He-Man y la nostalgia


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Si algo es negocio sin duda, es invocar a la nostalgia de la que ahora somos la generación con estabilidad y poder adquisitivo: la X; y eso lo saben todos los que se dedican a la industria del entretenimiento y por eso resultan un éxito proyectos como “Luis Miguel: la serie”, “Menudo: Súbete a mi moto” o visiones modernas de antiguos iconos como “Riverdale”, que se basa en los personajes de Archie Cómics o “Sabrina, la bruja adolescente” que fue un éxito a mediados de los noventa y Netflix, le dio un giro interesante; de igual manera, son un éxito esos cantantes de antaño y que retoman sus éxitos con nuevos arreglos. La añoranza es un gran negocio. 

Y escribo esto, justamente porque en esta semana, Netflix nos sorprendió con el primer avance de la nueva serie animada de He-Man y sus amigos, la cual llevará por nombre: “Amos del universo: Revelación”. Debo ser honesto y yo como muchos, esperamos desde hace años una cinta ‘live action’ de estos personajes que nos acompañaron en la infancia y que hacían que nuestras tardes, fueran de lo más divertidas con sus heroicas hazañas. Pero, además esperamos siempre una cinta que reconociera nuestra evolución como espectadores y el deseo de los fieles seguidores, era que ese supuesto proyecto, estuviera cargado con mucha acción, un tanto violenta, oscura y con un desarrollo de personajes digno y no un chiste como lo fue esa cinta de 1987 que no debió haber existido. Esperamos algo así como “El señor de los anillos”, pues estos personajes lo merecen. 

Lo del ‘live action’ de “Los amos del universo” ha sido un gran deseo que de repente llena de esperanzas al público cuando algún estudio anuncia su próxima producción y meses más tarde, su cancelación. La última noticia formal que hubo sobre una cinta de este universo creado por la marca Mattel y que ahora pertenece a DC Comics, fue en 2017 e incluso, anunciaron que el actor Noah Centineo sería el encargado de encarnar a He-Man, pero nada sucedió después y la producción fue “suspendida” a mediados del 2018 sin más noticias, hasta ahora cuando el gigante del ‘streaming’, Netflix, apareció para rescatar a estos personajes. 

Desde inicios de 2021, la plataforma anunció que ya estaba casi lista una serie de este universo, pero que sería de animación. Supongo que eso fue en respuesta a Amazon Prime Video que en esas mismas fechas anunció su producción animada para adultos de nombre “Invencible” y que de verdad, no decepcionó en nada. Siguiendo esa misma fórmula, Netflix liberó hace unos días el primer avance de la serie en donde sin duda, aquellos que amamos y crecimos con estos personajes, quedamos embelesados por lo que la serie promete: acción, personajes icónicos y sobre todo, una evolución en la trama que nos llevaría sin duda, a una historia mucho más oscura e impetuosa. Justo lo que queríamos. 

En 2002, es decir, hace casi 20 años, Cartoon Network creó la serie de “He-Man y los amos del universo” en un ‘reboot’ que mereció el reconocimiento de la crítica y público. Sin embargo, la inconsistencia en su transmisión, pues la cambiaban de días y horarios prácticamente cada semana, hizo que perdiera audiencia y los anunciantes se fueran, por lo que únicamente se emitió una temporada de 39 episodios; eso también derivó en que la línea de juguetes no se vendiera como Mattel esperaba; es decir, fue un fracaso rotundo a pesar de que los conocedores admitieron que la producción televisiva era realmente impecable y con una historia lo suficientemente fuerte para agradar tanto al público infantil como el adulto que había visto la serie original.  

Después de todo ese tiempo con esperanzas de una cinta con una súper producción, y de noticias emocionantes que terminan en producciones fallidas, hoy Netflix nos promete una serie que afirma, encantará a quienes vimos nacer la enemista de He-Man y Skeletor y crecimos siendo sus fanáticos y coleccionando los juguetes. Eso sí, advierte que serán dibujos animados dirigidos preferentemente a adolescentes y adultos, señalando además, que esta historia iniciará en donde culminó la serie de Filmation en 1985, apuntando a que se trata de una continuación oficial, pero con una trama más madura y adulta en consideración de los seguidores que fueron niños durante la primera transmisión.

