Celebrando a Stephen King: cinco de las mejores adaptaciones cinematográficas de su obra

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

Ayer, miércoles 21 de septiembre el afamado y aclamado escritor de novelas generalmente de horror, Stephen King, llegó a los 75 años de existencia. Y aunque los críticos literarios y académicos han desdeñado su obra por considerarla completamente comercial, el éxito de King es innegable y las ganancias por sus obras se cuentan ya por millones de dólares. Asimismo, él es uno de los autores que con más frecuencia ha adaptado el séptimo arte y aunque, en la gran pantalla no todo ha salido bien, sí ha habido versiones que se han llevado reconocimientos y palmas por el tratamiento que se les han dado a esas historias y hoy, como celebración a este autor que nos ha espantado a varias generaciones, les invito a que recordemos cinco de las mejores adaptaciones cinematográficas de novelas de Stephen King, según la crítica:

5.- “Misery” (1990)

Director: Rob Reiner

Protagonistas: James Caan, Kathy Bates, Richard Farnsworth y Lauren Bacall

Productoras: Castle Rock Entertainment y Nelson Entertainment

Distribución: Metro Goldwyn-Mayer / Columbia Pictures

Calificación en IMDb: 7.8/10

Calificación en Rotten Tomatoes: 90%

Disponible en: Amazon Prime Video y Cinépolis Klic

La película que le dio el Oscar y el Globo de Oro como Mejor Actriz a Kathy Bates es justamente “Misery”, pues la intérprete nos brinda una actuación tan grandiosa como espeluznante en su interpretación de Annie Wilkes. La novela de King vio la luz en 1987 y tres años más tarde, Castle Rock Entertainment se hizo con los derechos para la adaptación cinematográfica que, aunque es cardiaca y realmente aterradora, se queda corta a lo que describe King en el libro que por ejemplo nos narra como Annie Wilkes obliga a Paul Sheldon a que tome sus pastillas con agua sucia o que le corta el pie con un hacha y le cauteriza el muñón con un soplete en vez de fracturárselo como en la película. La cinta ha tenido mayor influencia en la cultura popular que el libro y ha sido mencionada en diversas canciones, series y hasta en Los Simpson. “Misery” es una aterradora obra maestra. 

4.- “Carrie” (1976)

Director: Brian de Palma

Protagonistas: Sissy Spacek, Piper Laurie, William Katt, Amy Irving y John Travolta

Productora: Two Pines Entertainment 

Distribución: United Artists

Calificación IMDb: 7.8/10 

Calificación Rotten Tomatoes: 93%

Disponible en: Amazon Prime Video, YouTube Premium y Cinépolis Klic 

“Carrie” fue la primera adaptación de una novela de Stephen King que se hizo para a la gran pantalla y fue todo un éxito en críticas y en la recepción, pues representó grandes ganancias para el desaparecido estudio United Artists. Además, esta película también representa el debut de John Travolta en el mundo del celuloide. Hasta este momento, la mítica escena del baile donde Carrie (Sissy Spacek) es bañada con sangre de cerdo, se encuentra catalogada como una de las más memorables de la historia del cine, pues Brian de Palma, combinó hábilmente las tomas en plano cerrado haciendo énfasis en los gestos, la elegancia de la cámara lenta y esa buena dosis de suspenso que en realidad es un homenaje a Hitchcock, es decir, tan predecible pero imposible de evitar. “Carrie” es un clásico del cine de todos los tiempos. 

3.- “Cuenta conmigo” (1987)

Director: Rob Reiner 

Protagonistas: Wil Wheaton, River Phoenix, Corey Feldman, Jerry O’Connell, Kiefer Sutherland y Richard Dreyfuss

Producción y distribución: Columbia Pictures

Calificación en IMDb: 8.1 /10 

Calificación en Rotten Tomatoes: 93%

Disponible en: Cinépolis Klic 

El martes también hablé de esta película pero por la canción que la acompaña, sin embargo, no podemos negar que la cinta es todo un icono no solo de la década de los ochenta, sino del cine en general. Esta es una historia que se basa en el cuento corto “El cuerpo” de Stephen King, y aunque el escrito tiene un trasfondo más macabro, la película resulta una oda a la amistad y a la solidaridad, siendo una de las cintas mayormente aclamadas por la crítica basada en un relato de nuestro autor homenajeado. Esta es una de las películas más recordadas del desaparecido actor River Phoenix, además de que le valió la nominación al Globo de Oro a Rob Reiner como Mejor Director y la nominación al Oscar para Raynold Gideon y Bruce A. Evans en la categoría de Mejor Guion Adaptado. Una gran película. 

