La evolución de Cantinflas en el cine


Ismael Ortiz Romero Cuevas

¿Entender a Cantinflas? Creo que nadie lo hacía, pero todos soltábamos la carcajada cuando se comenzaba a decir su retahíla de frases sin sentido con tal de sostener un diálogo. Ese fue su estilo, el mismo que llevó a lo largo de casi todas sus películas y que, aunque muchos de sus personajes les dieron otro nombre para no ser Cantinflas en cada una de las cintas, el estilo sí era el mismo. No importaba si el amado Mario Moreno era un torero, un policía, un bombero, un piloto, un peluquero, un profesor, un fotógrafo, un bolero, un elevadorista, un analfabeto, un médico, un mago o un sacerdote, su personaje siempre tenía la misma estructura y al público nos hacía doblarnos de la risa, incluso, al paso de los años. 

Aunque sus personajes eran escritos con esa estructura, era la capacidad de improvisación de Mario Moreno, lo que hacía que pareciera que el personaje fuera el mismo, pero este día, que conmemoramos su vigésimo octavo aniversario luctuoso, vamos a ver la forma en cómo ese mismo personaje, se adaptó a las circunstancias que le exigía el cine de esa época e incluso, su forma muy particular de adaptarse a otros géneros y a la modernidad: 

1.- “Ahí está el detalle” (1940)

Director: Juan Bustillo Oro

Protagonistas: Mario Moreno “Cantinflas”; Joaquín Pardavé; Sara García; Sofía Álvarez y Dolores Camarillo

Productora: Producciones Grovas-Oro

Distribución: México FILM (Televisa) y Posa Films

El primer largometraje estelarizado por Mario Moreno fue “Ahí está el detalle”. Este filme, sentó las bases de lo que sería la comedia en el cine del querido Cantinflas y se destaca por los ingeniosos diálogos que, además, se caracterizan por ser algo atrevidos para la época. Cantinflas venía ya de un gran reconocimiento en las carpas y de haber realizado algunos cortometrajes que eran proyectados en las salas de cine como entremés de las funciones estelares; eso lo llevó a tener fama en todo el territorio nacional y que, en 1940, el productor Jesús Grovas le diera la oportunidad de estelarizar su propia película, contratándole además a grandes estrellas como Joaquín Pardavé y Sara García, quienes ya tenían renombre en la pantalla de plata, como su elenco de apoyo por su gran reconocimiento. Ya es conocido que Cantinflas y el director, Juan Bustillo Oro no terminaron con la mejor relación, pues mientras el director le exigía a Moreno acatara las líneas del guion, Mario terminaba improvisando como en las carpas, lo que provocaba que los actores con poca experiencia teatral, les costara trabajo darle réplica. Sin embargo, fue justamente la improvisación lo que hizo que esta película tenga tanta riqueza en todo sentido, pues los hilarantes diálogos de Cantinflas no se pueden explicar sin la espontaneidad en las reacciones de los demás actores a quienes les llegaba por sorpresa el diálogo recién estructurado por el actor; esa naturalidad del elenco sin contar a Pardavé y a Sara García, que también sabían improvisar, fue un elemento novedoso para la época. “Ahí está el detalle” se encuentra en el sitio número 10 de las 100 Mejores Películas del Cine Mexicano que en 1994, publicó la revista “Somos”. Esta cinta, creó al Cantinflas cinematográfico. 

2.- “El gendarme desconocido” (1941)

Director: Miguel M. Delgado

Protagonistas: Mario Moreno “Cantinflas”; Mapy Cortés; Daniel “Chino” Herrera y Gloria Marín

Productora: Posa Films

Distribución: Columbia Pictures

Esta fue la película donde Cantinflas fue dirigido por primera vez, por quien fuera el cineasta que comprendió su sentido del humor y que le dejó improvisar en el set: Miguel M. Delgado, quien dirigió a partir de esta, todas las películas de Cantinflas en nuestro país. En “El gendarme desconocido” es la primera vez que se utiliza su afamado número insignia: 777, mismo que posteriormente empleó en “El bombero atómico” (1952); “Entrega inmediata” (1963) y “El patrullero 777” (1978), que fue un ‘remake’ de esta misma cinta. Es también en esta película, donde utiliza por primera vez su emblemática frase: “¡A sus órdenes, jefe!” con su peculiar estilo. Sin duda, otra joya del cine nacional. 