La sinopsis oficial que Netflix ha dado a conocer es esta: “Después de una batalla cataclísmica entre He-Man y Skeletor, Eternia se fractura y los Guardianes de Grayskull se dispersan. Y después de décadas de secretos que los destrozaron, depende de Teela reunir a al equipo diseminado de héroes y resolver el misterio de la Espada del Poder perdida en una carrera contra el tiempo para restaurar Eternia y evitar el fin del universo”.

“Amos del universo: Revelación” contará con en talento de súper estrellas en las voces y si no, revisen a este elencazo: Chris Wood como He-Man / Príncipe Adam; Mark Hamill como Skeletor; Sarah Michelle Gellar como Teela; Lena Headey como Evil-Lyn; Alicia Silverstone como la Reina Marlena; Steven Root como Battle-Cat y Griffin Newman como Orko. Asimismo, la dirección y realización de esta animación estuvo a cargo nada menos que de Kevin Smith director que en su trayectoria cuenta el haber realizado “Dogma”, cinta de culto de 1999 protagonizada por Ben Affleck; Matt Damon; Linda Fiorentino; Jason Mewes; Chris Rock; Alan Rickman; Jason Lee; Salma Hayek y Alanis Morissette; asimismo el haber dirigido algunos episodios de “The Big-Bang Theory” y “The Flash” para CW y algunas cintas animadas del universo Marvel; es decir, toda una garantía.

Somos muchos quienes esperamos que esta serie sea una producción digna de estos personajes que representan quizá, uno de los mayores recuerdos de nuestra niñez; en cierta medida, y deseamos con vehemencia que sea la antesala para probar que He-Man y sus amigos, tienen potencial para más producciones y un ‘live action’ digno, al final de cuentas, son héroes de una generación. “Amos del universo: Revelación” estará disponible en Netflix el próximo 23 de julio. 

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22 años del descomunal álbum de “Red Hot Chili Peppers”


Ismael Ortiz Romero Cuevas

La década de los noventa concluía en términos musicales con grandes materiales que, al paso de los años, se convirtieron en leyendas. Podemos citar por ejemplo a “Hours…” de David Bowie, un disco vanguardista y que significó la primera vez que un álbum se comercializaba completamente en el aún novedoso internet; salía al mercado también el disco “Play” del músico neoyorkino Moby, que daba testimonio de que una producción independiente podía colocarse entre los materiales con grandes ventas; se presentaba también “Rainbow” de Mariah Carey que se puede decir, fue el último éxito masivo de la cantautora y productora hasta el 2005, cuando tuvo el más impresionante ‘revival’ con “The Emancipation Of Mimi”, y entre otros, también llegaban a las estanterías de las tiendas de discos, “Supernatural”, uno de los máximos éxitos de Santana y Phil Colins nos sorprendía a todos con la banda sonora para la película de Disney, “Tarzán”. Como vemos, 1999, realmente fue un año increíble dentro de la música.

Y en mayo de ese año, arribó también al mercado uno de los materiales discográficos más aclamados de todos los tiempos: “Californication” de “Red Hot Chili Peppers”, al que podríamos definir como el trabajo emblema de la banda californiana. Y es que cuando el siglo XX llegaba a su fin, no podíamos encontrar la definición de esos tiempos si no es con la letra y sonido de este material, en el que se hablaba sin tapujos de la sociedad necesitada de cariño y atención, que representaba el acontecimiento de que la generación X se estaba convirtiendo en adulta; por ello, en sus letras podemos encontrar inmersa esa melancolía de esos buenos tiempos y donde también, apelando a esa madurez, se hablaba sin restricciones de drogas, sexo, fiestas, alcohol y demás elementos con los que se identificaban algunos de esos aún jóvenes inconformes. 

Para muchos especialistas en música, “Californication” no es el mejor trabajo de los “Peppers”, pues ellos refieren que el sonido de la agrupación ocupó su mejor momento en discos como “Mother’s Milk” de 1989 o “Blood Sugar Sex Magik” de 1991, donde explotaron al máximo su talento y pusieron de manifiesto la vanguardia en todo sentido dentro del rock alternativo; y podemos darles la razón en eso. Pero, en definitiva, “Californication” es un disco que marcó a una generación, es un álbum que pésele a quien le pese, era la definición certera de una realidad que ya no era tan dulce para muchos adolescentes noventeros, de esa generación que esperaba con ansias el nuevo milenio, pero al mismo tiempo, tenía miedo de sentirse arcaica. Sí, todo eso era “Californication”, que contenía canciones que sonaron en abundancia en todos lados (radio, antros, reuniones, televisión, etc.) y que es una placa que se vendió por decenas de millones alrededor del mundo. 