2.- “El resplandor” (1980)

Director: Stanley Kubrick

Protagonistas: Jack Nicholson, Shelley Duvall y Danny Lloyd

Productoras: Warner Bros. Pictures, Hawk Films y Peregrine Productions

Distribución: Warner Bros. Pictures

Calificación IMDb: 8.4/10 

Calificación Rotten Tomatoes: 85%

Disponible en: HBO Max, Cinépolis Klic y YouTube Premium 

Una de las adaptaciones más aclamadas en todos los aspectos, es sin duda “El resplandor”, una película que no solo es pavorosa en su historia, sino que es una belleza visual en todo sentido gracias a la maestría de Kubrick y ¿por qué no decirlo?, por su manía a la simetría, a los planos con una euritmia exacta, a la iluminación como personaje y a los cambios visuales en la pantalla que nos llevan a transiciones de escenas con colores saturados e intensos a iluminadas y con tonos claros. Y aunque la adaptación al cine dista mucho a la historia presentada en la novela, no podemos negar que ha sido todo un referente e influencia de cineastas, que han encontrado en “El resplandor” una pieza digna de estudio, mencionando aparte la desquiciada y maravillosa actuación de Jack Nicholson. Las libertades que el cineasta se tomó en la adaptación de la novela hicieron que King se enemistara con Kubrick de por vida, pues nunca le perdonó que haya omitido elementos clave del libro en la película. 

1.- “Sueño de fuga” o “Cadena perpetua” (1994)

Director: Frank Darabont

Protagonistas: Tim Robbins, Morgan Freeman, Bob Gunton, William Sadler, Clancy Brown, Gil Bellows, Mark Rolston y James Whitmore

Productora: Castle Rock Entertainment

Distribuidora: Warner Bros. Pictures 

Calificación en IMDb: 9.3/10 

Calificación en Rotten Tomatoes: 93%

Disponible en: Netflix, HBO Max, Cinépolis Klic y YouTube Premium

Simplemente una obra maestra. Sin embargo, el año de su estreno en cine resultó ser un rotundo fracaso, pues compitió en la taquilla con cintas como “Forrest Gump” y “Tiempos violentos”, además de que en los años noventa, las tramas con contexto carcelario no eran las más populares que digamos. Sin embargo, fue el tiempo el que puso a esta cinta en el sitio que merece; otro de los factores que se dice fue en parte responsable del fracaso, fue lo confuso de su nombre, pues en inglés lleva el título de “The Shawshank Redemption”, que en realidad no dice mucho de lo que nos ofrece. Fue el formato casero, en su momento en VHS y el DVD, los que ayudaron a que esta gran adaptación tomara el lugar que merece entre el público, que fue el que la colocó en el puesto número uno de la lista realizada por el sitio IMDb de las 250 mejores cintas de la historia, superando a “El padrino”. Esta no es una historia de horror, sino que enaltece el carácter y da una mirada un tanto optimista del drama vivido por Andy (Tim Robbins) y su condena injusta. Basada en la novela corta de King llamada “Rita Hayworth y la redención de Shawshank” publicada en 1982, “Sueño de fuga” obtuvo siete nominaciones al Oscar que incluyeron “Mejor película” y “Mejor actor”, perdiendo absolutamente todas las estatuillas. 

Stephen King es uno de los autores más prolíficos de la literatura y muchas de sus historias, nos han hecho estremecernos del miedo, además de que el cine, ha hecho grandes adaptaciones de su obra. Celebrando los 75 años del autor, hago este simple homenaje, esperando que este fin de semana que se acerca, podamos ver una de estas películas. 

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Canciones ‘viejitas’ en el cine moderno

Ismael Ortiz Romero Cuevas

Antes de pasar a nuestros asuntos de entretenimiento, deseo que todos se encuentren bien después del sismo de ayer lunes. En Oaxaca, fue prácticamente imperceptible, pero a todos los lectores de la Ciudad de México, Jalisco, Michoacán, Colima y demás estados donde se percibió, espero de corazón que haya sido solo el susto. 

Pero pasemos a algo menos tenso y este martes, queridos lectores, les invito a que recordemos cinco fabulosas canciones antiguas y que algunas, han sido versionadas a sonidos modernos, que han sido utilizadas también en películas emblemáticas, así que comencemos: 

1.- “Stand By Me”

Película: “Cuenta conmigo” (1987)

Intérprete: Ben E. King

Álbum: Don’t Play That Song (1962)

Autores: Ben E. King, Jerry Leiber y Mike Stoller

Productores: Jerry Leiber y Mike Stoller

Discográfica: Atlantic Récords / Warner Music

La canción fue publicada en 1962, cuando el inigualable Ben E. King la compuso y la integró a su álbum “Don’t Play That Song”, convirtiéndose en un clásico de la música casi de manera instantánea. A lo largo de la historia, tanto del cine como de la música, “Stand By Me” ha aparecido en innumerables bandas sonoras de cintas emblemáticas y no tanto. Sin embargo, fue en 1987, cuando se presentó la película “Cuenta conmigo” que dirigió Rob Reiner y que presentó como protagonistas a River Phoenix, Will Wheaton, Corey Fieldman, Jerry O’Connell y Kiefer Sutherland y los llevó directo al estrellato, que la canción tomó más notoriedad y es asociada, principalmente a esta adaptación cinematográfica del cuento “El cuerpo” de Stephen King. “Cuenta conmigo” no es solo una película icónica de la década de los ochenta, sino de la historia del cine, pues hasta “Stranger Things” le hizo referencias y no dejó de ser notoria su influencia. 

