Cinco grandes películas que cumplen 20 años en 2022

Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ya han pasado dos décadas desde el 2002, cuando el milenio aún estaba con escasos dos años y cuando se estrenaron películas que hoy son clásicos del cine. En ese año, hubo cintas de humor, de horror, dramas, biografías y de acción que iluminaron la pantalla grande y que hoy, reconocemos como parte de la historia del cine, así que este jueves y aprovechando que el fin de semana ya se acerca, vamos a recordar algunas películas que por increíble que parezca, llegan a los cuatro lustros este 2022: 

1.- “El aro”

Director: Gore Verbinski

Protagonistas: Naomi Watts, Martin Henderson, David Dorfman, Brian Cox y Daveigh Chase

Productoras: DreamWorks Pictures, Parkes/MacDonald Productions y BenderSpink, Inc.

Distribución: DreamWorks Pictures / Universal Pictures 

Disponible en: Cinépolis Klic y Amazon Prime Video (Para renta)

Una cinta que se convirtió ya en un clásico del cine de horror, además de que su estética con ese filtro verde es motivo de admiración en los sectores de la fotografía e imagen. Y es que “El aro” fue un éxito en taquilla y en críticas, reconociéndola como una de las mejores películas del género que se hayan filmado. La versión estadounidense, está basada en la cinta de horror de manufactura japonesa “The Ringu”, que se estrenó en 1998 en el país asiático y que también fue un éxito; lo interesante de ambas versiones, es que el autor de la novela de donde ambas se cimentaron, Köji Suzuki, fue coautor de los guiones cinematográficos, además, de que el interés de DreamWorks Pictures, compañía de Steven Spielberg, en producirla fue otro sello de garantía. “El aro” ganó el premio Saturn a Mejor Película de Horror en 2003 y Naomi Watts, el de Mejor Actriz; sin duda, ya es un clásico. 

2.- “El hombre araña”

Director: Sam Raimi 

Protagonistas: Willem Dafoe, Tobey Maguire, Kirsten Dunst, James Franco, Cliff Robertson, Rosemary Harris y J. K. Simmons

Productoras: Columbia Pictures, Marvel Enterprises ​y Laura Ziskin Production

Distribución: Columbia Pictures 

Disponible en: HBO Max, Cinépolis Klic y Amazon Prime Video (Para renta) 

Esta historia dirigida por Sam Raimi, es la responsable de crear el tono moderno en las películas de súper héroes y fue la más taquillera de ese género, hasta la llegada de la trilogía de “El caballero de la noche”. Los planes para realizar una película basada en los personajes de “El hombre araña” datan a inicios de la década de los ochenta, cuando la Metro Goldwyn Mayer intentó hacerla, sin embargo, el desarrollo se hizo eterno y una verdadera pesadilla al enfrentar peticiones del estudio para hacer la película más barata y finalmente, terminó por desecharse; sin embargo, a mediados de los noventa Sony Pictures se hizo de una parte del acervo de la MGM y entre ellos, venía el guion de “El hombre araña”, por lo que se apresuró a comprar los derechos a la entonces editorial Marvel para realizar una película con el personaje; después de esta adquisición, contrataron a David Koepp para que puliera el guion que ahora estaba en sus manos y barajearon diversos nombres de directores para dirigir esta cinta, siendo finalmente Sam Raimi el elegido y en 2002, por fin se estrenaba una cinta con el arácnido. Esta película, contiene uno de los besos más icónicos del séptimo arte. 