A quienes nos tocó ser testigos de su salida al mercado, no podemos negar que al escucharlo una lagrimita discreta se rueda por la mejilla, pues es un disco que para quienes fuimos adolescentes en esos años, nos trae recuerdos de muchas vivencias de aquellos años de juventud. ¡Qué rápido se fueron 22 años!, pienso cada que escucho “Scar Tissue”, quizá mi canción preferida del disco o algunas otras como “Around The World”; “Otherside”; “Porcelain” o la misma “Californication”, de este descomunal disco que nos deja una generosa sensación en el alma, por haber estado presentes durante la vigencia del que se puede convertir en uno de los discos históricos pre milenio; porque el percibir esas canciones que comienzan de manera suave y nos llevan a una explosión grandilocuente de sonidos y letra, hace que, al menos yo, me sienta feliz de haber vivido mi adolescencia y juventud en una época donde la música aún era propositiva. 

Y se agradece también porque también muchos coincidimos en que este disco fue algo así como el “apaga todo y vámonos” de los “Peppers” antes de que se convirtieran en una especie de parodia de lo que ellos mismos fueron, ya que, en trabajos posteriores los músicos ofrecieron solo una pizca mínima de la calidad, vanguardia, propuesta y hasta irreverencia que nos dieron en materiales como “Californication” y que hizo que el mundo se fascinara con ellos. Por eso, este trabajo resulta mucho muy importante. 

Gracias a las plataformas digitales, las nuevas generaciones pueden escuchar este material que sin duda, a los cuarentones nos sigue emocionando aunque a los más jóvenes les resulte irrelevante. Así, que amigos de generación y a todos los que gocen de este material, vamos a tomarnos una cerveza y a escuchar este disco (por cierto, ubicado en el puesto 88 de los “200 álbumes definitivos que todo amante de la música debe tener” de la revista Rolling Stone) para celebrar su vigésimo segundo aniversario. Y aunque a lo mejor lo ponemos en Spotify o iTunes por comodidad, algunos aún conservamos nuestro CD de este increíble material. 

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El valiente riesgo de DC Animations y Warner


Ismael Ortiz Romero Cuevas

El universo animado de DC y Warner en verdad que nos tienen acostumbrados a historias contundentes, oscuras, brutales y en cierto sentido, hasta psicológicamente complejas como las adaptaciones de las novelas gráficas “El hijo de Batman” (2014) o “La broma asesina” (2016), en donde los guionistas se tomaban licencias de tipo narrativo y de situaciones violentas que los ‘live action’ censuraban, y exploraban las retorcidas psiques de héroes icónicos como Batman / Bruce Wayne; El Guasón; Nightwing o Damian Wayne.

Las producciones animadas de DC y Warner han tomado un arco diferente desde el año pasado, en el cual Superman y demás personajes han tomado mayor relevancia, dejando descansar a Batman por lo pronto en estas producciones, como centro de su Universo. Así, en 2020, vimos llegar “Superman: hombre del mañana” y que de ese mismo universo se desprende el estreno de este año: “Sociedad de la Justicia de América: Segunda Guerra Mundial”, producción que ha sido de la complacencia tanto del público como de la crítica, pese a que han señalado de manera insistente, los huecos en el guion y lo confuso de la historia.

Sin embargo, ha encantado su diseño de producción, la coloración llamada ‘color shading’, la cual hace que las variaciones de colores en la animación no sean tan saturados y el diseño de los personajes; asimismo, han elogiado la actuación de los actores que prestan sus voces a los personajes entre los que destacan: Stana Katic como Mujer Maravilla / Diana Prince; Matt Boomer como Flash / Barry Allen; Chris Diamantopoulos como Steve Trevor y Darren Criss que repite el papel como Superman / Clark Kent. También, los comentarios tanto de los especialistas como del público elogian los grandes momentos de acción que la cinta de animación contiene y el parecido a los escenarios que nos mostró Zack Snyder en el universo ‘live action’ que no llegó a concretarse del todo, incluso, mencionando que la banda sonora creada por Kevin Riepl suena imponente, aún con el parecido a los acordes que compusieron Hans Zimmer y Junkie XL para el DCEU que encabezaba Snyder.

