¡Aidan Gallagher para Robin!


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Hace unos días, se estrenó en Netflix la segunda temporada de “The Umbrella Academy”, la serie de súper héroes  basada en la novela gráfica creada por el vocalista de “My Chemical Romance”, Gerard Way y editada por Dark Horse Comics, quedándonos claro que no todo es Marvel o DC. La serie ha tenido buena aceptación por parte de la crítica y público, ostentando una calificación de 93% en Rotten Tomatoes. 

Los personajes son interpretados de manera grandiosa, por actores que más bien se desempeñaban ya en el cine o el teatro, pero en otro tipo de proyectos, optando más películas independientes, de mediana distribución o en obras teatrales de Broadway en el caso de Emmy Raver-Lampman. Así es, es el mismo caso de Ellen Page y Tom Hopper, los famosos del grupo, que siempre se destacaron por trabajos de índole más independiente o siendo solo parte del elenco, pero destacando por su talento histriónico. 

Un personaje que ha llamado poderosamente la atención es Cinco, interpretado por el veterano actor adolescente Aidan Gallagher. Y lo ha hecho por el temple del personaje y su actuación convincente, ganando de inmediato, millones de fanáticos que siguen la emisión en la plataforma. La sagacidad del personaje, así como la inteligencia y astucia que posee para la resolución de conflictos ha hecho que más de un seguidor de estos personajes emanados de las viñetas, lo relacionen con otro súper héroe y que además, esos talentos detectivescos sean de vital importancia para formar equipo con Batman y es nada menos que con Robin. 

Ya quedó demostrado el poder que pueden acumular los fanáticos cuando de una petición, sobre todo, relacionada con alguna historia o película de súper héroes, se trate. Hace unos meses, Warner y DC dieron su ‘brazo a torcer’ cuando después de dos años, se reunieron unos cientos de miles de firmas para poder llevar a las pantallas el corte de Snyder de “Liga de la justicia”, siendo la pantalla de HBO Max, la elegida. Así, en pocos días, he visto en redes sociales y hasta en portales especializados de cine y televisión, la inquietud de los fanáticos que versa en que el joven Gallagher sea quien lleve la capa del petirrojo en la nueva película protagonizada por Robert Pattinson y que se sabe, llevará por título “The Batman” (El hombre murciélago). Aún, cuando no se ha confirmado si el ayudante del vigilante de Ciudad Gótica, tiene alguna participación dentro de la nueva película dirigida por Matt Reeves y con filmaciones en pausa por la emergencia sanitaria.

Otro debate es qué personaje sería el Robin de Gallagher si es que llegase a integrarse a la película, pues quien es seguidor sobre todo de las historietas, sabe que varios personajes han portado el traje del ayudante del murciélago. El debate versa en que si debía ser Dick Grayson o Jason Todd, este segundo, a quien mata El Guasón a palos. El talento interpretativo de Gallagher y su trabajo en “The Umbrella Academy” han volcado la necesidad de tener una versión de Robin tal y como se muestra en las viñetas y que sea interpretado por un actor que se encuentre más acorde con la edad del personaje, pues aunque la última aparición de Robin en el cine fue en “El caballero de la noche asciende”, recordemos que Christopher Nolan eligió a un actor joven pero más maduro que el héroe, le cambió el nombre y le quitó el traje. Fue un gran giro, pero a los seguidores más fieles de las historietas, no les pareció del todo. 

Obviamente esta petición no pasará aún con la esperanza de los fanáticos que hace unos meses, clamaban porque Timotheé Chalamet fuera quien se pusiera la capa de Robin. A estas alturas, Warner ya les dio gusto al terminar de producir el llamado corte de Snyder de “Liga de la justicia” y por muchas cuestiones, seguramente no cederá a una petición más de los apasionados fanáticos de los súper héroes. Quedémonos con la idea de que y nos dieron gusto en que pronto estará disponible, la visión oscura de Snyder de estos súper héroes. Dar gusto a una petición más, ya sería mucho. 

