunidades y derechos en todos los ámbitos. Así, que este jueves y en vísperas de esta conmemoración, les propongo cinco películas con mujeres fuertes como protagonistas y que también, es un pequeño aporte al tema feminista: 

1.- “Todo sobre mi madre” (1999)

Director: Pedro Almodóvar

Protagonistas: Cecilia Roth; Marisa Paredes; Penélope Cruz; Antonia San Juan y Candela Peña

Distribución: 20th Century Fox

Yo no considero a “Todo sobre mi madre” una de las mejores películas de Pedro Almodóvar, considero que es LA PELÍCULA de Pedro Almodóvar. Poderosa, entrañable, con personajes que presentan sororidad en todo sentido y que muestran resiliencia ante adversidades tremendas. Esta cinta le dio al director manchego el premio Goya a la Mejor Película y a Mejor Director, asimismo, el Oscar a Mejor Película Extranjera. Las mujeres protagonistas de esta película, hacen que las historias de “Un tranvía llamado deseo” y “Todo sobre Eva”, desemboquen en una película llena de pujantes momentos con una temática arriesgada pero que nos enseña que cuando se apoyan entre mujeres, todo es posible. 

2.- “Como agua para chocolate” (1992)

Director: Alfonso Arau

Protagonistas: Lumi Cavazos; Regina Torné; Marco Leonardi; Claudette Maillé; Ada Carrasco y Arcelia Ramírez

Distribución: Miramax Films

Un amor imposible y la lucha de Tita (Lumi Cavazos) por romper una tradición que no le permite enamorarse y ser feliz. Una cinta que rompió todos los cánones del cine mexicano y que fue un parteaguas en el momento de su estreno. Mujeres que a través de la comida, nos transmiten sentimientos y experiencias eróticas. Tita es una de las heroínas más recordadas de la literatura mexicana y del cine. “Como agua para chocolate”, fue un éxito sin precedentes en el mundo entero. 

3.- “Lady Bird” (2017)

Directora: Greta Gerwig

Protagonistas: Saoirse Ronan y Laurie Metcalf

Distribución: Universal Pictures

Mudarse de ciudad, pasar de la adolescencia a la juventud madura, superar a los novios y entender a una madre en la etapa de menopausia; son algunos de los tantos temas por desmenuzar en la aclamada “Lady Bird”, una cinta que debió tener más reconocimiento que el que recibió. Greta Gerwig se convirtió en la quinta mujer en ser nominada al Oscar en la categoría de Mejor Director (sí, apenas la quinta) y la película recibió cuatro nominaciones más incluyendo Mejor Película y de las que no ganó ni una sola estatuilla; pero sí lo hizo en los Globos de Oro, donde se alzó con el premio a Mejor Película de Comedia o Musical y Mejor Actriz de Comedia o Musical para Ronan. Una historia que hace descubrir que el poder femenino, no tiene límites. 

4.- “El piano” (1993)

Directora: Jane Campion

Protagonistas: Holly Hunter; Anna Paquin; Harvey Keitel y Sam Neill

Distribuidora: Miramax Films

La historia de una pianista muda y su hija, situada en un lugar de Nueva Zelanda del siglo XIX, nos hace reflexionar sobre el poder del amor y cómo se abre camino a costa de lo que sea. El idilio vivido por Ada McGrath (Holly Hunter) y George Baines (Harvey Keitel), nos revelan una historia atrevida, pero que pone de manifiesto, la libertad de las mujeres en vivir el amor y la sexualidad con quien decidan. Holly Hunter se llevó el Oscar a Mejor Actriz y Anna Paquin a Mejor Actriz de Reparto siendo una niña, en 1994. Campion fue nominada como Mejor Directora, pero no se llevó el galardón. 

