Cinco películas de horror para disfrutar en esta Ã©poca


Ismael Ortiz Romero Cuevas

No sé ustedes, pero yo soy de las personas que prefiere mil veces las festividades de Día de Muertos que el Halloween. Y es que ese olor a cempasúchil, y tomar chocolate de agua con pan de muerto es algo que no tiene comparación. Sin embargo, debo reconocer también que, atraído por aquella costumbre anglosajona, no puedo evitar que se me antoje ver películas y series del género de horror para conmemorar la festividad. Sin duda, esta variedad de cine es una de mis favoritas, y para mi, siempre es un buen momento para disfrutar una de estas películas y hoy, me atreveré a proponerles cinco películas de horror que podemos encontrar en plataformas, para que quien quiera, pueda disfrutarlas y les adelanto, que no se van a arrepentir: 

1.- “Psicosis” (1960)

Director: Alfred Hitchcock

Protagonistas: Anthony Perkins; Janet Leigh; Vera Miles; John Gavin; Martin Balsam y John McIntire

Productora: Shamley Productions

Distribución: Universal Pictures / Paramount Pictures

Disponible en: Netflix 

Una de las mejores películas de la historia no solo del género sino del séptimo arte en general, es esta obra dirigida por Alfred Hitchcock, con la que además obtuvo cuatro nominaciones al Oscar. Rodada con muy bajo presupuesto, esta película nos demuestra que el dinero para la realización no es algo sustantivo cuando se tiene creatividad para sacar adelante una historia. Las actuaciones, la fotografía y la originalidad de la película, han sido referente para la creación del cine de este género, pues Hitchcock indica con creces que cuando se tiene un buen guion y estilo para realizar una cinta, se pueden presentar trabajos muy dignos, aunque el dinero sea poco. Muchos cuestionan aún la forma de dirigir del aclamado cineasta, pues se comenta que abusaba psicológicamente de sus actores y actrices, para lograr las expresiones y movimientos que él buscaba. Sin duda, “Psicosis” es una cinta que, pese a sus 60 años, nos sigue estremeciendo, siendo la escena del baño, una secuencia aún insuperable. 

2.- “Suspiria” (1977)

Director: Dario Argento 

Protagonistas: Jessica Harper; Stefania Casini; Flavio Bucci; Miguel Bosé; Barbara Magnolfi; Susanna Javicoli y Eva Axén

Productora: Seda Spettacoli

Distribución: Produzioni Atlas Consorziate

Disponible en: Amazon Prime Video

Una de las cintas más influyentes del género es sin duda, “Suspiria”, película del director italiano Dario Argento y célebre por sus cintas de horror. Hace unas semanas, escribía en este mismo espacio sobre la “Trilogía de las tres madres” que justamente da inicio con esta cinta que es aclamada de manera unánime por la crítica, pues su estética, su narrativa, las actuaciones, los colores brillantes en donde sobresale el rojo y la tétrica banda sonora compuesta por el grupo “Goblin”, han hecho que sea una pieza de culto y una de las pocas películas del género de horror, que es considerada como cine de arte. Una experiencia sinigual en el cine y hoy, disponible en la plataforma de Amazon. 

3.- “Eso” (2017)

Director: Andy Muschietti 

Protagonistas: Bill Skarsgård; Jaeden Martell; Finn Wolfhard; Jack Dylan Grazer; Wyatt Oleff; Jeremy Ray Taylor; Chosen Jacobs y Sophia Lillis

Productoras: New Line Cinema; RatPac-Dune Entertainment; Vertigo Entertainment; Lin Pictures y KatzSmith Productions

Distribución: Warner Bros. Pictures 

Disponible en: Netflix

De verdad que fue una gran sorpresa ver que el pasado fin de semana, Netflix incluyó en su catálogo la película “Eso” que en 2017 fue la sensación y generó críticas mayormente positivas por parte de los especialistas. La adaptación de una de las novelas más complejas y bizarras de Stephen King era algo prácticamente imposible de realizar por la naturaleza de la misma historia, y es cierto, en 1990 se hizo una serie de televisión de cuatro episodios pero que no tenía los valores de producción que puede darnos una película de muy alto nivel; con todo y ese escepticismo, Warner se aventuró en 2017 a llevar por primera vez al cine esta historia, resultando una de las películas del género más exitosas de todos los tiempos, convirtiéndola en una cinta ya casi obligatoria para los amantes del horror en la pantalla. Las actuaciones tanto de Bill SkarsgÃ¥rd como el aterrador Pennywise y de los chicos que conforman “El club de los perdedores” fueron sin temor a equivocarme, uno de los mejores elementos de la hoy memorable película. 