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Cinco películas obligatorias de Alan Parker


Ismael Ortiz Romero Cuevas

La tarde del viernes 31 de julio, nos enteramos del fallecimiento de Alan Parker, el visionario director británico que nos entregó muchas obras cinematográficas catalogadas como clásicos del cine. Fue Alan Parker, quien le dio la oportunidad a un joven llamado Oliver Stone para que escribiera el guion de una de las películas más aclamadas de todos los tiempos: “Expreso de media noche”. 

Lo mismo con musicales, con cine de gánsteres, cine independiente u operas rock, el gran Alan Parker no tuvo límites en cuanto a realización se refiere. Siendo niño y adolescente, nunca tuvo contacto con el mundo del cine, salvo por las películas que veía. Incluso, cuando tenía 18 años, estaba más enfocado más en la ciencia que en las artes cinematográficas o el guionismo; sin embargo, poco a poco se dio cuenta que escribir era una de sus pasiones y cuando entró a trabajar a una empresa de publicidad, conoció a David Puttman y a Alan Marshall, quienes se convertirían en productores de la mayoría de sus películas. Y la historia de Parker en la realización del cine, nos lleva directamente a clásicos enormes del cine y hoy, vamos a recordar cinco de las cintas que tenemos que ver, sí o sí: 

1.- “Expreso de medianoche” (1978)

Protagonistas: Brad Davis; Irene Miracle; John Hurt; Randy Quaid y Paul L. Smith

Productores: David Puttman y Alan Marshall

Distribución: Columbia Pictures

Esta película, estuvo nominada a seis premios Oscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, sin embargo, solo obtuvo dos estatuillas: una a Mejor Guion Original para Oliver Stone y la de Mejor Partitura para Giorgio Moroder. “Expreso de medianoche” es una de esas películas que son atemporales, pues su poder y vertiginosidad la han convertido no solo en un clásico del cine, sino en una película de culto de todos los tiempos. La trama, llena de acción, es también una crítica social hacia la violación de derechos humanos que en este caso, se vivía en Estambul y un señalamiento también para las relaciones bilaterales entre Estados Unidos y Medio Oriente, que en ese tiempo, fueron prácticamente saboteadas por Nixon. Una película simplemente imperdible. 

2.- “Fama” (1980)

Protagonistas: Irene Cara; Eddie Barth; Lee Curreri y Boyd Gaines

Productores: David Da Silva y Alan Marshall

Distribución: Metro Goldwyn Mayer / United Artists

El año del estreno de este clásico musical del cine, la crítica no fue muy benévola con esta cinta. Mientras elogiaban la banda sonora y las canciones seleccionadas, señalaban de manera no muy amable, el ritmo de la dirección y el tono excesivamente dramático, pues se suponía, era una película juvenil. Esta historia ganó dos premios de la Academia, que nuevamente fueron para la música, que fue compuesta por Michael Gore y a para la Mejor Canción, pues el tema “Fame” interpretado por Irene Cara, la protagonista, sigue siendo uno de los emblemas no solo del cine, sino de la música de la década de los ochentas. 

3.- “Pink Floyd – The Wall” (1982)

Protagonistas: Bob Geldof; Christine Hargreaves; Eleanor David; Alex McAvoy; Bob Hoskins y Michael Ensign

Productor: Alan Marshall

Distribución: Metro Goldwyn Mayer

Llena de simbolismos, metáforas, dibujos animados bizarros y violentas escenas, esta epopeya rock se basó en un guion escrito por Roger Waters, el bajista y líder de la emblemática banda británica Pink Floyd. La historia de Pink, fue llevada al cine por el ya en esos años, aclamado Alan Parker, haciendo una narrativa interesante, pues son las canciones del disco, editado en 1978, las que narran los sucesos dentro del filme, ya que prácticamente no tiene diálogos. Al paso de los años, la película “Pink Floyd – The Wall” se ha ganado un lugar en el cine de culto de todos los tiempos.