2.- “I Will Always Love You”

Película: “El guardaespaldas” (1992)

Intérprete: Whitney Houston

Álbum: The Bodyguard – Original Soundtrack Album (1992)

Autora: Dolly Parton

Productor: David Foster

Discográfica: Arista Records / BMG 

La versión original de esta canción apareció en 1973 y la interpretó su atora original, la también legendaria Dolly Parton, pero su estilo ‘country’ la llevo a que inicialmente, fuera una balada dulce y sin la fuerza que le imprimió Houston casi 20 años después. No está por demás decir que la interpretación de la icónica Whitney Houston que aparece en la película “El guardaespaldas” que dirigió Mick Jackson y que protagonizaron Kevin Costner y la misma Houston, se convirtió en todo un fenómeno a inicios de la década de los noventa y su versión, la más conocida de esta canción; “I Will Always Love You” con Whitney estuvo trece semanas en el primer lugar de la lista de Billboard Hot 100 y ha sido, su canción más conocida. 

3.- “You Never Can Tell”

Película: “Tiempos violentos” (1994)

Intérprete: Chuck Berry 

Álbum: St. Louis To Liverpool (1964)

Autor: Chuck Berry

Productores: Phil y Leonard Chess 

Discográfica: Geffen Records / PolyGram 

Esta canción es una pieza fundamental en una de las escenas de baile más icónicas del cine de todos los tiempos, y me refiero a la que protagonizan Mia (Uma Thurman) y Vincent (John Travolta) en “Tiempos violentos”, que dirigió Quentin Tarantino a mediados de los noventa. La canción se publicó 30 años antes y fue de la inspiración del no menos legendario Chuck Berry; la aparición de esta canción en esa escena hizo que los inexpresivos integrantes de la generación X, conocieran y admiraran a una leyenda de la música como lo es Chuck Berry y gracias a este tema, esa escena lleva el calificativo de: insuperable. 

4.- “Johnny B. Goode”

Película: “Volver al futuro” (1985)

Intérprete: Chuck Berry

Álbum: Berry Is On Top (1959)

Autor: Chuck Berry 

Productores: Phil y Leonard Chess 

Discográfica: Geffen Records / PolyGram 

“Vamos con algo viejito… bueno, es viejito de donde yo vengo”, dice Marty McFly (Michael J. Fox) al interpretar el tema “Johnny B. Goode”, también del gran Chuck Berry en la grandiosa “Volver al futuro” de 1985 con Robert Zemeckis en la dirección y a Steven Spielberg en la producción ejecutiva. Y es que todos quienes hemos gozado de esta película que paradójicamente, parece que el tiempo no pasa por ella, no podemos escuchar esta increíble canción sin que nos remitamos a la escena del baile llamado “Encanto bajo el océano” donde los padres de Marty, George (Crispin Glover) y Lorraine (Lea Thompson), tienen su primera cita y dan pie para que esa increíble historia, tenga cabida. “Johnny B. Goode” y “Volver al futuro” piezas del cine y la música que ya son históricas. 

5.- “Blue Moon”

Película: “Hombre lobo americano en Londres” (1981)

Intérprete: The Marcels

Álbum: Blue Moon (1961)

Autores: Lorenz Hart y Richard Rodgers

Productor: Stu Phillips

Discográfica: Rhino / Warner Music

La canción “Blue Moon” apareció por primera vez en el mercado musical en 1934 y fue interpretada por Shirley Ross para la cinta “Manhattan Melodrama”. La canción se convirtió en una balada de las que se llaman “standards” y también fue versionada por los enormes Frank Sinatra, Elvis Presley, Mel Tormé y hasta Rod Stewart. Sin embargo, en 1961, el grupo del género doo-wop, “The Marcels”, hizo su propia versión en su estilo y el tema, fue todo un éxito. “Blue Moon” con “The Marcels” se posicionó en el top 10 del Billboard Hot 100 de ese año y se fue directo a la cima en Gran Bretaña; la canción entonces se ha transformado en un clásico de la música en todo el mundo. Y aunque en México, la asociamos a situaciones ridículas gracias a que, ignorantemente, así la han utilizado en la televisión, lo cierto, es que “Blue Moon” es una adaptación estupenda con este género que combinaba el gospel con el R&B. Con esta canción, termina la cinta de comedia y horror, hoy de culto, “Hombre lobo americano en Londres”, que dirigió John Landis en 1981 y gracias a los efectos, maquillaje y tecnología que se utilizaron en esta cinta, fue que Epic Records y Michael Jackson, eligieron a Landis para que dirigiera el que quizá es el mejor video clip de la historia de la música: “Thriller”. 

La música es una parte fundamental para contar una historia en el cine y por ello, estas canciones ‘viejitas’ utilizadas en el cine más actual se han vuelto parte fundamental para estas películas. ¿De cuál otra te acuerdas? 

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La equivocación de Warner

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

El 18 de marzo, se cumplió un año que HBO Max presentó con bombo y platillo la película “Liga de la justicia de Zack Snyder”, misma que desde su lanzamiento se convirtió en un éxito cinematográfico del ‘streaming’ y en un fenómeno global sin precedentes, según palabras de una ejecutiva del estudio; vamos, la película hasta ganó en marzo de este año un premio Oscar que por primera vez otorgó el público. Todo parecía que iba bien con esa película que pese infinitas negativas de su existencia por parte de WB, finalmente la leyenda urbana fue cierta y resulta que ese corte sí existía, fue estrenado y triunfó. 