5.- “Julie y Julia” (2009)

Directora: Nora Ephron

Protagonistas: Meryl Streep; Amy Adams y Stanley Tucci

Distribuidora: Columbia Pictures

La escritora, periodista, productora y después cineasta Nora Ephron murió en 2012 víctima de leucemia; sin embargo, su último filme “Julie y Julia” nos dejó una muestra de su maestría al escribir guiones y dirigir. Dos mujeres, con casi el mismo nombre pero de generaciones distintas, se interconectan gracias al gusto que tienen por guisar. Una cinta ligera y poderosa. 

Han faltado muchas más películas con grandes mujeres que las han protagonizado. Prometo en breve, realizar otro conteo como este, para seguir rindiéndoles, aunque sea, un homenaje modesto.

Cinco canciones elementales de Bon Jovi


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ayer, lunes 02 de marzo, uno de los rockeros más influyentes de todos los tiempos, llegó a los 58 años. Hablo de Jon Bon Jovi, líder de la banda Bon Jovi que nos ha entregado un sinnúmero de éxitos y temas que relacionamos con el rock surgido en los años ochenta, pero que se ha mantenido vigente a lo largo de los años. 

Jon Bon Jovi es un cantante de dotes extraordinarias. Su voz con un tono de tenor lírico ligero, lo convierten en uno de los intérpretes con una de las voces y estilos más peculiares. Pero no solo eso, Jon Bon Jovi es catalogado como uno de los hombres más guapos del mundo, y eso quedó patente cuando en el año 2000, la revista “People” lo nombró como “el cantante de rock más sexy del mundo”. Pero también, es miembro del prestigiado Salón de la Fama de los Compositores que lo integró a sus filas en el 2009. Hablar de su trayectoria nos tomaría mucho espacio; así que creo que es mejor homenajearlo, recordando cinco de sus grandes creaciones: 

1.- “Livin’ On A Prayer”

Compositores: Jon Bon Jovi, Desmond Child y Richie Sambora

Álbum: Slippery When Wet (1986)

Discográfica: PolyGram / Mercury Records

Este fue el segundo single del álbum lanzado en 1986 y es hasta la fecha, quizá la canción más conocida de la banda. Incluso, la cadena VH1, la colocó en el puesto número uno de su conteo “Las 100 más grandiosas canciones de los 80’s”. Y la cadena televisiva tenía razón en posicionarla en el sitio de honor, pues el tema fue número uno de las listas en todo el mundo, incluyendo el Billboard Hot 100 en 1986. “Livin’ On A Prayer”, es actualmente, una de las canciones con más descargas en plataformas digitales en el planeta entero. Un clásico no solo del rock, sino de la música en general. 

2.- “Runaway”

Compositores: Jon Bon Jovi y George Karak

Álbum: Bon Jovi (1984)

Discográfica: PolyGram / Mercury Records

Esta fue la canción con la que la banda se dio a conocer. Entre rock y denuncia social, la canción cuenta la historia de una joven que comete actos ilícitos al salirse de su casa a edad temprana, para enfrentarse a la difícil situación social que aquejaba a los jóvenes de esa época y que no dista mucho de la nuestra. “Runaway” se contiene en el primer disco de la banda y aunque oficialmente es de Bon Jovi, el vocalista, Jon en realidad la grabó con un grupo llamado “All Stars Review” antes de formar a Bon Jovi. 

3.- “It’s My Life”

Compositores: Jon Bon Jovi; Richie Sambora y Max Martin

Álbum: Crush (2000)

Discográfica: Island Records

La escena del rock había sufrido muchos cambios a lo largo de la historia y con este tema, Bon Jovi y su vocalista, demuestran que han madurado de una manera muy respetable. “It’s My Life” es hasta este momento, el sencillo más exitoso de la banda y el que la encumbra en el nuevo milenio, atrayendo a su sonido a nuevos fans. Muchos seguidores y críticos de música aseveran que “Crush” es un disco más pop que rockero, siendo según ellos, el disco más comercial de la agrupación. Esos comentarios, no han servido de nada para desprestigiarlo y vendió en su momento, más de ocho millones de copias en todo el mundo. 