3.- “Pandillas de Nueva York”

Director: Martin Scorsese 

Protagonistas: Daniel Day-Lewis, Leonardo DiCaprio, Cameron Diaz y Liam Neeson 

Productoras: Intermedia Films e Initial Entertainment Group

Distribución: Miramax Films

Disponible en: Cinépolis Klic y YouTube Premium 

Una de las obras maestras de Martin Scorsese llegó en 2002, cuando “Pandillas de Nueva York” nos sorprendió a todos con una historia que nos cuenta el enfrentamiento de dos bandas a mediados del siglo XIX. Por esta película, Martin Scorsese obtuvo el Globo de Oro a Mejor Director y obtuvo su sexta nominación al Oscar en esa misma categoría que perdió ante Roman Polansky que obtuvo la estatuilla por “El pianista”. “Pandillas de Nueva York” obtuvo diez nominaciones al Oscar entre las que se destacan: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor (Daniel Day-Lewis) y Mejor Guion Original, sin embargo, no obtuvo ningún galardón durante la septuagésima quinta ceremonia, convirtiéndose en la gran perdedora de la noche. Sin embargo, eso no fue obstáculo para que, al paso de los años, se considere a esta gran película una de las mejores del director oriundo de Queens y ya todo un clásico del cine. 

4.- “Hable con ella”

Director: Pedro Almodóvar

Protagonistas: Javier Cámara, Darío Grandinetti, Leonor Watling, Rosario Flores y Geraldine Chaplin

Productora: El deseo S. A. 

Distribución: Sony Pictures Classics

Disponible en: Netflix, Cinépolis Klic y Amazon Prime Video (Para renta)

Esta es otra de las grandes películas de Pedro Almodóvar, por la que ganó el Globo de Oro a Mejor Película en Idioma Extranjero y el Oscar a Mejor Guion Original, además de la nominación como Mejor Director en los premios de la Academia. Y es que la forma de tratar la soledad de dos personas que la viven de una manera cruel y cruda por azares del destino se ha convertido en una de las películas más aplaudidas y polémicas del director manchego, además de que esta vez, presenta a dos hombres como protagonistas de esta historia con la amistad como eje central de toda la trama. Ver una cinta de Almodóvar, siempre es una experiencia y créanme, “Hable con ella” no los va a decepcionar en nada.

5.- “La era del hielo”

Directores: Chris Wedge y Carlos Saldanha

Protagonistas: Ray Romano, John Leguizamo, Denis Leary, Goran ViÅ¡njić, Cedric The Entertainer, Stephen Root, Jack Black, Diedrich Bader, Alan Tudyk y Chris Wedge. 

Productora: Blue Sky Studios

Distribución: 20th Century Fox

Disponible en: Disney +

Parece mentira que los entrañables Manny, Sid, Diego y Scrat hayan aparecido por primera vez en la gran pantalla hace 20 años. Esta película fue la primera de una franquicia a la que Disney le puso fin cuando adquirió la 20th Century Fox, y se despidieron haciéndole justicia al queridísimo Scrat. Con las voces en español de Jesús Ochoa como Manny, Carlos Espejel como Sid y Sergio Sendel como Diego, “La era del hielo” es el símbolo de toda una generación, que gozó en compañía de nosotros, de las aventuras de estos personajes a lo largo de cuatro entregas, siendo esta primera, la más querida por los fanáticos y más halagada por la crítica, incluso, fue nominada al Oscar a Mejor Película Animada. Revivir la primera entrega de esta gran franquicia, es sinónimo de entretenimiento puro. 

Ya que se acerca el fin de semana, volver a ver estas increíbles producciones cinematográficas es una gran opción. ¿Qué otra ‘peli’ conoces que está de aniversario?

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Olivia Newton-John: más que una leyenda del pop

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

“¡Tuyo para siempre! ¡Tu Danny, tu John!” así despedía ayer al mediodía el fabuloso John Travolta a la gran Olivia Newton-John, cuando se dio a conocer su deceso y con quien protagonizara la icónica película de 1978, “Vaselina”. Y sí, la noticia cimbró a la industria del espectáculo mundial, pues la legendaria artista había tenido una carrera de casi cuatro décadas y ha sido inspiración para un sinnúmero de artistas, quienes veían en ella un símbolo de belleza, elegancia y estilo. 