3.- “El señor fotógrafo” (1953)

Director: Miguel M. Delgado

Protagonistas: Mario Moreno “Cantinflas”; Rosita Arenas; Ángel Garasa; Julio Villarreal y Rebeca Iturbide

Productora: Posa Films

Distribución: Columbia Pictures

La evolución en el cine de Cantinflas se realizaba más en los guiones que en la naturaleza del personaje; y en 1953, llegó a las pantallas “El señor fotógrafo” una de las comedias más reconocidas del “Mimo de México”, una película hilarante sin duda, pero en la que se introdujeron por primera vez elementos del cine de suspenso, del género policiaco y del ‘thriller’ dentro de un argumento elaborado para Cantinflas. La combinación de esta historia realizada por el guionista de cabecera de Cantinflas, Jaime Salvador, representó una forma diferente de presentar en el cine una historia de comedia. Hay que destacar en esta película, la actuación de Ángel Garasa, como el ingeniero Raúl Penagos y el loco, que resulta tan dramática como cómica a la vez. 

4.- “El bolero de Raquel” (1956)

Director: Miguel M. Delgado

Protagonistas: Mario Moreno “Cantinflas”; Manola Saavedra; Paquito Fernández; Flor Silvestre y Elaine Bruce

Productora: Posa Films

Distribución: Columbia Pictures

La primera película a color del gran “Mimo de México”, pero también, su primer descalabro cinematográfico. “El bolero de Raquel” es catalogada como el primer fracaso cinematográfico de Cantinflas, pues tuvo el más bajo desempeño en la taquilla desde el inicio de su carrera, obteniendo ganancias mucho menores en comparación con sus películas anteriores. Teniendo como parámetro las mismas películas de Cantinflas, se consideró una pérdida en su año de estreno, pero tomando en cuenta el desempeño del cine en general a mediados de los cincuenta, resulta que “El bolero de Raquel” obtuvo la mejor taquilla de ese año. Esta película se filmó antes de que Mario partiera a Estados Unidos a filmar “La vuelta al mundo en 80 días”, sin embargo, ambas se estrenaron ese mismo año. 

5.- “La vuelta al mundo en 80 días” (1956)

Director: Michael Anderson

Protagonistas: Mario Moreno “Cantinflas”; David Niven; Shirley MacLaine y Robert Newton

Productor: Michael Todd

Distribución: United Artists

La llegada a Hollywood de Cantinflas se dio con esta cinta que, además, resultó un éxito en la taquilla a nivel mundial, aunque en México no fue del completo agrado de las audiencias pues se les hizo raro escuchar a nuestra estrella hablando en inglés. “La vuelta al mundo en 80 días” obtuvo cinco premios Oscar, que incluyeron el de Mejor Película y Mejor Guion Adaptado, a pesar de todas las licencias que se tomaron para esta película. De entrada, la nacionalidad de Passepartout (Cantinflas) que en la novela original de Julio Verne era francés y en la cinta lo hacen completamente latino; incluso, la canción que caracteriza al personaje inicia con los acordes de “La cucaracha”. Por esta película, Mario Moreno se alza con el Globo de Oro como Mejor Actor de Comedia o Musical y es famosa también por la cantidad de ‘cameos’ de grandes estrellas como Frank Sinatra; Charles Boyer; Fernandel; Martine Carol; John Gielgud; Ronald Colman; Marlene Dietrich y Luis Miguel Dominguín, entre algunos otros. Si la ven, pueden notar que en efecto, esta película la hicieron para que Cantinflas, se luciera. 

6.- “El señor doctor” (1965)

Director: Miguel M. Delgado

Protagonistas: Mario Moreno “Cantinflas”; Martha Romero; Miguel Ángel Álvarez y Tony Carbajal

Productora: Posa Films

Distribución: Columbia Pictures

Originalmente esta comedia llevaría por nombre “El doctorcito”, sin embargo, Columbia Pictures decidió cambiar el nombre poco tiempo antes del estreno por considerar a ese sustantivo un tanto peyorativo. Es con esta cinta, podemos decir que comienza el declive de la estrella mexicana pues este es su primer trabajo donde el gobierno utiliza la imagen del gran “Mimo de México” para encumbrar a sus instituciones y elogiar los programas oficiales, en este caso, el IMSS que cumplía por esos años trece de haber sido creado. Con “El señor doctor” se acaba el Cantinflas de barrio, el gandalla, el aprovechado y el ingrato; se terminan también sus ocurrencias y el sentido del humor más ácido para convertirse en un vocero de lo “moralmente correcto”. Años más tarde, Cantinflas trataría de reivindicarse con cintas como “Conserje en condominio” y la española “Don Quijote cabalga de nuevo”, ambas de 1973, pero el público ya no le respondió con el mismo entusiasmo. A pesar de eso, esta etapa de Cantinflas se considera exitosa en el sentido de que mucha gente recuerda películas de esta época, porque justamente por estar encaminadas a destacar el trabajo oficial, siguen siendo programadas aún de manera constante en la televisión. 

Mario Moreno “Cantinflas” es sin duda, un baluarte de nuestro cine nacional y una estrella esencial en la escena fílmica mundial, siendo reconocidos por actores de renombre mundial. Y perdón que insista, pero Cantinflas es una de las mejores cosas que le han pasado a nuestro país. 