4.- “Always”

Compositor: Jon Bon Jovi

Álbum: Cross Road (1994)

Discográfica: PolyGram / Mercury Records

Antes que llegara “It’s My Life” a convertirse en el sencillo más exitoso de la banda, estuvo “Always”, una power ballad que en 1994, vendió más de 10 millones de copias. Este tema fue el primer single del primer disco recopilatorio de Bon Jovi y que incluía temas desde su nacimiento en 1984, hasta el disco “Keep The Faith” de 1992. La posición más alta de “Always” en Billboard Hot 100 fue el cuarto sitio, pero sí alcanzó el primer puesto en 13 países, incluyendo el nuestro; el desempeño del tema también fue grandioso, pues estuvo 18 semanas dentro del top 10 de las listas mundiales. 

5.- “Bed Of Roses”

Compositor: Jon Bon Jovi

Álbum: Keep The Faith (1992)

Discográfica: PolyGram / Mercury Records

Esta es otra power ballad imprescindible, aunque sea una oda a la resaca. Fue lanzada como segundo single del álbum y tuvo también un gran desempeño en listas a nivel mundial, pues entró al top 10 de Billboard más o menos en séptima semana de lanzamiento. “Bed Of Roses” tuvo una versión en español titulada “Cama de rosas” que se incluyó en la versión del disco que se editó en España y América Latina; y con todo y su mal pronunciado español de Jon, el tema en castellano alcanzó la primera posición en el conteo de Los 40 Principales, de le península ibérica. 

Así, celebramos a uno de los cantantes más influyentes de la industria de la música y que se ha mantenido con éxito, por casi 40 años de carrera. El hijo de una de las primeras conejitas de Playboy, no quería ser músico cuando era niño y fue hasta la adolescencia cuando el amor por las notas musicales, le llegó. Éxito, reconocimiento, canciones, un Globo de Oro y una nominación al Oscar, son parte de los logros de una de las carreras más prolíficas en la industria de la música de todos los tiempos. Así, celebramos los 58 años de Jon Bon Jovi. Un grande; una leyenda.

Cinco imprescindibles películas de suspenso


Ismael Ortiz Romero Cuevas

La verdad, es que uno de mis géneros favoritos en el cine es el thriller y el suspenso. Me encanta sentir esa adrenalina y esas ansias que una historia donde no sabemos qué sucederá, provoca. En el séptimo arte, hay cintas grandiosas de ese género, que no solo me han cautivado con la belleza y original de su historia, sino con giros en el guion que han sorprendido a más de uno. Historias vertiginosas, asombrosas, en ocasiones oscuras y tétricas me cautivan a más no poder a grado tal, que soy capaz de que si me gusta mucho una historia, repetirla y repetirla y repetirla; es el caso de “Tesis” de Alejandro Amenábar por ejemplo. 

Así que este jueves, en víspera del fin de semana, les propongo cinco grandes cintas del género de suspenso que se han estrenado desde el año 2000 y que han provocado más de una sorpresa y aceleración cardiaca a más de un espectador: 

1.- “La isla siniestra” (2010)

Director: Martin Scorsese

Protagonizan: Leonardo DiCaprio; Mark Ruffalo; Michelle Williams y Ben Kingsley

Distribuidora: Paramount Pictures 

En la década de los cincuentas, los detectives Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo), investigan la misteriosa desaparición de un paciente en un hospital psiquiátrico. La cinta dirigida por Scorsese, que es mayormente reconocido por sus películas de gangsters, nos da cátedra de dirección al presentar una historia completamente distinta a las que acostumbra a hacer. Con toques de cine negro, escenas con una carga extra de tensión, el ambiente gótico del lugar y la iluminación macabra, estoy seguro que harán sudar a más de uno en el asiento. Imperdible. 