https://youtu.be/iem1GaASTu8

Pero no deja de haber un pelo en el arroz. El punto débil de “Sociedad de la justicia de América: Segunda Guerra Mundial” es por demás de lo que han adolecido las cintas de estos súper héroes que emanan de las filas de las historietas de DC: el guion. La historia no deja de tener algunos pasajes confusos con respecto a los personajes, desperdiciando incluso la aparición de Superman, a quien le dan una gran introducción en la historia bélica, pero que no acaba de entenderse del todo y termina siendo mero relleno. De igual forma, no queda completamente claro si el protagonista de la historia es Flash o la Mujer Maravilla y otro punto, y quizá el que yo más critico es que para ver esta cinta, se debe tener cierto conocimiento de los personajes y de las historias de cada uno de ellos, para entender que se desarrolla dentro del multi universo DC, en lo que se conoce como Tierra 2. Pero debo ser claro en algo, no por esos huecos, la historia deja de ser entretenida, es más, me atrevo a decir que es una gran y agradable sorpresa del universo animado DC, que en producciones anteriores se centraba en tramas que resultaban nada ligeras para el gran público; de igual manera, es una película con una trama oscura, de esas que el público seguidor sobre todo de estos personajes han solicitado tener en las producciones ‘live action’. La película es fresca, es entretenida y desarrolla de manera digna a sus héroes.

“Sociedad de la justicia de América: Segunda Guerra Mundial” inicia cuando Flash (Matt Bomer) en un intento de salvar a Superman (Darren Criss), toma un desvío inesperado gracias a su velocidad, el cual lo envía de regreso en el tiempo a la Segunda Guerra Mundial y donde Estados Unidos ha reunido a un equipo de súper héroes como una sociedad secreta, en su lucha contras las fuerzas alemanas y que incluye a la Mujer Maravilla (Stana Katic); Hombre Halcón (Omid Abtahi); Hourman (Matthew Mercer); Canario Negro (Elysia Rotaru) y otra versión de Flash (Armen Taylor). Así, el equipo de súper héroes tendrá que acabar con la Segunda Guerra Mundial en Tierra 2 y en donde el Flash del futuro, se les une para conseguir su causa.

Una película que llegó directo a las plataformas digitales y a los formatos caseros y que, sin duda, resulta un gran entretenimiento. Cabe aclarar que, aunque la cinta es de animación, cuenta con clasificación B13.

https://youtu.be/mo9xWZsOAf4

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Cine mexicano en Netflix


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ya estamos cerca del fin de semana y aunque serán días de reflexión para ir a emitir nuestro voto el próximo domingo, es necesario despejar nuestra mente y pensar en algo menos espinoso que las posiciones políticas que se juegan; y para ello, qué mejor que ver buen cine. Por eso, este día, te sugiero algunas películas mexicanas que se encuentran disponibles en Netflix, para pasar un fin de semana lo más relajado posible: 

1.- “El baile de los 41” (2020)

Director: David Pablos

Protagonistas: Alfonso Herrera; Emiliano Zurita; Mabel Cadena; Fernando Becerril y Paulina Álvarez

Productoras: El Estudio; Canana Films; Bananera Filmes; Iabo; EFD; Brasil Producciones y TeleCine

Distribución: Netflix / Cinépolis

Esta parte de la historia no viene en los libros y esta es una película en la que vemos, la lucha para conquistar las libertades que hoy tenemos. Estelarizada por Alfonso Herrera y Emiliano Zurita, “El baile de los 41” nos relata el hecho que fue borrado de la historia porque se consideraba vergonzoso y más, porque en esa fiesta donde se hizo una redada, había puros hombres y algunos vestidos de mujer. El hecho es que dentro de ese grupo se encontraba Ignacio de la Torre y Mier (Alfonso Herrera), yerno del entonces presidente Porfirio Díaz (Fernando Becerril) e integrantes de las altas esferas sociales del México de principios del siglo XX. Y aunque ese hecho se trató de desvanecerlo, la prensa de esos años publicó el acontecimiento en lo que se sabe, fue la primera vez que los medios de comunicación hablaron abiertamente de la homosexualidad. Una película que además de adentrarnos en esa fiesta, cuenta con una producción y dirección de primera. 