La triste noticia la dio a conocer ayer su esposo, el magnate John Easterling, en la cuenta oficial de Facebook de la cantante y actriz, donde mencionaba que había partido de este mundo en su rancho ubicado al sur de California en los Estados Unidos, en paz y rodeada de su familia que siempre la llenó de amor. Y aunque no se especificó la causa del deceso, se sabía que desde hacía 30 años, que la cantante lidiaba una dura batalla contra el cáncer que le fue detectado por primera vez en 1992 en una mama. A partir de ese momento, ella se convirtió en activista y portavoz de diferentes causas que buscaban la cura de la enfermedad y aunque en esa ocasión, venció la dolencia, esta regresaría en dos ocasiones más. Por ello, Newton-John se encontraba retirada desde hacía cinco años, pues su último diagnóstico de cáncer lo presentó en 2016, y del que se supo, lo tenía alojado en la columna vertebral y sí, aún con eso se presentó con gran éxito en el Festival de Viña del Mar en 2017, donde el público de la Quinta Vergara la ovacionó emocionadamente y gozó de su amplio repertorio musical. Por lo anterior, se presume que el cáncer fue la causa de su deceso.

Su activismo y participación en el tema de la prevención del cáncer y su apoyo a asociaciones y fundaciones que buscaban la detección oportuna, convirtieron a Newton-John en un icono no solo del pop, sino en una inspiración para muchas mujeres, que veían en ella un ejemplo de fortaleza y lucha, de salir triunfante y seguir adelante pese a las dificultades vividas. Su experiencia en 1992, la llevó a crear el álbum “Gaia: One Woman’s Journey”, donde participó escribiendo todas las canciones que hablaban justamente del empoderamiento y lucha femenina para salir de dificultades. Posterior a su segundo diagnóstico de esta enfermedad, en 2005, publicó “Stronger Than Before” un disco cuyas ganancias fueron donadas en su totalidad a investigaciones para hallar una cura para el cáncer. 

Y por ello, Olivia fue mucho más que un ídolo pop, fue una mujer excepcional que inspiró a otros artistas a dar lo mejor de sí al público. Uno de sus grandes éxitos fue justamente el tema de 1981, llamado “Physical” que se contenía en el álbum del mismo nombre y que alcanzó el primer puesto del Billboard Hot 100 ese año y que el año pasado, tuvo una reedición especial que conmemoraba el aniversario número cuarenta del disco, además de que la canción tomó notoriedad entre el público más joven, al ser utilizado como inspiración de los temas “Physical” de Dua Lipa y “Prisioner” de Miley Cyrus, por lo que Olivia tuvo presencia importante con la nueva generación de gustosos de la música. 

Más recordada por su papel de Sandy en la película musical “Vaselina”, Olivia Newton-John es una artista que pasará a la historia no solo por su belleza y talento que demostró en varios filmes y discos, sino también por buscar un bien para la humanidad, pues seguramente su lucha contra el cáncer y su activismo para buscar la cura, no serán en vano. 

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Grandiosas ‘power ballads’ de los 90

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

No podemos negar que la década de los noventa nos dejó grandes canciones que se han convertido en clásicos de la música hasta este día. Y nos acordamos del ‘grunge’, género que tuvo su mejor momento en esa década con Nirvana como mejor exponente; de igual manera al R&B, que también tuvo su popularización en esos años con estupendos ejemplos y ni hablar de las baladas o el rock alternativo, que comenzaron a sonar con fuerza, sin embargo, también las baladas rock, conocidas como ‘power ballads’ estuvieron presentes, y aunque ese género se asocia más a la década de los ochenta, les invito a que este jueves, recordemos cinco estupendas canciones de este género y que fueron presentada en los años noventa: 

1.- “I Don’t Wanna Miss A Thing”

Artista: Aerosmith

Álbum: “Armaggeddon: The Album”. Banda sonora de la película “Armaggeddon” (1998)