4.- “Un hombre lobo americano en Londres” (1981)

Director: John Landis 

Protagonistas: David Naughton; Griffin Dunne; Jenny Agutter; John Woodvine; David Schofield; Brian Glover y Frank Oz

Productora: American Werewolf Inc. 

Distribución: Universal Pictures / PolyGram Filmed Entertainment

Disponible en: Amazon Prime Video y YouTube Premium

En estas festividades no podemos dejar de hablar de las criaturas míticas del cine de horror y qué mejor, que reviviendo este clásico del cine que no solo es una cinta de espanto, sino que el ingenioso guion nos presenta además comedia y humor negro en una sola película, volviéndola algo tremendamente disfrutable, divertida, vertiginosa y grandiosa. Hasta la fecha, “Un hombre lobo americano en Londres” cuenta con una de las transformaciones mejor logradas del cine, en una secuencia tremendamente detallada y que cuenta el mismo director, se tardaron una semana en filmar. Es de destacar también la increíble selección de canciones que acompañan a esta película que es amada tanto por el público, como por la crítica.

5.- “Estación zombie” (2016)

Director: Yeon Sang-ho

Protagonistas: Gong Yoo; Ma Dong-seok; Jung Yu-mi; Kim Su-an; Kim Eui-sung; Choi Woo-shik y Ahn So-hee

Productora: Next Entertainment World y RedPeter Film

Distribución: Next Entertainment World

Disponible en: Netflix

Cuando se pregunten por qué el K-pop, “Parásitos” y la cultura surcoreana en general han conquistado al mundo, debemos detenernos a ver qué es lo que están haciendo para eso. Y no solo crean automóviles increíbles y tecnología de punta, sino que también han hecho cine y música que han sorprendido al planeta entero. Así, en 2016, llegó a las pantallas una de las películas del género de zombis más aclamadas de los últimos años: “Estación zombie” y aunque a mí me gusta más el título original “Tren a Busan”, no podemos dejar de mencionar que esta es una gran cinta con elementos increíbles. Esta obra, fue estrenada en el Festival de Cannes de ese año y desde entonces, la crítica especializada y el público la han reconocido como una pieza magistral del género. Hasta el momento, Rotten Tomatoes la tiene calificada con un 96% de aprobación, mientras que Metacritic la posiciona en 90/100, evaluándola como vertiginosa, emotiva, sangrienta y sorprendente. No sé que tan buena idea sea ver una cinta de esta naturaleza en tiempos de pandemia, pero si disfrutan el cine más allá de lo obvio, se encontrarán con una de las películas mejor logradas con los muertos vivientes como protagonistas.

El próximo jueves, les propondré series de este género y espero, las sugerencias de hoy sean de su complacencia. Mi Twitter: @iorcuevas. 

Cinco discos en español que cumplen 25 años en 2020


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Como he escrito en espacios anteriores donde menciono discos que cumplen una edad considerable, parece que 1995 pasó apenas. Lo cierto es que un cuarto de siglo ha sido ya ese recorrido y algunos de nosotros, como yo, nos hacemos conscientes de eso cuando escuchamos alguna canción que nos remonta a aquellos años de juventud o bien de infancia. Y aunque pareciera que fueron vivencias de no hace mucho, lo cierto es que 25 años han pasado y hoy, les invito a que recordemos cinco grandes discos en español que cumplen en este 2020, esa edad: 

1.- “Avalancha”