2.- “Memento” o “Amnesia” (2000)

Director: Christopher Nolan

Protagonizan: Guy Pierce; Carrie-Ann Moss y Joe Pantoliano

Distribuidora: Summit Entertainment

Considero que no hay nadie mejor en el cine actual que Christopher Nolan para retorcer la realidad y acomodarla en favor de una historia original, inteligente y nada fácil de digerir en una primera vista. Leonard (Guy Pierce) es un hombre que padece de amnesia anterógrada tras un evento traumático que le afectó la mente. La película es una especie de rompecabezas que cuenta la historia de dos maneras: una en orden cronológico y la otra hacia atrás y que necesita de toda la atención del espectador para unir las piezas y descubrir que se trata de una de las ficciones más retorcidas que el cine ha tenido. Sin duda, la forma en que está escrita es lo más deslumbrante de la película. Muchos críticos consideran ésta, la ópera prima de Nolan, como su obra maestra. 

3.- “Perdida” (2014)

Director: David Fincher

Protagonizan: Ben Affleck; Rosamund Pike y Neil Patrick-Harris

Distribuidora: 20th Century Fox

Nick Dunne (Ben Affleck) se convierte en el hombre más odiado de su ciudad al ser el principal sospechoso de la desaparición de su esposa Amy (Rosamund Pike). Basada en el libro de la escritora y periodista, Gillian Flynn, y que, a su vez, se apoyó en hechos reales, esta película, grandiosamente dirigida por Fincher presenta una historia que no va a soltar al espectador desde el primer minuto de proyección. Los acontecimientos llevarán a que solo sea el público el conocedor de los verdaderos hechos, revelando un final bizarro, retorcido y hasta tenebroso. Actualmente, está disponible en Netflix. 

4.- “Contratiempo” (2017) 

Director: Oriol Paulo

Protagonizan: Mario Casas; Bárbara Lennie; José Coronado y Ana Wagener

Distribuidora: Warner Bros. España 

El cine español nos ha entregado suspenso del bueno. Y “Contratiempo” no es la excepción. Esta es la segunda cinta dirigida por Paulo y que nos entrega una historia llena de suspenso y misterio, además, excelentemente bien retratada. Es cierto, el algún momento se vuelve predecible, pero lo interesante de esta película española es la astucia con que la “preparadora de testigos”, orilla a Adrián Doria (Mario Casas) a revelar cosas que debían quedar en secreto. El giro argumental del final es apoteósico; también está disponible en Netflix. 

5.- “¡Huye!” (2017)

Director: Jordan Peele 

Protagonizan: Daniel Kaluuya y Allison Williams

Distribuidora: Universal Pictures

Esta película es catalogada como de horror, pero en realidad es de suspenso por su estructura. Dirigida por Jordan Peele, “¡Huye!”, es una metáfora bizarra y terrorífica de lo que representa el racismo aún en los Estados Unidos y cómo es vista la comunidad afroamericana; asimismo, también realiza una crítica a lo que fueron los esclavos. Y aunque es entrañable, graciosa y hasta romántica, los elementos incluidos, las grandes actuaciones, pero, sobre todo la intensa y aterradora historia, hará que no te olvides de esta cinta por mucho tiempo y es más, querrás volver a verla cada que se pueda. Esta cinta, fue nominada al Oscar en 2018 en la categoría de Mejor Película. Así, ya te imaginarás el tamaño de historia. 

Así que, en vísperas del fin de semana, espero que te interese algunas de estas propuestas que te mencioné hoy.

La alta sacerdotisa del soul: entre la vulnerabilidad y el temperamento


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Hablar de Nina Simone, es hablar de cientos de canciones, es hablar de jazz y blues, es hablar de soul y de la influencia que ha ejercido en cantantes, mujeres y hombres, consagrados hoy en día. Hablar de Nina Simone, es detenerse a disfrutar no solo de su ultra versátil voz y su peculiar tono de contralto que, además, adornaba con esas notas jadeantes que definieron su estilo. Es hablar de un pedazo de historia de la música. Es hablar de una leyenda. 