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Almodóvar: la música y su narrativa


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Hace unos días, encontré por accidente en un canal del sistema de televisión de paga que utilizo, una película que era dirigida por el gran Pedro Almodóvar. Un director que se ha apropiado un estilo no solo en la forma de contar sus historias, sino en el manejo de colores vibrantes, una iluminación muy particular y sobre todo, las heroínas y galanes que protagonizan sus historias, que son dotados de fuertes rasgos de personalidad y de carácter con temple, aunque a veces su función sea una base de comedia. 

La cinta que encontré era nada menos que “Todo sobre mi madre”, aquella película que en 1999 fue elogiada en el mundo entero y por la cual, el director se alzaba con el Oscar a Mejor Película Extranjera en aquella entrega. Y verla me hizo recordar un elemento importante para el cineasta manchego dentro de su narrativa: la música. Sin duda, piezas que nos contextualizan o describen de manera detallada emociones, sentimientos o lugares en los que se encuentran sus personajes y este jueves, les invito a que hagamos un recorrido por cinco temas, utilizados en algunas de sus películas más elogiadas: 

1.- “Resistiré” 

Artista: Dúo Dinámico 

Álbum: En forma (1988)

Compositores: Manuel de Calva y Carlos Toro Montoro

Productor: Manuel de Calva

Discográfica: Sony Music / Columbia Records

Aparece en la película: “Átame” (1990)

El electrizante final de la película “Átame” no pudo ser mejor. Los tres protagonistas Marina (Victoria Abril); Ricky (Antonio Banderas) y Lola (Loles León) culminan la emblemática cinta cantando esta canción en el auto donde la pareja central se declara su amor. La letra de esta canción es tan poderosa, que fue regrabada en España en 2020 para dar ánimos a la gente ante el confinamiento por la pandemia y después, llevada a varios países de habla hispana. En la cinta, hace referencia a todos los obstáculos que tiene que enfrentar Ricky para poder conquistar a Marina, pese a todo lo bizarro que resulta la historia. Un gran final para una película histórica. 

2.- “Tajabone”

Artista: Ismaël Lo

Álbum: Jammu Africa (1997)

Compositor: Ismaël Lo

Productores: Philippe Brun y Emmanuel Deletang

Discográfica: EMI / Capitol Records

Aparece en la película: “Todo sobre mi madre” (1999)

“Todo sobre mi madre” no es una de las películas de Almodóvar; es LA película de Almodóvar. Y los elementos que contiene son simplemente grandiosos, siendo la guinda de todos ellos, las cinco estupendas protagonistas: Manuela (Cecilia Roth); Huma (Marisa Paredes); Rosa (Penélope Cruz); Nina (Candela Peña) y Agrado (Antonia San Juan) que nos ofrecen una historia poderosa y un verdadero homenaje a la sororidad. “Tajabone” enmarca el regreso de Manuela a Barcelona para resolver pendientes de su pasado, pues considera que ella le debe una explicación y que ahora, le está cobrando el haber huido de manera repentina. Al momento en que ella está averiguando el paradero de Agrado, que trabaja como prostituta, suenan las electrizantes primeras notas de este tema interpretado y creado por el cantautor senegalés Ismaël Lo. 

3.- “Cucurrucucú paloma”

Artista: Caetano Veloso

Álbum: Banda Sonora de “Hable con ella” (2002)

Compositor: Tomás Méndez Sosa

Productor: Caetano Veloso

Discográfica: Warner Music / Millan Records

Aparece en la película: “Hable con ella” (2002)

De por sí, este tema es capaz de hacer que se enchine la piel de cualquier oyente y esta versión del cantautor brasileño Caetano Veloso, te pondrá los pelos de punta con lo emocionante y emotiva que resulta. Con una base en el bossa nova y pequeñas pinceladas de blues, este ‘track’ enmarca de manera estupenda la historia de amor que nos cuenta esta película, que, pese a lo inverosímil que pueda parecer, Almodóvar le da el toque de ser una apología al enamoramiento, a la sensualidad, a la soledad y a la amistad. “Hable con ella” obtuvo también grandes premios a nivel internacional, incluyendo un Oscar a Mejor Guion Original, así como la primera y única nominación de Pedro Almodóvar en la categoría de Mejor Director. No solo la cinta es una verdadera joya, la música también lo es y este tema es prueba de ello. 