Sin embargo, un artículo reciente de la revista “Variety” asegura que los ejecutivos se arrepienten silenciosamente de haber liberado el ya aclamado corte de Snyder por una simple razón: después de su estreno, los seguidores de estos personajes cuestionan de manera incesante y hasta agresiva el liderazgo de Warner y sobre todo, el rumbo que le han dado a la marca DC, pues probaron que siempre tuvieron razón con respecto a la existencia de esa versión de “Liga de la justicia”, la hicieron un éxito y demostraron que el todopoderoso estudio, erró en la orientación que le había dado a los héroes más emblemáticos de la historia con versiones ‘descafeinadas’ de sus películas para asemejarse más a lo que realiza Disney con el exitoso universo de Marvel. Y en efecto, el que Warner Bros., les haya dado la versión de la película por la que tanto clamaron, pero con una funesta estrategia de marketing, generó que los consumidores de este tipo de producciones tengan un alto nivel de desconfianza en el producto, la marca y las decisiones que se tomen con respecto a ella; en este momento, pareciera que los fanáticos de DC y sus personajes tienen de gran enemigo a Warner, cuando debería ser al contrario. 

La nueva directiva del estudio, que ahora se llama Warner Bros.-Discovery, tiene como objetivo replantear el universo DC que sin duda, ha sido un gran negocio, pero sobre todo, deben tener el compromiso de restaurar la confianza de los fanáticos presentando productos que tenga satisfechas a ambas partes, eso lo tienen muy claro, de hecho, el mismo artículo menciona que los nuevos “jefes” en Warner, tienen la firme intención de llevar a los héroes de DC a la misma gloria que llevó Disney a Marvel, aunque no sea copiando la fórmula; sin embargo, la decisión recurrente de WB de ahorrarse unos millones de dólares en sus producciones sacrificando símbolos y cosas que su mercado meta considera emblemas por la razón que sea, es otro de los motivos por los que se han convertido en discrepantes pronunciados. La reciente cancelación de “Batgirl” es otro ejemplo, decisión que no solo cimbró a Hollywood entero, sino que nuevamente les da en el centro del sentimiento a los fans. 

Uno de los rumores más fuertes y que tienen que ver con las decisiones que buscan la reconciliación entre la marca DC y los fanáticos, es decir, consumidores, es que el cineasta y productor taiwanés nacionalizado estadounidense, Dan Lin, llegará a hacerse cargo de DC Films para producciones cinematográficas y televisivas; sin embargo, en otro tiempo, Lin fue uno de los más severos críticos del universo creado por Zack Snyder por lo que eso, tampoco cayó del todo bien a su mercado meta, pero Warner no ha ni confirmado ni desmentido ese rumor. Sin embargo, parece que Warner Bros.-Discovery, sí está dispuesto a echarse a la bolsa a su público nuevamente, y es que hace unas semanas, Jason Momoa confirmó vía su cuenta de Instagram que Ben Affleck vuelve como Batman haciendo un ‘cameo’ en la película “Aquaman y el reino perdido”, y también se divulga con insistencia que Henry Cavill tendrá una aparición como Superman en la película “Black Adam” que llegará a las salas de cine el próximo 21 de octubre, sin embargo, esa información tampoco ha sido confirmada ni desmentida, sobre todo porque el año pasado, Warner ya había anunciado de manera oficial que Cavill ya no laboraba en el estudio y dejaba de ser Superman. 

El as bajo la manga de Warner-Discovery y DC, es la película “The Flash”, que se estrenará el próximo 23 de junio de 2023 y que pretende ser algo así como el botón de reinicio del DCEU. El retraso de su estreno que estaba previsto para el verano de este año se debe, según el ‘insider’ “DC Unlimited”, a que la cinta está teniendo ‘reshots’ importantes, incorporando nuevos personajes que nuevamente se dice, pueden ser Batman con Ben Affleck y quizá Superman de Henry Cavill y por la reputación de quien informa, no debemos echar en saco roto lo que afirma. Lo cierto, es que Warner y DC, están enfrentando un nuevo obstáculo en los planes para el lanzamiento de “The Flash”: Ezra Miller y su comportamiento errático. Y aunque el reconocido histrión ya se disculpó de manera pública y con el estudio, asegurando sin entrar en detalles que padece de “un complicado trastorno mental” derivado del estrés de encabezar al elenco de una película tan costosa (algunos periodistas e ‘insiders’ aseguran que Miller de 29 años, podría padecer de trastorno de identidad disociativa), lo cierto es que su protagónico en esta ambiciosa película podría estar en riesgo por el cúmulo de delitos que se dice que el actor ha cometido y convertir a la película en un éxito mediano, si no se trabaja en regenerar la reputación de Miller. 