Autora: Diane Warren

Productor: Matt Serletic

Discográfica: Columbia Records / Sony Music

Una canción que ha sido hasta el momento, el más grande éxito en la carrera de la banda originaria de Boston, “Aerosmith”. “I Don’t Wanna Miss A Thing” debutó en el número uno del Billboard Hot 100 y reportó en su momento, ventas de más de cinco millones de unidades en todo el mundo, además, de que el tema estuvo nominado al Oscar como “Mejor Canción”, pero fue vencida por “When You Believe” que interpretaron Mariah Carey y Whitney Houston para la cinta animada “El príncipe de Egipto”. Aún con que no se llevó el Oscar, este tema que interpretó “Aerosmith” con gran potencia, es una de las ‘power ballads’ más recordadas no solo de la década de los noventa, sino de la banda. Un tema emblemático. 

2.- “Let Her Cry”

Artista: Hootie & The Blowfish

Álbum: “Cracked Rear View” (1994)

Autores: Mark Bryan, Dean Felber, Darius Rucker y Jim “Soni” Sonefeld

Productor: Don Gehman

Discográfica: Atlantic Records / Warner Music 

Este fue el único ‘single’ que tuvo gran éxito a nivel internacional de la banda estadounidense “Hootie & The Blowfish” y además ¡qué tema! Considerado un clásico del rock alternativo y una ‘power ballad’ de los noventa por excelencia, “Let Her Cry” alcanzó la novena posición en el Billboard Hot 100 en 1995 y fue condecorada con el Grammy a “Mejor interpretación pop de grupo o dúo” en la ceremonia de 1996. En una entrevista que Darius Rucker, vocalista de “Hootie & The Blowfish”, concedió a la revista “Rolling Stone” en 2008, recordó que escribió la letra de este gran éxito en una especie de examen de conciencia que le dejó el escuchar el tema “She Talks To Angels” de “The Black Crowes” y también inspirado por algunos discos de la cantante de blues Bonnie Raitt. Gracias a esos artistas y a ese examen de conciencia de Rucker, es que tenemos este grandioso tema, sin duda, emblema de los noventa y de las ‘power ballads’ más actuales. 

3.- “Forever”

Artista: Kiss

Álbum: “Hot In The Shade” (1989)

Autores: Paul Stanley y Michael Bolton

Productores: Gene Simmons y Paul Stanley 

Discográfica: Mercury Records / Universal Music

Lo que parecía imposible, sucedió a finales de 1988. La banda “Kiss” (a excepción de Gene Simmons) se encontraba hospedada en el hotel “Sunset Marquis” de Los Ángeles, al mismo tiempo que el entonces popular baladista Michael Bolton, quien además de gozar en esos años de gran éxito como cantante, componía canciones para otros grandes artistas. En ese hotel, Bolton coincidió por casualidad con Bruce Kullick, guitarrista de “Kiss” en ese entonces y que había trabajado con Bolton en grabaciones anteriores; ambos platicaron y acordaron el acercamiento para hacer una colaboración juntos; esa misma noche y por recomendación de Kullick, Bolton y Paul Stanley, líder de Kiss, se reunieron y comenzaron a trabajar en una canción y el resultado fue la hoy emblemática ‘power ballad’ “Forever”. Y aunque el ‘track’ viene incluido en el álbum “Hot Un The Shade” de 1989, fue en febrero de 1990 que se lanzó como sencillo, dándole a “Kiss” un éxito más a su larga lista, que además está considerado como uno de los mejores en la etapa sin maquillaje de la banda. “Forever” alcanzó la octava posición en el Billboard Hot 100, lo que le dio a “Kiss” su segundo ingreso al Top 10 de la lista, desde “Beth” en 1976, y aunque solo permaneció en la lista por dos semanas, este tema es uno de los clásicos de la banda. 