4.- “Un año de amor”

Artista: Luz Casal

Álbum: A contraluz (1991)

Compositores: Nino Ferrer y Pedro Almodóvar

Productores: Paco Trinidad y Luz Casal

Discográfica: EMI / Parlophone Spain

Aparece en la película: “Tacones lejanos” (1991)

La artista encargada de interpretar las dos emblemáticas canciones que aparecen en esta cinta es nada menos que Luz Casal y la sincronización dentro de “Tacones lejanos” la hicieron Marisa Paredes para “Piensa en mí” y Miguel Bosé en “Un año de amor”. Sin duda, esta película pone de manifiesto la genialidad de Almodóvar para contar historias complicadas y que las canciones formen parte de su relato. “Tacones lejanos” fue una de las películas más reconocidas del director manchego a nivel internacional y en México, tuvo una gran penetración gracias a que uno de los estelares es Miguel Bosé. 

5.- “Quizás, quizás, quizás”

Artista: Sara Montiel

Álbum: Banda sonora de la película “Noches de Casablanca” (1963)

Compositor: Osvaldo Farrés

Productor: Greg Segura

Discográfica: EMI / Hispavox España

Aparece en la película: “La mala educación” (2004)

Gael García Bernal transformado en Sahara, personaje de Juan y que ahora se llama Ángel, su otro personaje, hace esta sincronización de este tema en la versión de la gran Sara Montiel, además, inspirando la caracterización de ese personaje. La controvertida película de Almodóvar nos presenta una película dentro de una película y resulta ser reveladora y con un giro argumental estupendo. Esta es una de las cintas más criticadas del director por su ritmo un tanto parsimonioso y además, lo compleja que resulta la trama al principio, hasta que descubrimos que se trata de una película contada dentro de la película, pero inspirada en los hechos que traumaron a Juan / Ángel (Gael García Bernal) y que lo llevaron a convertirse en un ser lleno de rencor. El talento actoral del histrión mexicano queda de manifiesto de manera indiscutible en esta gran película. 

A Almodóvar se le considera uno de los genios del cine en todo el mundo, ya que su estilo y narrativa han hecho que veamos al cine de una manera poco convencional, asimismo, nos presenta historias que parecieran sacadas de lo más cotidiano de las convivencias para convertirse en tramas improbables y con personajes que van desde ser serios hasta pintorescos. La música es también ese elemento que adereza de manera certera sus historias. Ojalá disfruten este recorrido por algunas de las canciones que Pedro Almodóvar nos ha puesto para disfrutar más de su obra. 

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“Tesis”: la ópera prima de un estudiante de cine que cimbró al mundo


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Tenía yo 17 años la primera vez que vi la película “Tesis”. Ya habían pasado algunos meses de su estreno en las salas de cine españolas y europeas, que fue justamente un 12 de abril de 1996 (es decir, ayer cumplió 25 años), pero que a nuestro continente llegaba en el verano de ese mismo año. Una de las ventajas de aparentar mayor edad de la que tengo, es que en el cine siempre me dejaban entrar a ver las películas que en se catalogaban como de contenido sensible, de clasificación “C” o que simplemente, no eran apta para adolescentes; el verme más grande ha sido una característica mía y que en años de juventud, pude sacarle ventaja. Así, en su momento de ser exhibida en las salas de cine locales, tuve la oportunidad de verla y se convirtió no solo una experiencia impactante, sino sobrecogedora. 

Cuando “Tesis” llegó a México, ya se hablaba mucho de ella en los círculos especializados de cine y obviamente, entre los adolescentes de la época, pues era conocido que no era una cinta apta para temperamentos alterables, también que no era para ese sector de público y constatando que lo prohibido se vuelve el más grande deseo y sobre todo, que recomendaban ir a verla con la mayor apertura de mente posible. Se hablaba de que el director, era un ‘chavo’ que apenas rebasaba los veinte años; se hablaba también de los actores que se habían convertido en toda una revelación en Europa y sobre todo de Eduardo Noriega, quien aseguraban, sería el próximo Antonio Banderas. Pero lo que realmente llamaba la atención, era que por primera vez se trataba en una película de manera más abierta, lo que implicaba la realización del cine ‘gore’ y ‘snuff’, con la crudeza que eso implica. Realmente, “Tesis” dio mucho de qué hablar entre los críticos y el público, pues su desarrollo comercial, no demeritaba la seriedad con que se contaba una historia ficticia que resultaba infalible en los sectores universitarios y revelaban quizás, una realidad que se vivía en las universidades europeas. 

Y la cosa se comenzó a poner seria con “Tesis” en todo el mundo, porque el entonces director revelación, Alejandro Amenábar, consiguió que su película fuera rodada en el edificio que ocupa la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, lugar donde el mismo Amenábar había estudiado y lo que le daba aún más seriedad a los eventos que ocurrían en la trama. También porque la cinta es tan vertiginosa e impactante, que argumentaban que muchas personas no podían terminar de verla por la tensión tan tremenda que provocaba y eso, pude constatar que era verdad, pues yo mismo fui testigo en el cine cuando muchos abandonaron la sala al ya no tolerar esa intranquilidad tan fuerte que provoca la historia. Y en ese 1996, realmente el mundo se detuvo a ver una película protagonizada por jóvenes actores poco conocidos en el séptimo arte internacional: Ana Torrent (Ángela); Fele Martínez (Chema) y Eduardo Noriega (Bosco) y más aún, realizada por un cineasta de 24 años que presentaba su primer largometraje y del que se tenían pocas referencias: Alejandro Amenábar; realmente “Tesis” fue impactante; lo sigue siendo. 