Artista: Héroes del silencio

Productor: Bob Ezrin

Fecha de lanzamiento: 18 de septiembre de 1995

Discográfica: EMI

Este fue el cuarto y último disco de estudio de la banda Héroes del Silencio, y que representó un cambio en su estilo, en sus letras y en su contenido, pues a diferencia de los tres anteriores, aquí hay más profundidad en el contenido de sus canciones mostrando más preocupación por los temas sociales que por la ira adolescente que dominaba en sus trabajos anteriores. Uno de los mensajes que presenta “Avalancha” es la invitación a su público, a gozar de la libertad, a no quedarse callados ante las injusticias y denunciar la opresión en todo sentido. Asimismo, simboliza la madurez de los integrantes de la agrupación española en lo artístico y en lo personal. En esos años, era común que los álbumes musicales llevaran por título el nombre de alguna de las canciones que lo integraban; por ello, “Avalancha” llevaría originalmente por nombre “Babel”, sin embargo, el tema no fue terminado a tiempo por lo que el productor y los ejecutivos de la entonces todopoderosa EMI, decidieron llamarle “Avalancha”. Este disco, se mantuvo en primer lugar de ventas por varias semanas en España e ingresó al top 30 en Alemania. Sin duda, un clásico de la música en español. 

2.- “Laberinto”

Artista: Miguel Bosé

Productores: Ross Cullum y Sandy McLelland

Fecha de lanzamiento: 28 de noviembre de 1995

Discográfica: WEA Intertational

25 años antes de que Miguel Bosé causara polémica por sus declaraciones con respecto al uso del cubre bocas en esta pandemia y por convocar a marchas a donde no llega, de verdad que era uno de los artistas más respetados y vanguardistas de la música en español. En 1995 y como continuación de su aclamado álbum “Bajo el signo de Caín”, Bosé presentó “Laberinto”, un disco que repetía la fórmula de canciones densas, tremendamente largas y con letras que evocaban poesías o cuentos. “Laberinto” sin embargo, no repitió el éxito de su antecesor porque la fórmula ya no resultó tan novedosa, aunque eso no le quita que sea un gran álbum. Por ello y para tratar de reposicionar el material que por cierto, vale mucho la pena, WEA decidió relanzarlo unos meses después de su presentación con una edición de lujo que contenía uno de los mayores éxitos de Miguel Bosé: “Este mundo va”, que ocupó los primeros sitios de popularidad en gran parte de los países de habla hispana y rescató del olvido un material con un gran valor artístico antes que comercial. 

3.- “En éxtasis”

Artista: Thalía

Productores: Óscar López; Emilio Estefan Jr.; Kike Santander y Mario Ruiz

Fecha de lanzamiento: 12 de septiembre de 1995

Discográfica: EMI

La primera colaboración de Thalía con el afamado productor discográfico Emilio Estefan Jr., llegó en 1995, cuando le creó dos temas para el material que presentaba. “En éxtasis” representó para Thalía su ingreso al mercado internacional por la puerta grande, además, cantando temas en español. Es este disco el que contiene el ‘single’ “Piel morena”, que alcanzó la primera posición en listas de popularidad de prácticamente todo el continente y en algunos países de Europa como España, Portugal, Italia y Francia. Este álbum también muestra una madurez de la cantante donde ella explora ritmos como el jazz, el dance, el bolero, el soft-pop y la balada, consolidando a Thalía no solo como una artista tremendamente popular, sino como una cantautora profesional en todo sentido, pues se incluye un tema de su autoría. El disco también cuenta en su ‘tracklist’, con canciones de grandes compositores además de Estefan, como Juan Gabriel; A. B. Quintanilla; Adrián Posse; Gabriela Anders; Paco Navarrete y Viine Buggy entre algunos otros. Este es el disco del antes y después de Thalía. 