A pesar del éxito que ha sido “Liga de la justicia de Zack Snyder”, la mala estrategia de ventas y de comunicación de un estudio tan grande e influyente como Warner Bros., dieron como resultado que lo que debió ser un gran evento cinematográfico, se convirtiera en un pesado lastre para la nueva directiva, que está tratando de tomar las mejores decisiones para reparar esa relación con sus fanáticos. Rumores, hay muchos, lo cierto es que ver nuevamente a la trinidad de súper héroes encarnados por Ben Affleck (Batman), Henry Cavill (Superman) y Gal Gadot (Mujer Maravilla) encabezando la publicidad de DC Films, provee esperanzas de que las mejores versiones de estos personajes aún tienen mucho qué dar en el cine. 

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El lado oscuro de Winnie The Pooh

Ismael Ortiz Romero Cuevas

Tenía yo preparado un tema diferente para presentarles hoy, queridos lectores, sin embargo, ayer por la tarde que revisaba Twitter me percaté que el tierno oso Winnie The Pooh o Winnie Pooh, como lo conocimos todos los que fuimos niños pequeños en los ochenta, era tendencia y con mucha curiosidad, hice ‘click’ en aquellas etiquetas que hablaban del afectivo personaje y ¡oh sorpresa! Me encuentro con un avance realmente perturbador: “Winnie The Pooh: Blood And Honey” (Winnie The Pooh: sangre y miel) y dije ¡¿qué demonios?!

No sé si la sorpresa fue amena, tenebrosa, cuestionable o qué, lo cierto es que vi el avance de una película que creo, puede llevar al personaje a que lo veamos desde una perspectiva muy distinta y ahora se asemeje más a creaciones como Jason de la franquicia de “Viernes 13” o Michael Myers de la franquicia de “Halloween”. En serio, no sé qué creer con ese avance que a simple vista pareciera puede ser un éxito, pero también, está en esa cuerda floja en la que puede estar a punto de convertirse en una de esas cintas tremendamente malas que sirven más para burlarnos. Lo más probable es esto segundo. 

Sin embargo, la situación es que ayer por la tarde y noche, miles de fanáticos que crecieron con el regordete amigo de Christopher Robin, inundaron las redes repudiando el tratamiento que ahora le dan al personaje y por eso lo hicieron tendencia, pues después de hacer las delicias de muchos niños de generaciones pasadas que disfrutaron de sus tiernas aventuras en dibujos animados, ahora se encuentran con un monstruo antropomorfo y asesino serial en potencia, es decir, una figura llevada completamente al otro extremo. No sabemos en qué resultará este experimento que, a decir verdad, tampoco es tan novedoso dado que ahora todo lo que sea animación se busca llevarlo al ‘live action’ y hacer de que los personajes se conviertan en la antítesis de lo que nos hicieron creer al principio, y pongo de ejemplos a “Maléfica” de 2014 y “Cruella” de 2021, solo que esta vez, el bueno se volvió loco y malo. 

La principal diferencia con “Winnie The Pooh: Blood And Honey”, es que esta vez no es llevada por Disney a la gran pantalla, sino por una compañía de nombre Premiere Entertainment, y el desarrollo de la película pudo ser posible cuando el libro original de A. A. Milne se convirtió en una obra de dominio público en los Estados Unidos en enero de 2022, lo que resultó en que The Walt Disney Company ya no tuviera los derechos cinematográficos exclusivos de los personajes representados por primera vez en el libro. En la película también aparece “Pigglet” (Puerquito) que también pasó a ser del dominio público, pero no “Tigger” que aún sigue perteneciendo a Disney. Y aunque muchos reclamos de los fanáticos del personaje iban directos a Disney por permitir que hicieran esto con uno de sus personajes emblemáticos, lo cierto es que legalmente no pueden hacer mucho por lo que acabo de explicar. 

“Winnie The Pooh: Blood And Honey”, es dirigida por Rhys Frake-Waterfield en su debut como cineasta y que además, ya cuenta con experiencia como guionista de películas que llevan un personaje tierno al extremo opuesto, por ejemplo, “La masacre del conejito de pascua”. La cinta de Pooh será protagonizada por Nikolai Leon, Amber Doig-Thorne, María Taylor, Danielle Ronald, Craig David Dowsett como Winnie The Pooh y Chris Cordell como Puerquito y sí, el elenco nada famoso y el bajo presupuesto con el que contó la realización de la cinta, nos indica que seguramente será una película de las llamadas “serie B”, que probablemente ni siquiera llegue a las salas cinematográficas y se vaya directo a las plataformas. 

La sinopsis oficial de “Winnie The Pooh: Blood And Honey” dice: “Durante su infancia, Christopher Robin se hizo amigo de Winnie The Pooh, Piglet y sus amigos, jugaba con ellos y les proporcionaba comida. A medida que crecía, esas visitas se volvieron menos frecuentes, al igual que el suministro de alimentos, lo que provocó que Pooh y los demás se sintieran cada vez más hambrientos y desesperados. Cuando Christopher fue a la universidad, las visitas se detuvieron por completo, lo que provocó que Pooh y Piglet se volvieran completamente salvajes y desquiciados, desencadenando que comieran carne humana y asesinen a los visitantes de la cabaña del bosque de los Cien Acres que alguna vez fue su lugar de juegos. Ahora, Christopher ha regresado al bosque junto a su prometida, con la esperanza de presentarle a sus viejos amigos. Sintiéndose traicionados, esto los lleva a cometer una carnicería humana mientras enfrentan a un grupo de chicas universitarias que ocupan dicha cabaña”.