El cine español constató con “Tesis” que realmente podía entregar productos cinematográficos dignos de aclamación internacional gracias a sus nuevos talentos. Se decía en ese entonces que Amenábar podría compartir del podio de sus grandes glorias en cuanto a cineastas y colocarse al lado de Pedro Almodóvar o Alex de la Iglesia; y no estaban equivocados. 

“Tesis” cuenta la historia de Ángela, una estudiante de Imagen que realiza su tesis sobre la violencia audiovisual. Para ello, pide ayuda a su asesor de proyecto, el profesor Figueroa (Miguel Picazo), para que le consiga películas de tipo ‘gore’ y ‘snuff’ y sustentar algunos temas de su trabajo; Figueroa encuentra un video y cuando lo revisa en una de las salas de la Universidad, muere de un infarto por el estupor que le causa. Ángela encuentra el cuerpo de Figueroa al día siguiente y se lleva la cinta que veía. Pronto descubre que fue testigo de un video de este tipo, donde asesinaban a una estudiante de esa universidad. Chema le ayuda a descubrir el embrollo, sin embargo, Ángela descubre que dentro de la escuela hay una red que se dedica a la producción de estos videos donde están involucrados profesores y algunos estudiantes. 

“Tesis” es una cinta por la que el tiempo no parece pasar. Una película con la que entendí realmente de qué se trataba el género de horror psicológico y que me llevó a tener una experiencia realmente estremecedora. Es una película no solo estupendamente dirigida y fotografiada, sino tan turbulenta que sigue estremeciendo a mucha gente que la conoce por primera vez y que, de verdad, lleva el género del ‘thriller’ y del horror psicológico al extremo. Actualmente, podemos disfrutar de ella gracias al ‘streaming’, pues se encuentra en Amazon Prime Video con la suscripción normal. A 25 años de su llegada a las salas de cine europeas, les invito a que comprueben que su vigor, sigue siendo el mismo y los motivos por los que en el año de su estreno, arrasó llevándose siete premios Goya de sus ocho candidaturas. 

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María Félix: la musa que se fue el día que llegó


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Nació el mismo día en que murió, pero con 88 años de diferencia. Un 08 de abril de 1914 nació en Álamos, Sonora la que ha sido considerada y por mucho como la mujer más bella del mundo. María Félix no solo fue una destacada actriz y gloria del cine nacional, fue inspiración para un gran sector del público, una ‘jet set’ a nivel mundial, una musa para artistas plásticos y representó el señorío de la mujer mexicana en el mundo. Fue quien despreció a Hollywood por hacer cine de corte artístico en Europa y Argentina. 

María no nada más fue una mujer de temperamento implacable, es hasta la fecha un símbolo del feminismo, de la elegancia y del empoderamiento. Su incursión y éxito en el cine fue un mero accidente, pues varios de sus biógrafos aseguran que fue descubierta un día por Fernando Palacios, que era productor de cine y luego impulsó su carrera, cuando ella caminaba por la calle. Cautivado por su belleza y porte, no dudó en preguntarle si quería hacer una película, a lo que ella asintió. Fue en ese momento que iniciaba no solo una sólida carrera cinematográfica, sino una leyenda. Aquella película fue “El peñón de las ánimas” de 1942, que dirigió Miguel Zacarías. 

Fue en esa película, donde también ya mostró su carácter pese a ser una novata. Su compañero fue Jorge Negrete, quien era conocido por su arrogancia y poses de súper estrella, sin embargo, María nunca se dejó doblegar ni sorprender por el cantante, a quien despreció e hizo desplantes en más de una ocasión. La anécdota mas conocida de esa filmación fue cuando Negrete le preguntó a María con quién se había acostado para obtener el estelar en la película, a lo que ella le contestó: “usted tiene más tiempo en este negocio que yo. Así que es usted el que debe saber con quien hay que acostarse para ser estrella”. En el rodaje de “El peñón de las ánimas” Negrete y Félix tuvieron una relación agresiva y ríspida, sin embargo, una década más tarde, fueron esposos. 

Fue antes de iniciar la filmación de esa cinta, que Fernando Palacios le sugirió a María optar por un nombre artístico diferente al suyo y le refirió fueran Diana del Mar o Marcia Maris, pero María siempre quiso utilizar su nombre real y lo único que el productor logró fue que lo acortara de María de los Ángeles Félix, a solo María Félix. Sin duda, la entonces novata estrella sabía lo que quería. 