2.- “Chicuarotes” (2019)

Director: Gael García Bernal

Protagonistas: Benny Emmanuel; Gabriel Carbajal; Leidi Gutiérrez; Esmeralda Ortiz; Dolores Heredia; Enoc Leaño; Daniel Giménez Cacho; Ricardo Abarca; Pedro Joaquín y Silverio Palacios

Productoras: Producciones Amaranto; Televisa y Pulse Films

Distribución: Cinépolis

Una película que ha dividido la opinión del público, pues mientras unos la aman hay otro sector que la odia por diversas razones y una de las recurrentes, señalan el intento de Gael García Bernal de copiar el estilo de Alejandro González Iñárritu. Sin embargo, la crítica ha sido benévola con esta cinta que ha tenido un nutrido número de reseñas positivas por parte de los especialistas. Yo, te recomiendo verla para que saques tus propias conclusiones y aunque se trata de mostrar una realidad social, no podemos dejar de indicar los clichés en los que García Bernal cae con respecto a la narrativa de la cinta, sin embargo, técnicamente es impecable. También hay que reconocer el trabajo de los protagonistas: Benny Emmanuel y Gabriel Carbajal, de quienes “Chicuarotes” fue su primera incursión en el séptimo arte. 

3.- “Tiempo compartido” (2018)

Director: Sebastián Hoffman

Protagonistas: Luis Gerardo Méndez; Miguel Rodarte; R. J. Mitte; Cassandra Cianguerotti; Monserrat Marañón y Andrés Almeida

Productoras: Circe Films y CTT Exp & Rentals

Distribución: Cinépolis

Cuando el avance nos dice que esta cinta tiene a Luis Gerardo Méndez como nunca lo has visto, tiene razón, pues el actor nos tiene acostumbrados a papeles, que en efecto, están llenos de matices, siempre lo habíamos visto en comedias o cintas románticas. “Tiempo compartido” es un ‘thriller’ psicológico de manufactura mexicana que rompe los esquemas en la producción y en imagen para una historia de este género. Con muchos tonos pastel, esta cinta poco a poco nos vuela la cabeza, al grado tal que, en poco tiempo, estamos completamente inmersos en la trama. La sorpresa, es sin duda ver a R. J. Mitte, que nos robó el corazón en “Breaking Bad” (la mejor serie de todos los tiempos), en esta producción mexicana. Si te gusta el ‘thriller’, no te puedes perder esta película. 

4.- “Rudo y cursi” (2008)

Director: Carlos Cuarón

Protagonistas: Gael García Bernal; Diego Luna; Guillermo Francella; Jessica Mas; Dolores Heredia; Adriana Paz; Armando Hernández y Joaquín Cosío

Productoras: Cha Cha Cha Films y Canana Films

Distribución: Universal Pictures / Focus Pictures 

La expectativa por ver de nuevo juntos en la pantalla grande a los “Charolastras”, Gael García Bernal y Diego Luna tras el exitazo de “Y tu mamá también” era realmente grande, y esto pasó en 2008, con esta película que también fue bien recibida por el público y la crítica, aunque no fue tan exitosa como la primera en cuanto a taquilla. “Rudo y cursi” es una película que nos hace pasar un rato de los más entretenidos, pues el conflicto de los hermanos resulta potente y hasta conmovedor en cierto sentido. Esta cinta, es la que sirvió de inspiración para la serie “Club de cuervos” y ver actuar a Gael y Diego es un deleite al por mayor. 

5.- “Elvira: te daría mi vida, pero la estoy usando” (2014)

Director: Manolo Caro

Protagonistas: Cecilia Suárez; Vanessa Bauche y Luis Gerardo Méndez

Productoras: Noc Noc Cinema y Woo Films

Distribución: Cinépolis

No podemos negar la influencia de Pedro Almodóvar en las películas de Manolo Caro. Los personajes y las situaciones inverosímiles y hasta bizarras, son los distintivos que Caro ha emulado del director manchego y lo ha hecho de manera estupenda, incluso ya, creando su estilo. “Elvira: te daría mi vida, pero la estoy usando” no es la excepción y la historia nos lleva a vivir un drama con toques de humor que se disfruta de manera increíble. Con esta cinta, comenzó la colaboración de Cecilia Suárez con el director, que sin duda se afianzó en “La casa de las flores”. Una película que nos hará pasar un gran rato. 

Ojalá estas películas sean una buena opción para este fin de semana y no se les olvide, salir a votar el domingo. 