4.- “Birdy: alas de libertad” (1984)

Protagonistas: Matthew Modine y Nicholas Cage 

Productores: Ned Kopp; Alan Marshall y David Manson

Distribuidor: Tristar Pictures

Dos actores que posteriormente se convertirían en súper estrellas hollywoodenses, protagonizan esta cinta, una de las piezas maestras de Parker. Los casi adolescentes Matthew Modine y Nicholas Cage, interpretan a Birdy y Al respectivamente, quienes viven en el mismo pueblo y comparten vivencias desde niños. Sin embargo, son enviados a Vietnam como parte de su servicio militar. Al regreso, la endeble salud mental de Birdy enfatizada por el evento traumático de la guerra, así como su obsesión por las aves, provoca que sea ingresado a un hospital psiquiátrico y Al, hace que lo encierren para estar junto a su amigo. Con música de Peter Gabriel, “Birdy: alas de libertad” obtuvo el Premio Especial en el Festival de Cannes y sigue siendo un severo señalamiento en contra de la discriminación. Una cinta dura y conmovedora. 

5.- “Mississippi en llamas” (1988)

Protagonistas: Gene Hackman; Willem Dafoe; Frances McDormand; Brad Dourif; Michael Rooker; Stephen Tobolowsky y R. Lee Ermey

Productores: Robert F. Colesberry y Frederick Zollo

Distribución: Orion Pictures

Dirigida con gran sobriedad, contando además con actuaciones poderosas y conmovedoras, “Mississippi en llamas” es quizá, junto con “Expreso de medianoche” una de las cintas más aclamadas de Alan Parker. Inspirada en hechos reales, la película se basa en los asesinatos de activistas a favor de los derechos civiles, ocurridos en 1964. La cinta, nuevamente fue candidata a seis premios Oscar, obteniendo solo el de Mejor Fotografía, asimismo, Gene Hackman fue condecorado como Mejor Actor, con el Oso de Plata del Festival de Berlín en 1990. Una cinta emotiva, desgarradora y dirigida con una maestría sinigual. 

Alan Parker fue un visionario director, alguien que nunca huyó de los retos y por sus propuestas cinematográficas, no tuvo miedo nunca a innovar, dirigiendo cine de prácticamente cualquier género. Nunca ganó un premio Oscar, pero sí los elogios del público y especialistas, que le han reconocido como uno de los más grandes cineastas de todos los tiempos. 

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“Volver al futuro”: más que una comedia de ciencia ficción


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Una de las películas que sigue siendo consentida de gran parte del público es “Volver al futuro”, cinta de 1985 y que este año, celebra su trigésimo quinto aniversario y que sin quererlo, se convirtió en una de las franquicias más redituables en la historia del cine. 

“Volver al futuro” nunca fue ideada como una trilogía, sino que tanto su productor Steven Spielberg, como su director Robert Zemeckis, pensaron que se trataría de una sola película que tendría como trama los viajes en el tiempo. Y mientras la idea de una comedia de ciencia ficción parecía algo descabellada, el público en las salas de cine, la recibió desde su lanzamiento con gran entusiasmo. 

Uno de los elementos que fueron decisivos en el éxito de esa primera película, fue el renombre que ya tenía Spielberg en el ámbito cinematográfico, pues cintas como “Encuentros cercanos del tercer tipo”, “Tiburón” o “E. T. El extraterrestre” le habían dado gran notoriedad a su carrera.  Asimismo, el protagonista Michael J. Fox, gozaba también de gran reconocimiento con el público adolescente gracias a la sitcom televisiva “Lazos familiares”. Pero “Volver al futuro” va más allá de ser una comedia de ciencia ficción del montón y tenía lecciones de vida contundentes en su contenido. 

Marty McFly (Michael J. Fox) es ese chico adolescente en búsqueda de elementos que definan su personalidad, pero además, no es un personaje que se destaque de su círculo social. Marty es alguien que tiene dudas normales, es alguien que ambiciona cosas y ama a su novia, quiere ser músico y tiene aspiraciones que se pueden decir, tenían la mayoría de los chicos en esos años. Sin embargo, su amistad con el Dr. Emmett Brown (Christopher Lloyd) lo hacen especial, pues, aunque por ello se le considere ‘nerd’, es esa situación la que le hace tener la experiencia, ficticia obviamente, más alucinante de su vida y ser protagonista de uno de los misterios que más inquietan al ser humano: viajar en el tiempo. Todo eso, provoca embelecos que repercutirán en su vida futura, es decir, presente; pero que Marty las ocasiona de manera accidental, pues para el personaje siempre resulta fundamental la defensa de la justicia, del amor y del compañerismo. 