4.- “Pies descalzos”

Artista: Shakira 

Productores: Luis Fernando Ochoa y Shakira

Fecha de lanzamiento: 06 de octubre de 1995

Discográfica: Sony Music Latin / Columbia Records Latina

Este es el tercer disco de la colombiana y el primero en lanzarse a nivel internacional con un éxito inusitado. En octubre de 1995 salió a la venta en Colombia y un mes después, estuvo en las estanterías de las tiendas de discos de la época en todo el continente, incluyendo España; eso, después de que Sony Music evaluara si era viable el lanzamiento internacional de la barranquillera, ¿imagínense que hubieran dicho lo contrario? “Pies descalzos” obtuvo comentarios generalmente positivos de los especialistas y fue un gran éxito comercial internacional, pues sus ‘singles’ lograron posicionarse en los primeros sitios de popularidad en todo América Latina y los Estados Unidos, vendiendo en su momento, más de un millón de copias, situando a la artista al nivel de los grandes vendedores de música de esos años como Luis Miguel, Thalía o Yuri. Después de destacar en la lista de Billboard Latin Songs en los Estados Unidos, era inminente el ‘crossover’ de la colombiana. Hasta la fecha, “Pies descalzos” es uno de los discos en español, más vendidos de la historia, pues hasta el día de hoy, reporta más de cinco millones de copias vendidas. El material que marcó el comienzo a nivel internacional de la gran Shakira. 

5.- “El dorado”

Artista: Aterciopelados

Productor: Federico López

Fecha de lanzamiento: 24 de octubre de 1995

Discográfica: BMG Ariola

Uno de los discos más emblemáticos del rock en español de toda la historia de la música es justamente éste, que presentaba esta banda colombiana a mediados de la década de los noventas. La crítica especializada elogiaba esta producción que combina de manera magistral el rock alternativo con ritmos propios del folclor colombiano, así como variaciones muy bien logradas de ‘reggae’, ‘punk’ y rock-pop. El uso del lenguaje y los modismos regionales colombianos plasmados en este material, hacen que no nada más tenga un gran valor artístico, sino también cultural. El gran éxito de “El dorado” se vio reflejado inmediatamente en las altas ventas del álbum, alcanzando el medio millón únicamente en nuestro país y rebasando el millón de copias vendidas en el resto del continente; eso hizo que Aterciopelados, produjeran ediciones especiales para países como México; Brasil; Estados Unidos y Argentina como una especie de agradecimiento. Un disco que es además de todo, histórico. 

Espero que este recorrido musical de álbumes en nuestro idioma les haya hecho pasar un gran momento como a mí, recordar vivencias o descubrir algunos temas que han sido emblemáticos. Y ustedes, ¿qué discos recuerdan que valdría la pena mencionar en este espacio? Mi Twitter: @iorcuevas.

El disco de Mariah Carey que no debió haber existido


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Desde finales de 2019, la cantautora, productora, directora musical y arreglista Mariah Carey anunció que este 2020, sería un año de festividades en grande, pues celebra tres décadas de carrera. Pero como a todos, la pandemia de Covid-19 le tomó por sorpresa y de esa enorme conmemoración que ella y la discográfica Sony Music tenían preparada, poco se pudo hacer, redireccionando muchos planes entre los que se encontraban el lanzamiento de un disco con temas inéditos. 

En mayo pasado, Carey anunciaba que se cumplían 30 años de que su disco debut salió al mercado, uno de los más aclamados en la historia de la música tanto por críticos especialistas como por el público. A partir de ese acontecimiento, la vocalista oriunda de Long Island informó que, pese a la emergencia sanitaria la celebración de esos seis lustros de carrera, no pasarían desapercibidos. Y desde entonces, anunció que saldría a la venta el libro con sus memorias, donde relataría con lujo de detalles su ascenso al estrellato, su complicada vida, sus amores, el boicot por parte de su exmarido y entonces presidente de Sony Music, Tommy Mottola y su impresionante ‘revival’ en 2005. El 29 de septiembre, salió entonces a la venta “The Meaning Of Mariah Carey”, texto que a las pocas semanas de lanzamiento se convirtió en ‘best seller’, ocupando el puesto número uno de la lista que publica el periódico The New York Times. 