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Cinco películas clásicas de horror, basadas en libros


Ismael Ortiz Romero Cuevas

El séptimo arte se ha valido desde siempre de obras literarias para crear sus historias; ya sean de drama, suspenso, acción o históricas, siempre la literatura y el cine se han aliado para entregarnos ficciones estupendas; bueno, a veces no tanto, pero que se disfrutan de alguna forma. Así, pudimos ver llegar a los personajes de “El señor de los anillos” a la gran pantalla o las mismas novelas de “Harry Potter”, que incluso inspiró la creación del Universo Marvel, o historias poderosas como “El marciano” y “El padrino”, o de amor como “Cómo agua para chocolate”. 

Pero el género del horror también ha encontrado libros e historias grandiosas para llevar al séptimo arte y hoy, vamos a recordar cinco clásicos del cine de este género fantástico que se han basado en novelas y que también, han sido ‘best seller’. El orden es meramente aleatorio:  

1.- “El exorcista” (1973)

Autor de la novela: William Peter Blatty

Director de la cinta: William Friedkin

Protagonistas: Ellen Burstyn; Max Von Sydow; Jason Miller; Lee J. Cobb y Linda Blair

Productoras: Hoya Productions y Warner Bros. Pictures

Distribución: Warner Bros. Pictures

En este espacio ya hemos hablado mucho de esta cinta. Y es que no es solo una digna adaptación de la novela publicada en 1971, sino que es una de las mejores películas del género y en general, de todos los tiempos. “El exorcista” ha pasado a la historia como la obra maestra del cine de horror y una pieza insuperable en ese terreno, tanto que, estando cerca de llegar a los cincuenta años se siguen produciendo películas con temáticas de exorcismos, tratando de emular el éxito y potencia de esta magnífica pieza del séptimo arte. Incluso en este espacio, ya comentamos algunas diferencias interesantes entre el libro y la película que merecen ser analizadas y que, sin embargo, no le quitan genialidad a la pieza que dirigió Friedkin en 1973. Se espera que, en próximos meses Warner Bros., presente un ‘remake’ que puedo vaticinar, no tendrá el vigor de la película original, pues las mismas secuelas de esta película, pasaron con mucha más pena que gloria. 

2.- “El silencio de los inocentes” (1991)

Autor de la novela: Thomas Harris

Director de la cinta: Jonathan Demme

Protagonistas: Jodie Foster; Anthony Hopkins; Scott Glenn y Anthony Heald

Productoras:  Strong Heart; Demme Production y Orion Pictures

Distribución: Metro Goldwyn Mayer y Orion Pictures

Si la película nos vuela la cabeza, no les quiero decir de lo que es capaz el libro. Es de esas historias que incluso no te deja dormir de los intrigado que nos deja. Lo cierto, es que la única cinta del género de horror que ha ganado un premio Oscar a Mejor Película ha sido justamente la adaptación de la novela “El silencio de los inocentes”, que se publicó en 1988 y que también es reconocida como una de las mejores historias de misterio y horror de la literatura. La película ganó además los premios a Mejor Actriz para Jodie Foster y el de Mejor Actor que se lo llevaba por primera vez Anthony Hopkins, así como el de Mejor Director para Demme y Mejor Guion Adaptado. La historia ha dado para la creación de una franquicia en la que las demás películas, no han tenido el impacto de la primera. 

3.- “El bebé de Rosemary” (1968)

Autor de la novela: Ira Levin

Director de la cinta: Roman Polansky

Protagonistas: Mia Farrow; John Cassavetes; Ruth Gordon y Sidney Blackmer

Productora: William Castle Production

Distribución: Paramount Pictures

Para muchos, esta es la mejor película de horror de todos los tiempos. Sin la necesidad de recurrir a los sobresaltos, sustos sorpresivos o seres sobrenaturales, “El bebé de Rosemary” es una cinta no solo que se toma su tiempo para inquietarnos, sino que se encuentra tan llena de incertidumbre, que nos genera una angustia certera. La novela escrita por Ira Levin, se publicó por primera vez en 1967 y poco después, Paramount se hizo con los derechos para adaptarla al cine, contratando al cineasta polaco Roman Polansky para que la dirigiera. Esta cinta, ganadora del Oscar a Mejor Actriz de Reparto para Ruth Gordon, fue una especie de mal ‘karma’ para el cineasta, pues se dice que, por los simbolismos utilizados en la misma, la secta de Charles Manson, asaltó su mansión y asesinó a la esposa embarazada de Polansky, la actriz y modelo Sharon Tate. Una película aterradora y a la vez elegante que, con más de cincuenta años de existencia, sigue mostrando que el género de horror puede salirse del ‘cliché’ establecido para ser incluso más pujante.