Los amores de María fueron también de los más sonados en el medio artístico de la época; pero cuando ella se hizo famosa estaba casada con Enrique Álvarez con quien procreó a su único hijo, el también actor Enrique Álvarez Félix; con Álvarez estuvo casada siete años y al poco tiempo de separarse, la actriz contrajo nupcias con Agustín Lara en 1945 y con quien estuvo dos años. Pasaron ocho años para que ella volviera a casarse y en 1952, lo hizo con Jorge Negrete, cuando ella ya era una estrella quizá más famosa y con más reconocimiento internacional que él; ese matrimonio solo duró un año y terminó por la muerte del charro. Su último esposo fue el empresario y magnate Alex Berger, con quien duró casada casi 19 años, hasta que él murió. 

Ese carácter imperioso, temperamental y hasta en cierto sentido brusco fue una de las más conocidas cualidades de “La Doña”, a quien se le quedó ese apodo gracias a la cinta “Doña Bárbara” de 1943; pero también fue quizá su más grande condena. Mucho se habló de las preferencias sexuales de su hijo Enrique, de quien se decía era homosexual y que vivía en el clóset por las presiones de su madre, sin embargo, esa fama de su madre y el renombre que él ya tenía también como un gran actor, le ayudaron a tener de pareja a atractivos jovencitos que buscaban un espacio en el medio del entretenimiento y a algunos actores y productores de renombre. Se sabe que él y María, rompieron relaciones cuando la actriz encontró lo encontró besándose con otro chico y vestido de mujer. Esa condición era vergonzante en esos años y eso derivó en que nunca tuviera una buena relación con Enrique, distante hasta que el actor murió. 

Para recorrer la carrera de María nos hace falta espacio y tiempo, pues no solo es una de las más prolíficas en el cine nacional, sino también apasionante. María Félix fue protagonista de grandes joyas de la época de oro del cine mexicano como: “El peñón de las ánimas” (1942); “Doña Bárbara” (1943); “Enamorada” (1946); “La diosa arrodillada” (1947); “Maclovia (Belleza maldita)” (1948); “Tizoc – Amor Indio” al lado de Pedro Infante (1956); “Miércoles de ceniza” (1958); “La cucaracha” al lado de Dolores del Río (1958) y “La bandida” (1962) por mencionar algunas, además de que hizo cine en Italia, Francia, España y Argentina. 

Descrita por Diego Rivera como “Un ser monstruosamente perfecto.  Es un ser ejemplar que impele al resto de los seres humanos a esforzarse a ser como ella”, María Félix es una de las grandes personalidades que nuestro país dio al mundo. Y hoy, la recordamos en el que sería su cumpleaños número 107 y su décimo noveno aniversario luctuoso. Porque solo las verdaderas estrellas, se van el día de su cumpleaños. 

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Cinco memorables ‘singles’ que cumplen 25 años


Ismael Ortiz Romero Cuevas

¿Qué hacías en 1996? Quizá como a mí, te tocó ser adolescente en aquella época cuando yo tendría entre 16 y 17 años; quizá te tocó ser un niño y conociste como de refilón estas canciones que te voy a presentar a continuación; o quizá aún no nacías y hoy, eres muy joven y quizá estés por conocer algunos de los temas que enlistaré este martes en este espacio o te son familiares por meras referencias. Y parece mentira que han pasado 25 años desde aquél, se creyera cercano, 1996. El internet aún no era tan popular y la música la escuchábamos aún en casete o en disco compacto, formato que era vanguardia en esos años. Lo que si no me podrán decir, que los temas que presentaremos este día, no son verdaderos clásicos a nivel internacional. Así que comencemos: 

1.- “Children”

Artista: Robert Miles

Álbum: Dreamlands (1995)

Compositor y productor: Robert Miles

Discográfica: BMG / Arista Records

El disco donde se contiene este icónico tema del DJ italiano, Robert Miles, salió al mercado en noviembre de 1995 y fue a inicios de 1996, cuando el tema “Children” se convirtió en un éxito masivo a nivel mundial, siendo tocado no solo en estaciones de radio, sino en discotecas y antros, además de que Billboard atribuye también ese éxito, a que la disquera de Miles consiguió que el video cilp del tema fuera transmitido de manera recurrente en MTV. “Children” fue número uno en países como Canadá; Dinamarca; Francia; Alemania; Finlandia; Italia; Escocia y España por mencionar algunos, alcanzó el puesto número dos en la UK Singles Chart y el 21 en Billboard Hot 100, siendo hasta la fecha, la posición más alta en estas dos prestigiadas listas, de un tema del género electrónico. La creación de “Children” tiene un contexto loable y dos historias interesantes: se dice que Miles se inspiró para la creación de este tema por unas fotografías de niños víctimas de la guerra en Yugoslavia que su padre le mostró; de igual manera, porque quería tener una canción un tanto relajante para terminar los ‘raves’ y contribuir un poco a la disminución de accidentes de jóvenes que salían de esas fiestas. Robert Miles, murió en 2017, a la edad de 47 años después de un recital en Ibiza, sin embargo, nos dejó este tema que, sin duda, ha pasado a la historia como una de las grandes creaciones de la música electrónica y ‘new age’. 