Pero también, a finales de julio de este año Mariah anunció en sus redes sociales que una producción discográfica nueva venía en camino y lanzó el primer corte del que sería esa producción: “Save The Day”, un tema con una letra esperanzadora que se apega muy bien a los tiempos que vivimos actualmente. La gran sorpresa, fue que la canción cuenta con la colaboración de la legendaria Lauryn Hill haciendo el ‘sampleo’ del tema “Killing Me Softly” que ella interpretó cuando era la vocalista de The Fugees. El ‘track’ fue ampliamente elogiado por la crítica quienes exaltaban el gran arreglo y la letra de la canción. Poco después, supimos que el nuevo disco de la diva sería un disco doble que representaría un experimento que incluiría algunas canciones que fueron desechadas de sus trabajos anteriores, algunos lados “B” de icónicos ‘singles’ y que no tuvieron ni la mínima difusión, algunos ‘bonus tracks’ de edición limitada y la versión original de “Loverboy” con todo y el ‘sample’ que Tommy Mottola le robó y se lo puso en un tema de Jennifer López; y lo bautizó como “The Rarities”, es decir, las rarezas. 

El disco uno consta de 15 de estos temas que si bien no son inéditos, tienen la cualidad que poseen la calidad y fuerza necesarias para convertirse en ‘singles’; el disco dos del álbum, es una grabación en vivo que corresponde al concierto que la megaestrella dio en 1996, en el Tokio Dome, en Japón y donde se contienen cortes icónicos de la cantante hasta el disco “Daydream”. En el disco uno, es decir, en las rarezas encontramos temas como “Here We Go Around Again”, ‘track’ que fue el primer demo de Mariah o “Can You Here Me”, pieza que Carey compuso junto al legendario Barry Mann para que fuera interpretada por Barbra Streisand y que por cuestiones legales, no sucedió. Se incluyen también “Lullaby Of Birdland”, una pieza clásica del jazz y que Carey interpreta en vivo durante el “Elusive Chantuse Tour” en 2014, así como “Everything Fades Away”, ‘bonus track’ del disco “Music Box” que solo se editó en Europa y Japón y “Slipping Away”, lado “B” del sencillo “Always Be My Baby” y que no tuvo ni una sola oportunidad en la radio entre otros más. El recorrido en “The Rarities” se convierte en un viaje de sonidos que nos remontan a la década de los noventas, pasando por canciones con un corte poderoso de R&B como “Cool On You” que fue descartado para el disco “E=MC2” o la versión acústica de “Close My Eyes”, uno de los temas más personales de la diva; es decir, podemos apreciar de manera detallada la evolución de su estilo musical. 

“The Rarities” se compone en efecto, de esas rarezas musicales que no formaron parte del extenso catálogo oficial de la cantante por alguna razón, y que se convirtieron, algunas en leyendas sobre su existencia o bien, que no se podían escuchar tan fácil por su lanzamiento restringido. Sin embargo, estas piezas hoy integran un disco que está siendo la sensación tanto de plataformas como de ventas, pues esas canciones que no debieron estar en un disco hoy aparecen en uno; es decir, “The Rarities” es un disco que, por su naturaleza, no debió haber existido. 

Carey es también una de las artistas que cuenta no solo con un ejército de fanáticos en todo el mundo, sino también de un gran número de ‘haters’ que critican todo lo que hace, sin embargo, ha sido tal la calidad de este material así como las halagadoras críticas de las que ha sido objeto, que esta vez, se quedaron sin argumentos; demostrando nuevamente, el motivo por el que después de 30 años de carrera, Carey sigue teniendo dominio, sigue siendo influencia y se encuentra completamente vigente en el mercado musical. Mi Twitter: @iorcuevas.

Gal Gadot, Cleopatra y el â€˜hate’


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Hace unos días, se anunció con bombo y platillo que Paramount Pictures, prepara como una súper producción el ‘remake’ de la cinta “Cleopatra”, aquella gran película en todo sentido, que protagonizaron Elizabeth Taylor y Richard Burton en 1963 y que dirigió Joseph L. Mankiewicz. Ese anuncio también incluía el nombre de la protagonista y de quien la dirigiría: Gal Gadot y Patty Jenkins, respectivamente, una de las duplas más potentes del cine contemporáneo. 

Tanto la cineasta como la actriz hicieron historia al ser ellas quienes estuvieron al frente de las cintas “Mujer Maravilla” y “Mujer Maravilla 1984”, esta última aún por estrenarse, pero que la primera ha significado uno de los mayores éxitos del Universo Extendido DC y ha colocado a Patty Jenkins como la cineasta (mujer) más taquillera de todos los tiempos; asimismo a Gal Gadot, la protagonista, como una de las actrices más reconocidas en el mundo y en el podio como una de las damas más bellas del planeta. Sin duda, este conjunto puede hacer que la nueva cinta de “Cleopatra” sea algo explosivo. 