Aún sin fecha de estreno ni que se sepa nada más tras la liberación del perturbador ‘trailer’, seguro este nuevo experimento del ‘slasher’ será un producto que generará más guasas que aclamación; aunque en la industria del cine, nada se da por seguro. 

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Silvia Pinal: la última diva del cine nacional

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

Ayer por la noche, se le realizó un merecido homenaje a la gran Silvia Pinal, quizá, la última gran estrella con vida del cine mexicano de la época de oro. Y es que conmemorar 64 años de carrera cinematográfica y más, del tamaño de la que ha sido la de la querida señora Pinal, debe ser algo en palabras mayores. La diva del cine trabajó con directores como Miguel Zacarías, Miguel M. Delgado, Luis Buñuel, Rogelio A. González, Luis Alcoriza, Arturo Ripsten o Gustavo Alatriste entre otros, además de que protagonizó cintas al lado de otros grandes de nuestro cine como Mario Moreno “Cantinflas”, Pedro Infante, Sara García, Joaquín Pardavé, Arturo de Córdova, Manolo Fábregas, Prudencia Griffel, Carlos López Moctezuma y Carmen Montejo entre algunos otros, además de que actuó también al lado de actores de talla mundial como Ricardo Montalbán, Burt Reynolds, Anthony Quiin y Charles Bronson. 

Pinal, también fue inspiración de artistas plásticos que la inmortalizaron en pinturas y esculturas, tal es el caso de Diego Rivera, Ricardo Ponzanelli y Oswaldo Guayasamín, además de que está en el mural del teatro Xicotencatl en Tlaxcala, representando a una de las siete musas del arte. Sin duda, ella es una gloria de nuestro cine nacional y hoy, te invito a que recordemos cinco películas protagonizadas por esta bella actriz, productora, empresaria y hasta política: 

1.- “Puerta joven” o “El portero” (1950)

Director: Miguel M. Delgado

Protagonistas: Mario Moreno “Cantinflas”, Silvia Pinal, Carlos Martínez Baena, Óscar Pulido, Fernando Casanova y Conchita Gentil Arcos

Productora: Posa Films

Distribución: Columbia Pictures 

Disponible en: Blim y Youtube Premium 

Esta gran película del legendario “Mimo de México” fue la quinta en la carrera de la gran Silvia Pinal y en efecto, fue elegida en un primer momento por su belleza, pero después convenció por tener un talento histriónico sin precedentes. Para esta cinta, Silvia interpreta a Rosa María “Rosita”, una chica con una discapacidad en la pierna y que es el interés amoroso de nuestro simpático protagonista; Silvia al ser poco conocida aún en ese momento, le valió el estar dentro de esta joya del cine nacional, pues lo que el estudio y el director buscaban era justamente que nadie opacara a la ya entonces gran estrella “Cantinflas”. Una gran película en todo sentido con todo y su final que nos rompe el corazón. 

2.- “Un rincón cerca del cielo” (1952)

Director: Rogelio A. González

Protagonistas: Pedro Infante, Marga López, Silvia Pinal y Andrés Soler

Productora: San Ángel INN y Filmex S. A. 

Distribución: Filmex S. A. 

Sin disponibilidad en plataformas

Los tres protagonistas de esta otra gran película del cine nacional ganaron el Ariel en las tres máximas categorías que premian a la actuación: Mejor Actuación Masculina para Pedro Infante, Mejor Actuación Femenina para Marga López y Mejor Coactuación Femenina para Silvia Pinal; y es que es imposible no llorar con este ‘dramononón’ del celuloide, pues las vicisitudes y dificultades de los protagonistas, los llevan a experimentar comportamientos desesperados para sobrevivir. Aún con los clichés que se acostumbraban en esa época, no podemos negar que “Un rincón cerca del cielo” es una película que encanta hasta al más duro de corazón, además de que disfrutamos como nunca a cuatro de las grandes glorias del cine nacional. 

3.- “Un extraño en la escalera” (1955)

Director: Tulio Demicheli 

Protagonistas: Silvia Pinal, Arturo de Córdova, Andrés Soler y José María Linares Rivas

Producción y distribución: Filmex S. A. 

Sin disponibilidad en plataformas

Esta es la película que lanzó al verdadero estrellato a la gran Silvia Pinal. En ese año, este thriller dramático participó en el Festival de Cannes, donde Silvia llamó la atención por su espectacular belleza. Más que por su argumento, “Un extraño en la escalera” es aclamada por retratar de manera fidedigna el ambiente “habanero” y por exaltar la belleza de Cuba, pero también y sobre todo, porque nos muestra a Silvia Pinal más sensual que nunca, con escenas que enmarcaban su torneada figura y su belleza, siendo el mismo José María Linares Rivas quien afirmó que él estaba seguro que “el suéter lo habían inventado para que lo portara ella (Silvia Pinal)”, haciendo referencia a una escena donde la mexicana aparece tremendamente sexy únicamente vistiendo esa prenda, asimismo, el refinado manejo de los desnudos de los protagonistas en esta cinta, fue otro motivo de reconocimiento de los especialistas. Un verdadero clásico. 