Emmett Brown por su parte, es ese adulto que cree en el potencial de Marty pero sobre todo, en su amistad y lo comprueba cuando el chico, pese al riesgo que corría, le advierte que su vida corre peligro. En todas las épocas, los niños, adolescentes y jóvenes necesitan recurrentemente en un adulto que crea en ellos, que les tenga confianza y que les auxilie a descubrir sus talentos. Y eso, es lo que el Dr.Brown representa para Marty, esa persona con cierto reconocimiento que ante todo, está seguro de su potencial y de lo que puede hacer. Por ello, Marty se mete en líos manejando el tiempo por rescatar a su amigo en las dos películas subsecuentes. 

Las lecciones no solo de “Volver al futuro”, sino la trilogía son elementos si quieren obvios pero con la contundencia y claridad con que a veces los adolescentes necesitan observarlos. Así, la perseverancia, entender que nunca es tarde para cumplir los sueños, el sentirse satisfecho con los logros propios, la empatía de los padres hacia los hijos y viceversa, el intentar cosas nuevas con la visión de aprender más que de fracasar o el cuidado del medio ambiente, son temas que se plantean en esta película. Sin embargo, hay una lección encerrada en una sencilla frase que resulta de una profundidad terminante, pues nos dice que somos nosotros quienes al final de cuentas, somos los propietarios de nuestros actos, de nuestras reacciones, de nuestras emociones y de nuestras actitudes; incluso, somos los responsables de las decisiones que tomamos: “Tú eres el dueño de tu propio destino”. 

Celebremos los 35 años de la primera película, recordando todo lo que “Volver al futuro” significa en nuestra vida. Mi Twitter: @iorcuevas.

Cinco ‘discazos’ que cumplen 25 años en 2020


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ha pasado un cuarto de siglo desde aquél, pareciera no tan lejano 1995. La mitad de la década de los 90, cuando apreciábamos la modernidad en muchos aspectos y nos maravillábamos con lo que el internet ponía a nuestro alcance. No eras un chavo a la vanguardia si en esos años no guardabas ya tu información en un disquete o no tenías tu nueva cuenta de correo electrónico en Hotmail o Yahoo! También eran esos años en que el disco compacto vivía sus mejores años y los ‘discmans’, eran sinónimo de estilo y actualidad; no eras un chavo innovador si no andabas en el centro comercial sin la compañía de tu dispositivo reproductor de discos compactos, porque en esos años, ni idea de lo que serían Spotify o iTunes actuales. Es más, para bajar una canción en el Napster nos tardábamos alrededor de un día entero (sí, no exagero). 

Y para aquellos nostálgicos que no imaginamos que ha pasado tanto tiempo desde aquél 1995, les invito a recordar cinco grandes materiales discográficos que cumplen 25 años en este 2020 y que seguro, los tuvimos en CD y nos trae recuerdos de lo que fueron años de juventud. Para quienes son más jóvenes y leen este espacio, espero que puedan descubrir o recordar esta música, pues sin ella, no se entendería la actual: 

1.- “Post”

Artista: Björk

Fecha de publicación: 13 de junio de 1995

Productores: Nellee Hooper; Graham Massey; Tricky; Howie B.; Marius de Vries y Björk

Discográfica: One Little Indian Records / EMI

La extravagante Björk presentó en 1995, el álbum que la consolidó en el mundo como una de las más grandes exponentes de la música ‘indie’ y con un toque señorial de sonidos como el pop, el rock y ese manejo un tanto ‘vintage’ de las armonías. “Post” es arte por donde se le busque y además, fue todo un éxito en ventas, pues alcanzó el platino en países como Australia, Canadá, Reino Unido y los Estados Unidos. Es considerado además, por muchos críticos especializados en música, como uno de los mejores discos de la década de los noventas. Tan extraña como genial, en ese año, Björk sonaba en prácticamente, todas partes. 