El anuncio fue recibido con beneplácito por varios sectores y sobre todo, por gran parte del público, pues tanto Jenkins como Gadot, han demostrado que pueden convertir una historia de la que no se tienen mayores esperanzas en algo grandioso; sin embargo, también hubo comentarios en redes sociales que señalaban con contrariedad la elección de Gadot para interpretar a la última gobernante ptolemaica del Antiguo Egipto. Esos comentarios tenían en su mayoría el argumento de que nuevamente, Hollywood no permite la inclusión de actores que vengan de otras culturas y que no sean del mismo origen que el personaje que interpretan, en este caso, pedían que fuera una actriz egipcia quien encarnara a la monarca, sin detenerse por lo menos a leer en Wikipedia, que Cleopatra era griega. 

Algo que no debemos olvidar, es que el cine antes que arte es un negocio, y los grandes estudios cinematográficos ponen en manos de cineastas reconocidos, en este caso Patty Jenkins y de protagonistas con renombre porque eso, disminuye en un porcentaje el riesgo de inversión y garantiza que haya una taquilla que no represente pérdidas económicas en ningún sentido. Eso, en realidad al público nos viene valiendo un reverendo cacahuate y lo que esperamos es disfrutar de una película que nos haga pasar momentos increíbles. Y debemos también ser honestos como espectadores gustosos del celuloide, ¿quién no prefiere ver a Gal Gadot en la gran pantalla antes que una desconocida? Yo, sí. 

La versión original de “Cleopatra” de 1963 ha sido hasta la fecha, una de las películas más grandes en la historia del séptimo arte, sin embargo, eso no fue suficiente para que la crítica especializada la destrozara, pues señalaron que esa producción se había aprovechado del inicio del romance de Taylor con Burton, además, que reprocharon el trabajo de actuación, el vestuario y las cuatro horas de duración que tiene la película, exponiendo que se trataba de un verdadero tormento. 

Pero con el público fue otra la historia, pues supuso un gran éxito en taquilla, pues la gente amó sin medidas la química mostrada en pantalla por las estrellas protagonistas y deliraron con la historia de amor presentada. La película ha sido una de las más costosas en producir, costando 44 millones de dólares que, traducido al tiempo actual, serían varios cientos de millones de dólares y obtuvo una taquilla de solo 23 millones, es decir, la mitad de su costo; aún con eso, fue la película más taquillera en su año de estreno. 

La cinta original de “Cleopatra” de 1963, es el vivo ejemplo que la gente, siempre prefiere ver en el cine a estrellas reconocidas antes que alguien que comparta orígenes con el personaje. Sin duda, Patty Jenkins ha demostrado que puede comandar una producción de grandes magnitudes y Gal Gadot, que puede interpretar a protagonistas poderosas e independientes. El ‘remake’ de “Cleopatra” es algo que ya suena grandioso desde este momento. Mi Twitter: @iorcuevas.

Cobra Kai: Karate Kid versión â€˜millennial’


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Desde hace unas semanas la serie “Cobra Kai”, producida por Sony Pictures originalmente para YouTube Premium, se encuentra disponible en el catálogo de Netflix, convirtiéndose en tendencia y en una de las historias más vistas de la plataforma. Los elementos de producción, pero sobre todo, su valor nostálgico, ha sido el deleite de los usuarios, quienes han encontrado en ella, una historia un tanto innecesaria pero entrañable para los personajes que nos hicieron pasar grandes momentos en la década de los ochenta, en la saga de culto “Karate Kid”. 

El enfrentamiento entre el dojo o pandilla “Cobra Kai” en contra del alumno del señor Miyagui (Noriyuki “Pat” Morita), es llevado hasta nuestros días con Ralph Macchio y William Zabka regresando con los papeles de su vida: Daniel LaRusso y Johnny Lawrence respectivamente, quienes reviven esa añeja rivalidad que data desde 1984, pero ahora convertidos en sensei de unos adolescentes, que los obligan a modernizarse tanto en sus técnicas y comportamiento, al ser mentores de chicos que no están acostumbrados a un trato excesivamente rudo, a encerar automóviles o pintar cercas. 