4.- “El resplandor” (1980)

Autor de la novela: Stephen King

Director de la cinta: Stanley Kubrick

Protagonistas: Jack Nicholson; Shelley Duvall; Danny Lloyd y Scatman Crothers

Productoras: Warner Bros. Pictures; Hawk Films y Peregrine Productions

Distribución: Warner Bros. Pictures

Con esta cinta podemos definir muy bien de qué se trata una adaptación para el cine. Y es que lo que Stanley Kubrick hizo con la novela de Stephen King fue tomar a los personajes; ciertas características y escenarios para reescribir la historia y presentar algo muy distinto a lo planteado en el libro. Por su parte, el libro nos lleva en una narrativa aterradora y llena de eventos paranormales que atormentan a la familia del hotel Overlook: mangueras convertidas en serpientes, fantasmas que interactúan y animales hechos de arbustos que atacan a Danny. La película por su parte, se toma licencias distantes y nos ofrece un relato igual de aterrador pero que se enfoca más en el horror psicológico y en la transformación del protagonista, dejando incluso al personaje del hotel en segundo plano para hacer lucir de manera indiscutible al trío de protagonistas y donde Nicholson sin duda, pone la sazón. Con esta cinta Kubrick también da cátedra como cineasta, entregándonos tomas llenas de horror pero que se complementan con la simetría, la estética, la iluminación y el color, llenando la pantalla de una belleza inimaginable. A Stephen King no le gustó en absoluto las libertades tomadas por el director y por Warner para realizar esta historia y por ello, se enemistó con el cineasta de por vida. 

5.- “Drácula de Bram Stoker” (1992)

Autor de la novela: Bram Stoker

Director de la cinta: Francis Ford Coppola

Protagonistas: Gary Oldman; Winona Ryder; Keanu Reeves y Anthony Hopkins

Productoras: American Zoetrope; Columbia Pictures Corporation y Osiris Films

Distribuidora: Sony Pictures / Columbia Pictures

Sin duda una de las mejores adaptaciones del personaje del vampiro al cine, ha sido la que realizó el cineasta Francis Ford Coppola en su oda romántica-gótica-gore-horror de 1992, siendo hasta la fecha, una de las cintas más aclamadas del género. La idea de que la cinta, llevara el nombre del autor de la novela en el nombre, es justamente porque tanto Sony Pictures y el mismo cineasta, querían hacer notar que se trataba de la novela adaptada al cine con un toque más serio y además, porque el título de “Drácula” lo tiene aún registrado Universal Pictures como uno de sus monstruos. Una dirección estupenda y vanguardista y que para esos años ya daba testimonio de lo camaleónico que podía ser Gary Oldman en la gran pantalla, que ya contaba además con la solidez y reconocimiento para encabezar un elenco de súper estrellas; y la guinda: la magistral banda sonora creada por el gran Wojciech Kilar. “Drácula de Bram Stoker” sin duda es una de las más grandes adaptaciones cinematográficas de la novela publicada en 1897. 

Algunas adaptaciones de estas novelas no han sido del total agrado de la crítica especializada, pero lo que sí, es que gozan del reconocimiento del público que al final, es quien pone en la historia a las cintas que convertirán en clásicas. 

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“Diamond Dogs”: La mirada distópica de David Bowie


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Uno de los álbumes que ha definido, no solo el estilo rock y glam en la industria de la música, sino un sinfín de estilos en la creación de sonidos ha sido el disco “Diamond Dogs”, octava grabación de estudio de David Bowie que encierra una de las temáticas más misteriosas y profundas de la historia de la música y que es símbolo no solo en los sonidos, sino también en el arte que lleva en su interior. 