Recuerdo a Nina Simone, porque el pasado 21 de febrero, la llamada “Alta sacerdotisa del soul” habría llegado a los 87 años de seguir viva; una mujer progresista que se atrevió a ser una voz en contra de la segregación de la población afroamericana en los Estados Unidos, cuando esa comunidad era aún humillada y sobajada a niveles vergonzosos. Nina, no solo fue una cantante que marcó una escuela en los géneros del jazz y el blues, se convirtió en una dura crítica hacia las políticas de los derechos humanos en el país donde aún esa comunidad, no podía tener contacto más que de sirvientes aún, con los sajones. 

Fue también una feminista atrevida, luchadora y que no le temblaba la mano en señalar los abusos en contra de las mujeres. Alguna vez, la activista Germaine Greer, afirmó que no solo quienes apoyan el movimiento feminista, sino todas las mujeres debían tener de referencia a la gran Nina, porque “ella es la prueba de que el genio femenino es auténtico”, aseveró. Así, la integrante del llamado ‘black power’ de la década de los cincuentas y sesentas, también fue presa de críticas demoledoras, pues cuando ya contaba con mucho reconocimiento y fama, se decía que la cantante tenía un carácter extremadamente difícil. A veces vulnerable, a veces altanera, a veces diva, a veces odiosa, a veces graciosa; pero siempre grande. Se dice también que ya en sus últimas presentaciones, Simone conectaba con el público de una manera empática y sencilla, contaba anécdotas y se presentaba muy agradable ante ellos. 

Su lucha por el empoderamiento de las mujeres se vio reflejada en sus poderosas interpretaciones de temas como “Four Women”, de 1966, donde presta su voz a cuatro personajes que reflejan el arquetipo que según la moral estadounidense, debían tener las afroamericanas en esos años. Así, una esclava de fuerte espalda que soporta los azotes, una chica producto de una violación, una prostituta y una mujer resentida, toman forma en este tema que ha sido uno de los más elogiados de la pianista, cantante y compositora. 

En esa misma temática, podemos encontrar también el increíble tema “Ain’t Got No, I Got Life” que literalmente dice: “No tengo casa, ni zapatos. Ni dinero, ni estilo. Ni faldas, ni jerseys. No tengo perfume, ni cerveza. No tengo hombre. No tengo madre, ni cultura. No tengo amigos, ni estudios. No tengo amor, ni nombre. No tengo boleto, ni tengo pase. No tengo Dios (…) ¿Qué es lo que tengo?  Tengo mi pelo, mi cabeza. Mi cerebro y mis orejas. Mis ojos y mi nariz. Mi boca y mi sonrisa. Tengo mi lengua y mi barbilla. Mi cuello y mis tetas. Mi corazón y mi alma. Mi espalda y mi sexo. Mis brazos y mis manos. Mis dedos y mis piernas. Mis pies y mi dedo gordo. Mi hígado y mi sangre. Tengo mi vida, tengo mi libertad. Tengo mi vida y la voy a conservar”; todo un himno feminista que sigue enchinando la piel. 

Quizá uno de sus temas más famosos sea “Feeling Good”, del cual en 2005, hizo un cover Michael Bublé. Pero Nina es mucho más que canciones, piano, jazz, soul y blues. Es hablar de movimientos sociales, es hablar de lucha, es hablar de empoderamiento y de protesta inteligente. Así, después del asesinato de Martin Luther King, Simone decidió dejar los Estados Unidos e irse a radicar a Barbados. Y no regresó al país del tío Sam hasta 1978, cuando se le acusó de evasión de impuestos; y sí, lo hizo de manera consciente e intencionada, pues había dejado de pagarlos en protesta por la guerra de Vietman. 

Nina es una inspiración, es una poderosa referencia que es citada por grandes artistas como Diana Ross, Mariah Carey, Alicia Keys, Beyoncé, John Legend o Luther Vandross como su su fuente de plectro y para quien quiera saber más de la legendaria cantante, puede ver en Netflix el documental “What Happened Miss Simone?”, donde se retrata todo el poderío de su personalidad y su extraordinario talento. Porque ella seguirá estando vigente estoy seguro, desde donde esté, estará apoyando siempre a las mujeres en su lucha. A las de todas las naciones, a las de todos los niveles; porque Nina Simone es eterna.