2.- “Jagged Little Pill”

Artista: Alanis Morissette

Fecha de publicación: 13 de junio de 1995

Productor: Glen Ballard

Discográfica: Maverick Records / Warner Music

Este material fue el tercero en la carrera de la cantautora canadiense, pero fue el primero que se editó de manera internacional. Y con este disco, Morissette ponía al mundo a sus pies, pues fue uno de los más exitosos ese año. Y es que no podemos dejar de recordar enormes temas que integraban el álbum como la desafiante y rockera “You Oughta Know” y el cuasi himno “Ironic”, con los que nos enloquecía a toda la juventud noventera. “You Learn”, “Hand In My Pocket” y “Head Over Feet” componían la lista de ‘singles’, donde la mitad de este multipremiado disco, es decir seis de las doce canciones, alcanzaron gran celebridad. Una de las consentidas de MTV, que en esos años era una empresa todopoderosa, convirtieron a Alanis a mediados de esa década en casi una divinidad. 

3.- “The Bends”

Artista: Radiohead

Fecha de publicación: 13 de marzo de 1995

Productores: John Leckie y Nigel Godrich

Discográfica: Parlphone / EMI

La banda que tuvo sus orígenes en Oxford, quería en 1995 dejar de ser los ‘chavos’ “Creep”, pues necesitaban que más canciones con un estilo más artístico e ‘indie’, les quitara el peso de ese fantasma, como consideraban a ese track. Así, a mediados de esa década grabarían el que les aportó más “canciones fantasmas” por irónico que parezca. “The Bends” llegó para ser aclamado, pero además para traerles más temas emblema como “High &Dry” y la grandiosa “Fake Plastic Trees”. Otros temas como la potente “Just”, la furiosa “My Iron Lung” y la enigmática “Street Spirit” integran este magistral disco, considerado además, como uno de los más grandes pilares en la historia del rock alternativo. Todo un icono. 

4.- “(Whats The Story) Morning Glory?”

Artista: Oasis

Fecha de publicación: 02 de octubre de 1995

Productores: Noel Gallagher y Owen Morris

Discográfica: Creation Records / EMI

El disco que contiene el track que se considera el más grande representante del ‘britpop’ es éste. Y es que no podemos dejar de mencionar que el ‘single’ “Wonderwall” es una de las más grandes canciones que se hayan grabado en toda la historia de la música. Pero no solo ese tema compone este grandioso álbum que es uno de los consentidos de los fanáticos de esta banda liderada por los controvertidos hermanos Gallagher. Con claras influencias de The Beatles, “(Whats The Story) Morning Glory?”, nos trajo además otros singles monumentales como “She’s Electric”, “Don’t Look Back’n Anger” y “Champangne Supernova” por mencionar algunos. Con un sonido más maduro, este es uno disco distintivo de esa década. 

5.- “Daydream”

Artista: Mariah Carey

Fecha de publicación: 03 de octubre de 1995

Productores: Mariah Carey; Walter Afanasieff; Dave Hall; Jermaine Dupri; Manuel Seal y David Morales

Discográfica: Columbia Records / Sony Music

En la década de los noventas, no había nadie más que dominara las listas de popularidad en todo el mundo que Mariah Carey. Incluso, la revista Rolling Stone mencionó en un artículo que para ser exitoso en esos años “los artistas o cantaban grunge o eran Mariah Carey”. Y es que no había ni un solo cantante o músico que se le aproximara, ni siquiera de cerca, a las ventas y a los números generados por ella. “Daydream” representó uno de sus mayores éxitos en su carrera y le trajo tres ‘singles’ número uno en Billboard: “Fantasy”, “One Sweet Day” y “Always Be My Baby”. “Daydream” vendió más de 25 millones de copias en todo el mundo y fue un éxito en críticas y ventas. Obtuvo ocho nominaciones al Grammy de las cuales, Carey no se llevó ni uno solo, generando una controversia que hasta hoy es señalada. Este material es una obra de arte llena de sonidos pop y R&B. 