4.- “El inocente” (1956)

Director: Rogelio A. González

Protagonistas: Pedro Infante, Silvia Pinal, Sara García y Óscar Ortiz de Pinedo

Producción: Matouk Films 

Distribución: Estudios San Ángel 

Sin disponibilidad en plataformas 

Una comedia increíble. Ver a estos cuatro maestros de la actuación en esta película de verdad que hace las delicias de todos. La belleza de Silvia Pinal y la gallardía de Pedro Infante son parte esencial en esta película que se ha vuelto un clásico de la época navideña en nuestro país, pues la trama se desarrolla en la víspera de año nuevo, por lo que comúnmente es programada ya sea previo a las fiestas, el 28 de diciembre o bien el 31, incluso, hay canales que la proyectan en tres fechas diferentes en esa época. Es en esta cinta también, cuando el inigualable Pedro Infante estrena dos de sus temas más emblemáticos: “Mi último fracaso” y “No volveré”. “El inocente” no solo es una de las mejores películas de Pedro Infante y Silvia Pinal, creo que es una de las mejores del cine mexicano. 

5.- “Viridiana” (1961)

Director: Luis Buñuel

Protagonistas: Silvia Pinal, Fernando Rey, Francisco Rabal y Margarita Lozano

Producción: Unión Industrial Cinematográfica (UNINCI) y Films 59

Distribución: Kingsley-International Pictures y Estudios CEA C. Lineal

Sin disponibilidad en plataformas

Una película controvertida, pero que puso a la gran Silvia Pinal a los ojos del mundo. “Viridiana” fue prohibida en España e Italia, fue duramente criticada por el Vaticano y fue la producción que correspondía al estudio mexicano, la que terminó comercializando en mayor porcentaje uno de los filmes más personales y duros del cineasta integrante del movimiento surrealista: Luis Buñuel. Y es que “Viridiana” cuestiona la naturaleza de la beneficencia y muestra cómo las buenas intenciones no siempre se materializan en un éxito pleno. También se cuestiona el verdadero significado de la fe católica y los contrastes entre el mundo “real” y el mundo teórico cristiano. Una historia ideológica disfrazada de un melodrama y que mostraba una tesis que el mismo Buñuel no pretendía expresar en un principio: la doble moral de la caridad cristiana. Los referentes a la biblia cambiándole palabras y el cuadro de la “Última cena” recreado por los vagabundos desataron la ira de todos los conservadores europeos que calificaron a la cinta como una blasfemia, y eso, la posicionó en esos años, como un deseo culposo de muchos. El nombre de esta película y del personaje principal ha traído grandes tristezas a nivel personal a la dinastía Pinal. Una cinta, prácticamente obligatoria. 

Anoche, una gran ovación de pie fue como se cerró el merecido homenaje a Silvia Pinal, sin duda, la última diva del cine nacional. 

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Cinco grandes películas que cumplen 20 años en 2022

Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ya han pasado dos décadas desde el 2002, cuando el milenio aún estaba con escasos dos años y cuando se estrenaron películas que hoy son clásicos del cine. En ese año, hubo cintas de humor, de horror, dramas, biografías y de acción que iluminaron la pantalla grande y que hoy, reconocemos como parte de la historia del cine, así que este jueves y aprovechando que el fin de semana ya se acerca, vamos a recordar algunas películas que por increíble que parezca, llegan a los cuatro lustros este 2022: 

1.- “El aro”

Director: Gore Verbinski

Protagonistas: Naomi Watts, Martin Henderson, David Dorfman, Brian Cox y Daveigh Chase

Productoras: DreamWorks Pictures, Parkes/MacDonald Productions y BenderSpink, Inc.

Distribución: DreamWorks Pictures / Universal Pictures 

Disponible en: Cinépolis Klic y Amazon Prime Video (Para renta)

Una cinta que se convirtió ya en un clásico del cine de horror, además de que su estética con ese filtro verde es motivo de admiración en los sectores de la fotografía e imagen. Y es que “El aro” fue un éxito en taquilla y en críticas, reconociéndola como una de las mejores películas del género que se hayan filmado. La versión estadounidense, está basada en la cinta de horror de manufactura japonesa “The Ringu”, que se estrenó en 1998 en el país asiático y que también fue un éxito; lo interesante de ambas versiones, es que el autor de la novela de donde ambas se cimentaron, Köji Suzuki, fue coautor de los guiones cinematográficos, además, de que el interés de DreamWorks Pictures, compañía de Steven Spielberg, en producirla fue otro sello de garantía. “El aro” ganó el premio Saturn a Mejor Película de Horror en 2003 y Naomi Watts, el de Mejor Actriz; sin duda, ya es un clásico. 