4.- “Always”

Artista: Bon Jovi

Álbum: “Cross Road” (1994)

Autor: Jon Bon Jovi 

Productor: Peter Collins

Discográfica: Island Records / Universal Music

Este tema fue presentado como el sencillo principal del disco recopilatorio de la banda “Bon Jovi” en 1994, siendo hasta la fecha uno de los más exitosos de la agrupación y con mejores ventas, logrando el puesto número cuatro en la lista Billboard Hot 100, además de que solo en Estados Unidos vendió un millón y medio de copias y más de cinco en el mundo entero. Este tema había sido escrito originalmente para la película “La sangre de Romeo” dirigida por Peter Medak, dos años antes, sin embargo, al ver que la cinta estaba recibiendo críticas nada halagadoras, Jon Bon Jovi decidió a última hora no ceder la canción para la película, quedando enlatada hasta 1994, cuando uno de sus amigos la encontró en el estudio personal del cantante y lo convenció de incluirla como pieza inédita en el recopilatorio de 1994. Lo demás es historia y es una ‘power ballad’ que aún nos eriza la piel a todos. 

5.- “November Rain”

Artista: Guns N’ Roses

Álbum: Use Your Illusion I (1990)

Autor: Axl Rose

Productor: Mike Clink

Discográfica: Geffen Records / PolyGram / Universal Music

Un triángulo amoroso entre Axl Rose, Slash y una chica desconocida, es la inspiración de este tema que fue el tercer corte del hoy emblemático “Use Your Illusion I” de la banda californiana “Guns N’ Roses” y que además, ocupa el puesto número cinco de las 100 mejores canciones de todos los tiempos, según la revista “Q Music” y en el puesto número seis de las 100 canciones con los mejores solos de guitarra. Es conocido también que el proceso creativo de esta impresionante canción duró más o menos siete años, pues se sabe que Axl estuvo trabajando en ella desde 1983. Tras su aparición, sorprendió la duración del ‘track’ y por supuesto el video clip, que fue el más solicitado en la cadena MTV en el año de su aparición, además de que fue el ganador del MTV Video Music Award a la “Mejor cinematografía” en 1993. Este tema por sí solo es una leyenda. 

Estimados lectores, tomaré un descanso a partir de la próxima semana y nos leemos en los espacios de costumbre el próximo 09 de agosto. Por lo pronto, ¡felices vacaciones de verano!

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«Mi bebito fiu fiu»: ¡qué fastidio y qué polémica!

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

De verdad, pensé que no podría haber una canción más fastidiosa este año, que aquella que dice: “¿de qué sirve si no e’tá a mi la’o?, por ti paso el día conecta’o, pendiente al cel, pendiente a ti, pendiente si subes una ‘story’”, pero sí, hay actualmente una aún más prolija y que le ha quitado el trono al tema “Ultra solo” de Polimá Westcoast y Pailita y se trata de “Mi bebito fiu fiu”, canción creada por el productor peruano que se hace llamar Tito Silva y que interpreta con Tefi C. 

Sin embargo, la canción que se ha hecho viral en TikTok en pocas semanas, no solo es terrible a más no poder, sino que ha creado una gran polémica por el trasfondo político que tiene y el escándalo que Eminem, que por cierto, tampoco es el autor del tema original ha realizado en redes y vamos a ver qué sucede: 

EL TRASFONDO POLÍTICO

La canción está basada en una conversación de WhatsApp que se filtró en 2020, que sostuvieron el entonces presidente de Perú, Martín Vizcarra con la congresista y excandidata presidencial Zully Pinchi. En esos textos, se puede leer que la congresista llama “mi bebito” a Vizcarra y que también le dice “fiu fiu” en una ‘selfie’ que le envió a ella. El escándalo con esa conversación filtrada en aquel país es que expuso la infidelidad de Vizcarra hacia su esposa, Maribel Díaz Cabello. Todo esto, fue tomado como inspiración para que Tito Silva hiciera esta canción y que tomara esas conversaciones filtradas, como una supuesta carta de amor del exmandatario peruano a su amante; a todo esto, Vizcarra ha actuado hasta con beneplácito por esta canción que exhibe su supuesta infidelidad. 