Sonidos llenos de recuerdos y que han marcado la historia de la música. Y aunque han faltado más grandes álbumes estrenados ese año, espero que la nostalgia no haya faltado con estos que les propuse hoy. 

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Lo que esperamos ver en “Liga de la justicia” corte de Snyder


Ismael Ortiz Romero Cuevas

A estas alturas, ya muchos de ustedes queridos lectores, deben estar más que enterados que después de meses de peticiones y que más de 180 mil fanáticos juntaron firmas e hicieron tendencia la etiqueta #RealizeTheSnyderCut, Warner Brothers cedió el mes pasado y se anunció que el corte de “Liga de la justicia” se estrenará en 2021 en las pantallas de la plataforma en ‘streaming’ HBO Max. 

Los seguidores del cineasta Zack Snyder siempre han defendido la visón oscura, un tanto ‘noir’ y violenta que el cineasta tenía planeada para los súper héroes más famosos no solo de las historietas, sino creo que de toda esa cultura. La situación es que cuando se comenzaba la post producción, una tragedia familiar obligó al controvertido, pero eso sí, visionario director a abandonar la producción que ya estaba con mucho avance. Warner entonces lo suplió con Joss Whedon, a quien el estudio ya había contratado para desarrollar una película de “Batichica” y que además, tenía en su trayectoria la consolidación de los súper héroes de Marvel al ser el guionista y director de la primer película de “Los vengadores”, pero que en esta ocasión no le fue también, pues nos entregó una película de dos horas de duración llena de pegotes y que no sabíamos si era un chiste, si era seria, si era comedia, si era de acción o qué demonios era. La crítica y los fans atacaron a la película y reivindicó a “Batman v Superman: El origen de la justicia” como una pieza de culto, pues entonces se comenzaba a entender lo que Snyder había planeado para los héroes de la casa DC. 

Dejemos atrás la trágica historia de “Liga de la justicia” y hoy, que sabemos que será estrenado el corte de Snyder que promete ser más serio, más oscuro, más impetuoso y más tenebroso, aquí les presento una lista de las cosas o tramas que nos gustaría ver en ese corte, esperando que de verdad, complazcan a los fans:

1.- Darkseid

Está confirmado que el gobernante de Apokolips estará en esta versión de “Liga de la justicia”, protagonizando una de las escenas con más acción dentro de la trama. Mientras que en la versión de Whedon el villano principal fue un ridículo Steppenwolf, en esta versión veremos al poderoso villano e inspiración de Thanos, hacer su grandiosa aparición, según se sabe, en dos ocasiones cruciales en la trama. 

2.- Steppenwolf

En la versión final de Whedon, este personaje fue el villano principal y que además, tenía una apariencia un tanto extraña. Con un CGI mal hecho y con diálogos trillados, parecía que solo le hacía falta hacer la expresión de los villanos más tiernos como “ñaca, ñaca”. Evocaba más temor el Doctor Claw del Inspector Gadget que la interpretación de este villano creado por Whedon. Sí, merecemos olvidarlo. Para esta versión, se sabe que veremos a un Steppenwolf de apariencia mucho más aterradora. 

3.- Cyborg

La historia presentada por Snyder profundizaría más en la creación y vida de Víctor Stone y el conflicto que le representa ser un ser con partes humanas y partes robóticas que se extrajeron precisamente de una caja madre y donde el traje era muy diferente, tal como se aprecia en el primer avance. Asimismo, tendría una relación tormentosa con su padre a quien asesinan sin piedad los parademons. El final de Cyborg era más dramático, y no tenía nada de ese toque de “colorín colorado” que nos planteó Whedon en la versión final. 

4.- La batalla de Themyscira

Antes de que Whedon tomara el control, se supo que Robin Wright había filmado algunas escenas como Antíope en la batalla de Themyscira, donde tanto los humanos, las amazonas, los atlantes, las linternas verdes y los dioses, se enfrentaban con Steppenwolf y Darkseid joven. Wright dijo que sus escenas eran realmente grandiosas y que estábamos a punto de ver una batalla épica en las salas de cine. Ni Antíope ni esa gran cruzada, consiguieron estar en el corte final. 