2.- “El hombre araña”

Director: Sam Raimi 

Protagonistas: Willem Dafoe, Tobey Maguire, Kirsten Dunst, James Franco, Cliff Robertson, Rosemary Harris y J. K. Simmons

Productoras: Columbia Pictures, Marvel Enterprises ​y Laura Ziskin Production

Distribución: Columbia Pictures 

Disponible en: HBO Max, Cinépolis Klic y Amazon Prime Video (Para renta) 

Esta historia dirigida por Sam Raimi, es la responsable de crear el tono moderno en las películas de súper héroes y fue la más taquillera de ese género, hasta la llegada de la trilogía de “El caballero de la noche”. Los planes para realizar una película basada en los personajes de “El hombre araña” datan a inicios de la década de los ochenta, cuando la Metro Goldwyn Mayer intentó hacerla, sin embargo, el desarrollo se hizo eterno y una verdadera pesadilla al enfrentar peticiones del estudio para hacer la película más barata y finalmente, terminó por desecharse; sin embargo, a mediados de los noventa Sony Pictures se hizo de una parte del acervo de la MGM y entre ellos, venía el guion de “El hombre araña”, por lo que se apresuró a comprar los derechos a la entonces editorial Marvel para realizar una película con el personaje; después de esta adquisición, contrataron a David Koepp para que puliera el guion que ahora estaba en sus manos y barajearon diversos nombres de directores para dirigir esta cinta, siendo finalmente Sam Raimi el elegido y en 2002, por fin se estrenaba una cinta con el arácnido. Esta película, contiene uno de los besos más icónicos del séptimo arte. 

3.- “Pandillas de Nueva York”

Director: Martin Scorsese 

Protagonistas: Daniel Day-Lewis, Leonardo DiCaprio, Cameron Diaz y Liam Neeson 

Productoras: Intermedia Films e Initial Entertainment Group

Distribución: Miramax Films

Disponible en: Cinépolis Klic y YouTube Premium 

Una de las obras maestras de Martin Scorsese llegó en 2002, cuando “Pandillas de Nueva York” nos sorprendió a todos con una historia que nos cuenta el enfrentamiento de dos bandas a mediados del siglo XIX. Por esta película, Martin Scorsese obtuvo el Globo de Oro a Mejor Director y obtuvo su sexta nominación al Oscar en esa misma categoría que perdió ante Roman Polansky que obtuvo la estatuilla por “El pianista”. “Pandillas de Nueva York” obtuvo diez nominaciones al Oscar entre las que se destacan: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor (Daniel Day-Lewis) y Mejor Guion Original, sin embargo, no obtuvo ningún galardón durante la septuagésima quinta ceremonia, convirtiéndose en la gran perdedora de la noche. Sin embargo, eso no fue obstáculo para que, al paso de los años, se considere a esta gran película una de las mejores del director oriundo de Queens y ya todo un clásico del cine. 

4.- “Hable con ella”

Director: Pedro Almodóvar

Protagonistas: Javier Cámara, Darío Grandinetti, Leonor Watling, Rosario Flores y Geraldine Chaplin

Productora: El deseo S. A. 

Distribución: Sony Pictures Classics

Disponible en: Netflix, Cinépolis Klic y Amazon Prime Video (Para renta)

Esta es otra de las grandes películas de Pedro Almodóvar, por la que ganó el Globo de Oro a Mejor Película en Idioma Extranjero y el Oscar a Mejor Guion Original, además de la nominación como Mejor Director en los premios de la Academia. Y es que la forma de tratar la soledad de dos personas que la viven de una manera cruel y cruda por azares del destino se ha convertido en una de las películas más aplaudidas y polémicas del director manchego, además de que esta vez, presenta a dos hombres como protagonistas de esta historia con la amistad como eje central de toda la trama. Ver una cinta de Almodóvar, siempre es una experiencia y créanme, “Hable con ella” no los va a decepcionar en nada.

5.- “La era del hielo”

Directores: Chris Wedge y Carlos Saldanha

Protagonistas: Ray Romano, John Leguizamo, Denis Leary, Goran ViÅ¡njić, Cedric The Entertainer, Stephen Root, Jack Black, Diedrich Bader, Alan Tudyk y Chris Wedge. 

Productora: Blue Sky Studios

Distribución: 20th Century Fox

Disponible en: Disney +

Parece mentira que los entrañables Manny, Sid, Diego y Scrat hayan aparecido por primera vez en la gran pantalla hace 20 años. Esta película fue la primera de una franquicia a la que Disney le puso fin cuando adquirió la 20th Century Fox, y se despidieron haciéndole justicia al queridísimo Scrat. Con las voces en español de Jesús Ochoa como Manny, Carlos Espejel como Sid y Sergio Sendel como Diego, “La era del hielo” es el símbolo de toda una generación, que gozó en compañía de nosotros, de las aventuras de estos personajes a lo largo de cuatro entregas, siendo esta primera, la más querida por los fanáticos y más halagada por la crítica, incluso, fue nominada al Oscar a Mejor Película Animada. Revivir la primera entrega de esta gran franquicia, es sinónimo de entretenimiento puro. 

Ya que se acerca el fin de semana, volver a ver estas increíbles producciones cinematográficas es una gran opción. ¿Qué otra ‘peli’ conoces que está de aniversario?

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@iorcuevas