EL ESCÁNDALO CON EMINEM

Hace una semana aproximadamente, la canción fue retirada de Spotify por un supuesto reclamo de Eminem a la plataforma y una demanda hacia el creador Tito Silva, pues la canción, tenía un desempeño considerable con más de 10 millones de reproducciones y seguramente, el rapero blanco quería una tajada de las ganancias, porque aunque quizá el público más joven no sepa exactamente quién es Eminem, los mayores sabemos que aunque tiene talento, también es capaz de todo por dinero y publicidad, incluso de meterse en reyertas innecesarias, burlándose en algunas de sus canciones de leyendas como Kurt Cobain, Michael Jackson, Mariah Carey, Amy Winehouse, Britney Spears, John Mayer y un sinfín de etcéteras. Lo cierto es que aunque Marshall Bruce Mathers III ya tiene bastante años en el negocio del espectáculo, parece que no sabe que ese tipo de acciones lo que hace es que posiciona aún más la canción y le da una gran promoción. 

Y muchos medios de comunicación señalan que el rapero está molesto por lo que hicieron con “su” canción, argumentando que él es el autor del tema “Stan”, el cual en el 2000, tuvo un gran desempeño en listas de popularidad al ser el primer sencillo de su álbum llamado “The Marshall Mathers LP”, en el que Eminem, tomaba de base la canción “Thank You”, creada por la cantautora británica Dido y que fue un éxito aún mayor en 1998, es decir, Mathers tampoco es el autor de la canción solo de los versos ‘rapeados’ que aparecen en su versión, lo que hace suponer, solo quiere dinero colgándose de esta canción que aunque es una parodia y es mala, él asume como suya. Típico de Eminem. 

LA VERSIÓN ORIGINAL

Digan lo que digan y aún con la polémica que generó Eminem apropiándose la canción, la verdad es que no es suya. La versión original del tema se llama “Thank You”, es un verdadero himno de finales de los noventa y fue escrito e interpretado por la británica Dido; y sí, también es un ‘one hit wonder’. “Thank You” apareció por primera vez en la banda sonora de la película “Dos vidas en un instante” que protagonizó Gwyneth Paltrow en 1998 y fue el tercer ‘single’ del álbum debut de Dido llamado “No Angel” que salió al mercado a principios de 1999 y alcanzó el puesto número tres del Billboard Hot 100 (y de ese éxito se colgó Eminem), además, el disco que contiene la canción ha vendido hasta la fecha, más de 20 millones de copias. Y aunque ella es la autora e intérprete original, Dido no se ha pronunciado al respecto por “Mi bebito fiu fiu”. Y creo que tampoco le hace falta, pues pase lo que pase, la posición de himno, nadie se la va a quitar a “Thank You”. 

LA VERSIÓN DE FLANS

En 2010, se realizó el último reencuentro de “Flans” con sus integrantes originales, es decir, con Ivonne Guevara, Ilse Olivo e Irma “Mimí” Hernández y presentaron para el acontecimiento el álbum “Hadas”, editado por Universal Music, y que incluyó un ‘cover’ de “Thank You” al que titularon “Gracias”. Y aunque esa versión no es algo grandioso, sí vale la pena mencionar que no es la primera vez que el gran ‘track’ creado por Dido, tiene una versión en español. Y también hay qué decir que la versión de “Flans” no es tan repugnante como “Mi bebito fiu fiu”. 

La canción se ha envuelto en una polémica por todo lo que le rodea justamente porque es mala y no merecía tener ni la mitad del éxito que tuvo. Y esa pantalla se hubiera olvidado si no fuera por el desatino de Eminem de voltear a verla, hablar de ella y generar controversia, si no fuera por eso, seguro que para estas fechas la canción ya se hubiera perdido en el limbo de los cientos de canciones que vuelve viral TikTok y pasan al olvido.