La historia en realidad tiene un tratamiento muy simple, es predecible, cuenta con una estructura sin complicaciones y no tiene giros argumentales que nos sorprendan; todo lo que “Cobra Kai” presenta ya lo hemos visto en cualquier otra serie adolescente o en las telenovelas mexicanas, pero tiene una estimación agregada muy difícil de superar por cualquier otro drama: la nostalgia. En “Cobra Kai” nos presentan elementos y detalles que resultan verdaderamente emocionantes para quienes vimos la película más de una vez y fuimos testigos de como Daniel LaRusso se sobreponía al acoso de quienes integraban “Cobra Kai”, mostrando objetos como el den-den daiko (el tambor de ambas caras, sujetado por una barra y con dos perlas que se suspenden de ambos lados) y que jugó un papel crucial en la cinta, las reglas en japonés del dojo de Miyagui, el auto amarillo, la chamarra roja, la patada de la gruya, el traje de esqueleto y la misma presencia de “Pat” Morita encarnando a Miyagui en imágenes de archivo y a quien le rinden homenaje en un capítulo completo. “Cobra Kai” nos dará justo en ese sentimiento melancólico donde nos emocionábamos cuando LaRusso se hacía justicia mediante el karate.

El encuentro de estos personajes con la vida moderna como los teléfonos celulares, las redes sociales, las aplicaciones de citas, las videollamadas y demás iconos tecnológicos, supone la evolución de la antigua forma de enseñar karate a la contemporánea, donde los estudiantes deben ser tratados con menos rigor y con una disciplina un tanto más relajada y que es una adaptación de comportamientos que tanto LaRusso como Lawrence deben dar para obtener el reconocimiento de sus estudiantes. Los nuevos personajes que acompañan a los protagonistas son Miguel Díaz (Xolo Maridueña); Samantha LaRusso (Mary Mouser) y Robbie Keene (Tanner Buchanan), jóvenes actores quienes protagonizan el triángulo amoroso adolescente que no tiene absolutamente nada de sorprendente, pero que condimenta la rivalidad entre los veteranos karatecas. 

“Cobra Kai” nos muestra ahora el punto de vista de quién siempre supusimos el villano de la historia y los fantasmas de quien siempre creímos, era la víctima y el héroe; es decir, nos confirma que el lobo siempre será el villano si la fábula se cuenta desde la perspectiva de Caperucita. En “Cobra Kai” no vemos héroes y villanos, vemos un enfrentamiento de adultos con culpas que envuelven a los adolescentes en una animadversión en la que ellos no tuvieron nada qué ver; sin embargo, eso no le quita a ningún personaje la condición humana con matices opuestos y temperamentos propios de cualquier persona, convirtiéndolos en lo que a todos como público nos encanta ver en la pantalla: héroes comunes y corrientes.   

William Zabka y Ralph Macchio fungen como productores ejecutivos de la serie al lado de Will Smith, además de que todo el equipo de productores, son grandes fanáticos de las películas, por ello se arriesgaron a continuar la historia de dos rivales que no debían serlo, de justificar esa patada por la que LaRusso debió ser descalificado en ese torneo de la primera película y que es el motivo de la vida errática de Lawrence, asimismo, de mostrar el sufrimiento en secreto del otrora malvado y por el que fue odiado por 34 años. Se arriesgaron también porque si “Karate Kid” se debía continuar, debía ser con los mismos actores, de quienes poca gente sabía sus nombres reales y los llamaban como sus personajes; ¡Ey, LaRusso! Recuerda Ralph Macchio que le gritaban muchas veces en la calle y a Zabka le posaban con la patada de la gruya. Debían arriesgar a que la cobra volviera a morder a Lawrence y abrir esa caja de pandora que nos ha dado en medio de la añoranza para confirmar que, es de valor sustantivo conocer una historia desde todas las perspectivas de quienes se vieron involucrados. Mi Twitter: @iorcuevas.   