2.- “I Want To Come Over”

Artista: Melissa Etheridge

Álbum: Your Little Secret (1995)

Compositora: Melissa Etheridge

Productores: Hugh Padgham y Melissa Etheridge

Discográfica: Universal Music / Island Records

Uno de los temas más populares de la hoy ganadora del Oscar, Melissa Etheridge, es “I Want To Come Over”, presentado en su quinto material discográfico titulado “Your Little Secret” y fue todo un éxito a nivel mundial, posicionando a Etheridge en el gusto de la nueva generación de jóvenes de esa época, ya que la cantante venía de los rockeros surgidos a finales de la década de los ochenta. El tema tuvo un desempeño moderado en las listas de popularidad, pero fue hasta la presentación del video, estelarizado por la entonces jovencísima Gwyneth Paltrow que comenzó a tomar notoriedad y fue más programado. A mediados de 1996, este tema no solo era un grito al amor imposible, sino que se posicionaba como una de las más grandes ‘power ballads’ emanadas de la década de los noventa. Sin duda, un ‘track’ lleno de recuerdos con ese sonido que germinó en esa década y que sentó bases para la creación del rock actual. 

3.- “Lemon Tree”

Artista: Fools Garden

Álbum: Dish Of The Day (1995)

Compositores: Peter Freudenthaler y Volker Hinkel

Productores: Peter Freudenthaler; Volker Hinkel; Bernd Hasebrink; Thomas Mangold; Roland Röhl y Ralf Wochele

Discográfica: EMI / Intercord Records

Este tema fue presentado por la banda alemana “Fools Garden” a finales de 1995 en gran parte del continente europeo, pero no fue hasta el verano de 1996 cuando “Lemon Tree” se hizo un súper hit en todo el mundo. Este tema con influencias del ‘britpop’ y del pop barroco se colocó rápidamente en el gusto de los jóvenes de la época y público en general, representando grandes ganancias y ventas para este grupo que nunca volvió a colocar un tema en el mundo, de la magnitud de “Lemon Tree” pues era programado de manera recurrente en las estaciones de radio de todo el mundo y el video en MTV, además estar presente en antros, bares y discotecas de moda en esos años, prácticamente en cada rincón del planeta. Hasta antes de la pandemia, “Fools Garden” concluían sus presentaciones con esta canción, que era coreada por todos los asistentes a sus recitales. Además, la canción ha sido versionada por artistas como Alle Farben; Tarcy Su y Derrick Ho, entre algunos otros. Y es que sin duda que “Lemon Tree”, es un corte que se ha convertido en todo un clásico del pop. 

4.- “Lovefool”

Artista: The Cardigans

Álbum: First Band On The Moon (1996)

Compositores y productores: Peter Svensson y Nina Persson

Discográfica: PolyGram / Stockholm Records

“The Cardigans” no se enorgullece de esta canción en lo absoluto, pues ellos querían seguir siendo fieles al estilo ‘underground’ y tocando rock alternativo que presentaron en sus trabajos anteriores, sin embargo, por presiones de la disquera que quería aumentar las ventas para el grupo y lanzarlo a nivel internacional es que compusieron este tema, que fue el primer ‘single’ de su tercer trabajo de estudio. Está demás decir que este tema con más elementos del pop que del rock ha sido el mayor éxito de la agrupación sueca. “Lovefool” alcanzó el puesto número dos en el UK Singles Chart y el top 5 en Billboard Hot 100; asimismo, obtuvo el Grammy a Canción del Año y ganó también el MTV Europe Music Award en la misma categoría. Su éxito, la llevó a formar parte de la banda sonora de la cinta “Romeo + Julieta”, estelarizada por Leonardo DiCaprio y Christen Dunst en ese mismo año. Esta es una canción que sigue siendo reconocida a nivel mundial. 