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El volumen dos de la T4 de «Stranger Things»: con las emociones en vilo

Ismael Ortiz Romero Cuevas

No quería hablar de “Stranger Things” en la entrega de hoy, porque creo que la serie producción de Netflix, ya ha tenido suficiente pantalla en todo sentido y a estas alturas, ya sabemos qué pasó con las dos películas (por la duración) que marcaron el cierre de esta cuarta temporada, pero, sobre todo lo que reveló y que nos dejó con la sensación de querer más. 

Y es que los episodios 08 y 09 fueron liberados por el gigante del ‘streaming’ el viernes 01 de julio a las 2:00 de la mañana, hora que no fue un obstáculo para los fanáticos más tenaces de la serie, que para las 6:00 de la mañana, ya habían culminado de ver los dos episodios con la mayor duración de la temporada y por ello, ya podíamos ver las primeras reacciones en redes sociales, las cuales no estaban equivocadas en mencionar que estábamos ante los capítulos más emotivos y emocionantes de prácticamente toda la serie. 

A los fanáticos les causó gran beneplácito que, una de las teorías más socorridas en redes desde la tercera temporada, se confirmaba y es justamente la de las preferencias sexuales de Will Byers (Noah Schnapp), enmarcándola en una emocionante escena donde pronuncia unas emotivas palabras con un mensaje entre líneas, que se tomó como una ratificación del rumor, pues le insinúa a su amigo Mike (Finn Wolfhard) que está enamorado de él en un discurso que pondera que ser diferente no es malo en absoluto y que termina entre lágrimas. Y sí, los seguidores tomaron esto como una declaración de amor a su amigo y confirmaría lo que varios ‘insiders’ suponían desde hace tiempo: Will es gay. Sin embargo y de confirmarse lo que quedó en un mensaje al aire, Will no sería el único protagonista en la serie que representa al colectivo LGBTTTIQ+, pues desde la temporada pasada está Robin (Maya Hawke), personaje que es abiertamente lesbiana. 

Ese mismo viernes por la mañana, leía en redes y ya en reseñas de páginas especializadas lo que había ocurrido con Eddie Munson (Joseph Quiin), personaje llamado así por Eddie Van Halen y que, sin duda, llamó la atención desde su aparición en esta temporada, que enmarcaron con el potente ‘track’ “I Was A Teenage Werewolf” de “The Cramps”, argumentando que la escena más visceral, emotiva y poderosa era protagonizada por este personaje. Y lo que sucedió dentro de la serie fue “el momento más metalero de la historia” según palabras de Dustin (Gatten Matarazzo) y del mismo Eddie. De verdad, la parte donde la pieza “Master Of Puppets” de “Metallica” es interpretada por Eddie es digna de aplauso de pie, pues ha emocionado hasta a quienes no son seguidores de “Stranger Things”. 

No pude resistir entonces la tentación de sentarme a ver desde ese medio día del viernes la serie y tuve que hacerlo de manera intermitente, pues la duración del último episodio es de dos horas y media, tal y como una película de “Harry Potter”. Debo también decirles, estimados lectores que otro personaje que es sorprendente sobre todo en estos dos últimos episodios es Nancy (Natalia Dyer), quien desde el estreno de la cuarta temporada mostró un crecimiento y madurez necesarias para resolver misterios, coronándose al final, como una chica valiente y estratega, que resulta vital para ayudar a resolver el conflicto conclusivo. 

Ayer por la noche, Netflix confirmó que habrá una quinta y última temporada que se estrenará en 2024, así es, tendremos que esperar más de un año para conocer el final de la serie que ha marcado a una generación y ha coronado al ‘streaming’ como el nuevo líder de las producciones televisivas, y donde, además, seguramente ya veremos a los niños protagonistas convertidos en adultos, aunque sus personajes sigan teniendo 14 años. Por lo pronto, no está por demás revivir esta aclamada serie desde el inicio y valorar por qué se ha convertido en el fenómeno que es. 