5.- Flash

En el primer avance de “Liga de la justicia”, cuando aún Snyder estaba al frente de la producción, podíamos ver una escena de Flash, encarnado por Ezra Miller rescatando a su interés amoroso, que podía ser la famosa Iris West, de ser atropellada por un autobús, incluso, la historia del velocista tendría más carga de tristeza y dramatismo. Nada de eso llegó a la pantalla y ese personaje, fue algo así como el patiño de los súper héroes. ¡Dostoievsky!

6.- El traje negro de Superman

Por todos fue sabido que Henry Cavill filmó un par de escenas con el famoso traje negro vinculado a la resurrección de Superman. Incluso, se decía que una parte del avance, cuando Alfred (Jeremy Irons) decía “él dijo que vendría” se refería a Superman ataviado con ese traje. Nada de eso llegó al corte final y esperamos verlo en esta versión. 

7.- La tristeza de Batman

Ben Affleck es blanco también de una campaña en redes sociales para que regrese como el encapotado de Ciudad Gótica, pues los fans consideran que ha sido uno de los mejores actores que ha encarnado al súper héroe sin poderes. En la versión de Snyder, Batman se encontraba un tanto decepcionado de la humanidad y de su propia existencia, por lo que en la batalla final, planea sacrificarse, haciendo estallar el batimóvil y provocando una explosión que puede dañar a Steppenwolf. Diana, es decir, la Mujer Maravilla, lo convence de abortar ese plan. Esa parte sombría en el comportamiento de Batman, también es algo que queremos ver en este corte.

8.- Diana sanguinaria

Otro aspecto que nos quedamos con muchas ganas de ver en el corte final, fue la cantada ferocidad que tendría ahora la Mujer Maravilla, pues Snyder aseguraba que la presentación en “Batman v Superman: El origen de la justicia” y la ingenuidad que mostraba en su película en solitario quedaban atrás en “Liga de la justicia”, pues veríamos el lado más guerrero y salvaje de Diana, incluso, asesinando sin piedad. Una de las cosas nuevas que promete este corte de Snyder, es que veremos a Diana decapitando a Steppenwolf. 

9.- Una atmósfera más tenebrosa 

Un elemento que quería Snyder para este universo de los héroes de DC, es que fueran más maduras, más crudas y que se convirtieran en la antítesis de las películas pueriles e ingenuas de Marvel. Es más, quería que fueran clasificación “R” (“C” en nuestro país), pues planeaba que yacieran brutales y hasta un tanto crueles. Sin embargo, eso Warner nunca lo aceptó porque quería cintas que pudiera tener un rango más amplio, pues eso significa más taquilla. Ese toque ‘noir’ que promete el Snyder Cut, es algo que tiene emocionados a todos sus fans.

10.- Libertades

Se comenta que tanto Warner como HBO, le dieron alrededor de 20 millones de dólares a Snyder para terminar su obra y culminar el CGI, pero además, mucha libertad para poder establecer la visión que tenía para estos grandiosos héroes. Uno de los rumores que incluso, ha sido alentado por HBO, es que la cinta dura un poco más de cuatro horas, por ello, la plataforma planea entregarla como una miniserie de seis episodios, aunque ninguna de esas dos noticias se han confirmado. 

Sin duda, el estreno de esta película coronaría una de las más fuertes peticiones de los fanáticos y permitirían ver otra visión no tan “cómica” del emblemático equipo. Lo que ahora esperamos es que, no nos fallen y seguiremos esperando por ella. Y aunque en México, no está disponible la plataforma HBO Max, el estreno de “Liga de la justicia: Corte de Snyder” ha servido para que haya planes muy serios de esta empresa en ampliar su mercado a América Latina y nuestro país.

Mi Twitter: @iorcuevas. 