“Beat It” de Michael Jackson y Eddie Van Halen


Ismael Ortiz Romero Cuevas

A todos nos tomó por sorpresa el deceso de Eddie Van Halen el pasado martes 06 de octubre; desde hace relativamente poco tiempo, supimos del padecimiento de cáncer de garganta que el mítico guitarrista padecía y ante el cual, perdió la batalla pese a todas las esperanzas que se tenían en cuanto a su recuperación. Así es, este 2020 se ha estado llevando a personajes emblema en todo sentido. 

Eddie Van Halen es considerado el octavo mejor guitarrista de todos los tiempos por la revista Rolling Stone y su solo de guitarra puesto en la canción “Eruption” es también considerado el segundo mejor en toda la historia de la música y que en vivo, tocaba de espaldas al público para que nadie lo copiara; con este tema en menos de dos minutos, Eddie Van Halen cambió la forma de ejecutar la guitarra para siempre. Su técnica llamada “tapping” ha sido una influencia para muchos músicos y guitarristas contemporáneos, que lo consideran un verdadero maestro del instrumento y un icono no solo del ‘hard rock’ y heavy metal, sino de la música en general. 

Lo paradójico en la carrera de Eddie Van Halen como líder de la banda “Van Halen”, es que para las masas no sea recordado por la forma en como ejecutaba la guitarra en temas como “Panama”; “Dance The Night Away” o “You Really Got Me”, sino por ejecutar el teclado en el single “Jump”, quizá la gran canción de Van Halen por antonomasia. Fue “Jump”, el tema que los hizo dar un mega hit a nivel mundial y ser escuchados en prácticamente cada rincón del planeta. Y así, podemos pasar recapitulando un sinnúmero de grandes ejecuciones del gran Eddie, pero hoy, quiero que recordemos una ejecución por la que Eddie Van Halen pasó por el anonimato, la canción “Beat It” de Michael Jackson. 

Aunque aún para muchos esta resulta una especie de leyenda urbana, resulta que sí sucedió. En pleno proceso de grabación de “Thriller”, el productor de Michael Jackson, Quincy Jones estaba decidido en posicionar de una buena vez a Jackson como una mega estrella de talla mundial. Es sabido también que para ello, el productor convocó a grandes músicos para que colaboraran en el mítico disco por lo que decidió llamar a Eddie Van Halen para que pusiera un ‘riff’ de guitarra a la canción “Beat It” y así, darle un toque más rockero, pasando por alto el estilo pop-funk que tienen la mayoría de los tracks del disco. 

No fue fácil convencer a Eddie Van Halen de que aceptara colaborar en el disco, pues tenía un acuerdo con sus compañeros de la banda, donde nadie de ellos debía aceptar colaboraciones externas, fuera para el artista que fuera, pues querían que el sonido y talento de los músicos fuera una especie producto exclusivo de la agrupación. Pero Quincy Jones estaba decidido que fuera el aclamado guitarrista quien tocara el acorde distintivo del hoy mítico track. 

Después de varias llamadas y negociaciones, Eddie aceptó colaborar en la canción poniendo tres condiciones. La primera: no ser acreditado en ningún sentido en el disco, precisamente por el acuerdo con sus compañeros; la segunda condición: cobrar con cervezas en vez de con efectivo y la tercera y la que se mantiene como un misterio: que Michael Jackson le enseñara a bailar. Al parecer, Quincy Jones aceptó las condiciones de Eddie y a los pocos días de esa “negociación”, el guitarrista se encontraba grabando su parte para el tema. Eddie nunca coincidió cara a cara con Michael, pues ambos grabaron sus partes por separados y se dice, que Eddie en realidad dejó lista su contribución en un promedio de media hora, pues prácticamente, se realizó sin cortes. Lo que no se sabe y ahora, no se sabrá, es si alguna vez las dos leyendas se encontraron para que Michael le enseñara a bailar. 

Así, el disco más vendido de la historia cuenta con la magistral colaboración de Eddie Van Halen, ejecutando esto, dos años antes de que nos pusiera a brincar. Mi Twitter: @iorcuevas.