5.- “Fastlove”

Artista: George Michael

Álbum: Older (1996)

Autor y productor: George Michael

Discográfica: EMI / Virgin Records

Este disco posicionó al británico George Michael como uno de los mejores artistas no solo de su generación, sino de todos los tiempos. “Older” significó la madurez del cantautor en todo sentido, alcanzando el top 10 en Billboard Hot 100 con los seis sencillos que tuvo el disco, pero también en el primer artista en alcanzar el top tres en el UK Singles Chart con los mismos seis cortes. Un disco sofisticado y que demostró la calidad y talento de George Michael no solo en la interpretación y composición, sino también en la producción. “Fastlove” fue quizá el ‘track’ más popular del emblemático disco que se ha convertido en este momento, en una especie de material de culto. Infaltable en cualquier colección de discos y también disponible en plataformas digitales como Spotify y iTunes. Sin duda, un disco a prueba de tiempo. 

¡Qué recorrido! Clásicos y emblemas de la música hasta nuestros días, sin duda. Acepto sugerencias para una posible segunda parte. 

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La Unión Soviética contra “The Beatles”


Ismael Ortiz Romero Cuevas

La música de “The Beatles” ha sido hasta la fecha, de las más populares de la historia de la música. El “cuarteto de Liverpool” no solo son los autores de piezas fundamentales en la industria, sino que representaron una ideología basada en libertades de conducta, políticas, sociales y sexuales, que gran parte del público generalmente mesurado de aquellos años, señaló como rebeldía y desvergüenza de la manera más determinada. 

Esa manera de pensar era algo que no a todos en el mundo les convencía, incomodando no solo a los adultos de la época, sino a gobiernos cuya ideología iba en contra de lo que promovía el sistema capitalista y eso fue lo que provocó que el gobierno de la Unión Soviética prohibiera la venta de los discos, entonces acetatos de larga duración, en su territorio. No es de extrañarnos que siempre quienes pretenden llevar el modelo socialista y comunista de gobierno, traten de llevar a sus gobernados a un pensamiento único y que se le rinda culto a la persona del gobernante; pese a que la misma historia ha demostrado que ese sistema de gobierno no funciona, aún existen quienes intentan implementarlo en muchos territorios, pero ese es otro tema. 

La Unión Soviética en esos años, tenía el sistema socialista y los gobernantes desde entonces, vieron a “The Beatles”, el grupo musical más popular del planeta del que se tenga memoria, como una amenaza latente y verdadera de la promoción de las ideas que planteaba el capitalismo y sobre todo, de la imposición de los pensamientos provenientes de Inglaterra, uno de los países que en ese entonces, la Unión Soviética consideraba una amenaza peligrosa hacia su régimen, por ello, el sistema soviético se fue contra ellos en un sentido comercial, prohibiendo la entrada de sus materiales, la difusión de su música, de su imagen y de todo lo que tuviera que ver con Ringo; John; Paul y George. 

Pero las restricciones hacia lo que tenía que ver con el “Cuarteto de Liverpool” iba más allá de solo prohibir su música. Los jóvenes de esos años, ávidos de las libertades de las que el primer mundo ya gozaba y de las que “The Beatles” simbolizaban de manera contundente, eran llevados a prisión si se les sorprendía escuchando su música, utilizando cortes de cabello igual al de los integrantes del cuarteto o si se sospechaba que la forma de vestir era similar a la de los cantantes. Hasta 1986, “The Beatles” fueron calificados como una amenaza seria al régimen socialista en ese país. 

Sin embargo, esos escarmientos eran poco exitosos; por el contrario, convirtieron a cada uno de los discos o posters de “The Beatles” en objetos de verdadero deseo y así, la venta ilegal de todo lo que tuviera qué ver con los británicos se convirtió en un gran negocio para el mercado negro que entonces, fue conformado por marineros, actores y hábiles comerciantes quienes los distribuían entre los jóvenes compradores que pagaban cantidades fuertes de dinero por ellos y haciéndoles sentir que no solo retaban al sistema con su rebeldía adolescente, sino que acababan de conseguir la especie de fruto prohibido dentro de su edén lleno de prohibiciones. 

Fue un 29 de marzo de 1986, es decir, hace 35 años y durante la administración a cargo de Mijail Gorvachov y la entrada de las reformas radicales de la “Perestroika” anunciadas precisamente en marzo de ese año, que la prohibición con respecto al “Cuarteto de Liverpool” fue levantada y entonces, la gente pudo obtener ya de manera legal, la música, imagen e ideas que “The Beatles” promovían, siendo esto, uno de los mayores y más largos actos de censura a las artes que se conozca. Cabe aclarar que, para ese entonces, “The Beatles” tenían 16 años de haberse separado, John Lennon ya había muerto y la agrupación, ya se había convertido en una leyenda de la música desde hacía varios años. 

No fue hasta 2003, que un integrante de la agrupación visitó la capital rusa, pues Paul McCartney ofreció un concierto en Moscú y fue recibido por Vladimir Putin en el Kremlin. Sin duda, este hecho es un acontecimiento histórico no solo en la música, sino en la historia de nuestro tiempo. 

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