Para comenzar a hablar de este trabajo, por cierto, uno de los más filosóficos e intelectuales de “su camaleónica majestad”, vamos a hacer un poco de historia. El disco salió a la venta el 24 de mayo de 1974, es decir, acabó de cumplir 47 años y presenta uno de los ‘alter egos’ menos populares, pero no menos fascinantes de Bowie: “Halloween Jack”, que se describe como un gato realmente genial que vive en la “Ciudad del hambre”. El año de su salida al mercado, el material alcanzó el número uno en ventas en Reino Unido; Canadá; Alemania; Países Bajos y España por citar algunos, y el top cinco en otros tantos, incluyendo Estados Unidos, siendo uno de los discos más exitosos en la carrera de Bowie. Los tres sencillos lanzados para promocionarlo también fueron grandes éxitos: “Rebel Rebel”, que, hasta la fecha sigue siendo uno de los temas más famosos del británico; asimismo “Diamond Dogs” y “1984”.

Pero el punto interesante de este material discográfico merecería un documental o una película completa, por el esfuerzo intelectual que Bowie le imprimió a la creación de este disco. Todo comienza a finales de 1973, tras la retirada definitiva de “Ziggy Stardust”, el ‘alter ego’ más emblemático en su carrera y la despedida de “Aladdin Sane”, su otro personaje a quien le debemos el símbolo del rayo naranja y azul. Tras esos acontecimientos, a David le interesa adquirir los derechos de la novela “1984” de George Orwell para convertirla en una especie de ópera rock y crear su banda sonora como un alucinante álbum. Tanto la casa discográfica RCA como el mismo cantante, contactaron a los representantes del escritor que ya había fallecido y a su familia para hacerse con los derechos del libro, pero se los negaron. Lo que no sabían es que David, ya se había adelantado y estaba trabajando en las canciones que conformarían esa obra. Entonces, inspirado en el libro de Orwell y con marcadas influencias de “The Rolling Stones” y de sus mismos discos “The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars” y “Pin Ups” editados en 1972 y 1973 respectivamente, Bowie crea su propia visión de una realidad distópica y de una sociedad en decadencia y los matiza con sonidos del glam y elegantes notas del “art-rock”, además de que se trata de la última participación de su grupo de apoyo “The Spiders From Mars”, lo que nos da una similitud en imagen y sonido del álbum de “Ziggy Stardust”, uno de los más aclamados por el público y la crítica; ello resulta en “Diamond Dogs”, uno de los discos más personales y con uno de los mayores recursos intelectuales de Bowie y que nos sumerge con sus once cortes, en la narrativa de una sociedad que conocemos como “orweliana”, donde existe la vigilancia extrema, se manipula la información y existe la represión política. 

La influencia de la novela de Orwell, “1984”, se hace más evidente en la cara B del LP, o en la segunda parte del disco, como se conoce actualmente. A partir del ‘track’ número siete, podemos darnos cuenta de la marcada inspiración que la obra tiene en el concepto de este grandioso material, incluso los temas “1984”, “Big Brother” y “We Are The Dead” hacen menciones directas a personajes, situaciones y algunos elementos del libro, llevándonos a escuchar uno de los desenlaces más impactantes de un disco. 

El arte también es una pieza de culto entre los fanáticos de Bowie y entre los conocedores y críticos de música. La portada es una imagen un tanto extraña y perturbadora, pero que no deja de ser propositiva. Creada por el artista belga Guy Peellaert, que en la década de los sesenta revolucionó el mundo de las historietas, la pintura muestra a David como un ser híbrido entre hombre y un perro gran danés acompañado por seres fantasmagóricos y surrealistas. La imagen se hizo controvertida en esos años, pues la pintura se podía apreciar completa al desdoblar la portada y se apreciaban los genitales del híbrido, mismos que fueron retirados en la segunda edición del material a petición de los mercados con más ideas conservadoras. Actualmente, el disco con la portada con los genitales al descubierto, se considera un material coleccionable con realmente un alto valor; algunos ejemplares del LP de esta primera edición de “Diamond Dogs” se han subastado y obtenido un precio superior a los diez mil euros. 

David Bowie ha pasado la historia no solo como un músico y compositor brillante, sino como un artista prodigioso que sigue siendo motivo de estudio incluso por intelectuales contemporáneos. Su obra, llena de carga intelectual y filosófica, sigue siendo de gran impacto en la industria e inspiración de artistas que buscan asemejar su carrera e ideología en alguno de los puntos en los que Bowie creó vanguardia. Así, aunque este material esté a punto de llegar al medio siglo de existencia, continúa imprimiendo una tendencia en artistas y público que descubre conceptos nuevos al paso del tiempo y de la historia. 

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