Dark: Un final épico para la serie perfecta


Ismael Ortiz Romero Cuevas

En este espacio, he escrito mucho sobre “Dark”, la serie de ciencia ficción alemana que desde que apareció en Netflix ha generado muchísimo interés y sorpresa para bien entre los usuarios del gigante en ‘streaming’. No es para menos, el drama ha presentado no solo uno de los argumentos más inteligentes de que se tenga memoria, sino que ha convencido a millones de espectadores en el mundo, de que son posibles los viajes en el tiempo y científicos han explicado la lógica de la historia; en México, fue la mismísima doctora Julieta Fierro Gossman, quien salió a elucidar ciertos pasajes de la serie. 

He mencionado el argumento, he mencionado la música, la fotografía, el guion escrito prácticamente sin ni un cabo suelto y es más, la propuse en la entrega número VII de “Películas y series para la crisis” que ideé para pasar el confinamiento lo mejor posible, como una opción para ‘maratonear’ un fin de semana. Todo eso, antes de que se estrenara la temporada final, misma que llegó a la plataforma el pasado 27 de junio, el día en el que el mismo drama de internet, se menciona como la fecha del apocalipsis. 

A estas alturas, estoy seguro que ya muchos han escuchado de las teorías y referencias que envuelven a la serie, pero lo que ha sido de verdad sorprendente para mí (y creo que para muchos), es la forma en cómo los creadores y escritores han concluido una de las historias que más ha jugado con la mente de los espectadores. No debió ser una tarea fácil, las expectativas eran muchas, pero además, lo presentado en las pantallas del ‘streaming’ había convencido a millones de fanáticos en el mundo de que los acontecimientos, los personajes, los escenarios, las referencias y los objetos, no estaban dentro por casualidad. Cada incidente repercutía en el pasado y el futuro de los protagonistas; cada objeto se volvía elemental en otra época y cada escrito era más interesante cuando se escudriñaba en él por las emanaciones que traía. Nos convencieron de que era la serie perfecta. No se equivocaron, lo es. 

Su creador, el cineasta suizo Baran bo Odar, ha comentado en diversas ocasiones que la serie fue ideada y estructurada de principio a fin antes de que siquiera, se pensara en producirla. Con ese guion, bo Odar recorrió un sinfín de productoras con el objetivo de realizar una odisea de tres o cuatro películas; a los empresarios de la industria del cine les pareció que la historia era demasiado compleja y poco atractiva para las salas de cine. Inspirado en lo que se ha llamado, la nueva época dorada de la televisión, gracias a series como “Breaking Bad”, “The Walking Dead” o “The Big Bang Theory”, el cineasta convirtió su saga cinematográfica en serie televisiva, siendo rechazado por compañías como HBO y AMC para producirla por las mismas razones, pues no tenían idea como se podía contar una historia tan ininteligible y con tantos personajes. Hasta que llegó a manos de los ejecutivos de Netflix, quienes querían que la historia que abriera su mercado en Alemania no solo fuera de un suspenso sin precedentes, sino algo inteligente y temerario. El resultado ya lo conocemos; nos entregaron una de las mejores series de que se tenga memoria. 

La maestría con la que se presentó la temporada final sigue siendo asombrosa. No solo resolvieron los cabos sueltos dejados en las temporadas anteriores, sino que además, echaron abajo de la manera más lógica e perspicaz las alocadas teorías presentadas en diversas páginas de internet que incluso fueron avaladas por Netflix (obvio, eso hizo que causara mucha más curiosidad); presentaron más personajes que nos confundieron al inicio de la temporada pero que nos fueron mostrando su importancia para resolver la retorcida realidad que nos presentaron, además del emotivo final donde muchos no pudimos contener las lágrimas, y la guinda, esa sensación de alivio creada cuando ya vimos todo resuelto, aparece la conclusión con ese ‘deja vu’ que nos vuelve a dejar llenos de dudas, pero eso sí, con ganas de aplaudir de pie ante uno de los finales más épicos para una serie; un drama que ha sido calificado con 100% en Rotten Tomatoes y con un promedio de 9.5 por episodio en IMDb, debía despedirse a la altura. Ahora sí entendemos porqué el final es el principio, pero también es el final.