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David Bowie: soñar despierto

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

Cuando se trata de David Bowie, créanme que no puedo dejar de actuar como fan. Y eso justamente me pasó hace dos días, cuando se estrenó el avance del documental llamado “Moonage Daydream” que en español sería algo así como soñar despierto o soñando despierto, un trabajo audiovisual que es dirigido por el cineasta estadounidense y nominado al Oscar, Brett Morgen, sí, el mismo que hizo el documental de Kurt Cobain que llamó “Cobain: Montage Of Heck”. 

Hablar de Bowie es meterse en un terreno profundo, lleno de recovecos desconocidos y extraños. De entrada, porque sabemos que la obra del británico está llena de referencias filosóficas, de crítica social y de creaciones que apostaban a la inteligencia superior de sus oyentes, y es que Bowie un día podía ser budista y al día siguiente seguidor de Nietzsche, pasar de extraterrestre a terrenal de una canción a otra o ser hombre o mujer según las circunstancias; era un artista de cabo a rabo y en toda la extensión de la palabra; además, de que se está hablando de uno de los músicos, cantantes y artistas más influyentes de la historia de la música, tanto que muchos biógrafos lo consideran a la misma altura de “The Beatles”, pues incluso John Lennon lo mencionó en más de una ocasión como una de sus influencias. Y todo eso, es explorado en “Moonage Daydream”, pieza que los especialistas han catalogado más como una obra de arte visual que como un documental.

La creación de esta obra cinematográfica tardó más de cinco años en realizarse según el mismo Morgen, que en entrevista, dijo que él fue el primero en tener acceso a material personal de Bowie después de su fallecimiento y lo que encontró, da para realizar muchos más trabajos como el que presenta, pues el documental contará con 48 canciones remasterizadas nada menos que por Tony Visconti, sí, el eterno colaborador de Bowie, además de que explorará sus facetas de guionista, actor, su paso por el teatro y la escritura. En esa misma entrevista para la BBC, el cineasta comenta que su momento personal favorito dentro del proceso de selección, fue el encontrar material inédito de la gira “Soul” de 1975, sin embargo, la visión de Morgen es que su documento sea más una recopilación de partes. 

El documental “Moonage Daydream” fue presentado en mayo pasado durante la septuagésima sexta edición del Festival de Cannes, donde recibió gran reconocimiento del público y mostró a un Brett Morgen más que emocionado con la exhibición de su trabajo, bailando y animando a la gente dentro de la sala, que escuchaban algunas de las canciones de Bowie que aparecen en el documental. Según especialistas e ‘insiders’ que asistieron a esta función, dijeron que el documental contenía pasajes muy interesantes de la carrera de David, incluso algunos desconocidos, pero sobre todo, era un trabajo audiovisual tan potente, que el mismo Bowie estaría orgulloso. Por lo pronto a todos los seguidores de Bowie, estamos impacientes por disfrutar de esta pieza, pero lo interesante también según otras reseñas, es que no es necesario que se conozca a profundidad la carrera de este prolífico artista, pues la película te lleva a explorar la seductora personalidad de David prácticamente de la mano; eso sí, si estás familiarizado con ella lo disfrutarás más. 

La sinopsis oficial de “Moonage Daydream dice: “Del cineasta nominado al Oscar, Brett Morgen y con imágenes nunca vistas, “Monage Daydream” es una odisea espacial audiovisual que no solo ilumina el enigmático legado de David Bowie, sino que también sirve de guía para vivir una vida plena y significativa en el siglo XXI. Una experiencia cinematográfica que rompe con el género y que se basa en una de las estrellas del rock más icónicas y mundiales de todos los tiempos, destinada a convertirse en uno de los acontecimientos culturales más importantes del año”. 

Por lo pronto no nos resta más que esperar para poder ver “Moonage Daydream”, que llegará a las salas de cine en septiembre de este año y en la primavera del 2023, a HBO Max. Bowie es eterno. 

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