La evolución de Cantinflas en el cine


Ismael Ortiz Romero Cuevas

¿Entender a Cantinflas? Creo que nadie lo hacía, pero todos soltábamos la carcajada cuando se comenzaba a decir su retahíla de frases sin sentido con tal de sostener un diálogo. Ese fue su estilo, el mismo que llevó a lo largo de casi todas sus películas y que, aunque muchos de sus personajes les dieron otro nombre para no ser Cantinflas en cada una de las cintas, el estilo sí era el mismo. No importaba si el amado Mario Moreno era un torero, un policía, un bombero, un piloto, un peluquero, un profesor, un fotógrafo, un bolero, un elevadorista, un analfabeto, un médico, un mago o un sacerdote, su personaje siempre tenía la misma estructura y al público nos hacía doblarnos de la risa, incluso, al paso de los años. 

Aunque sus personajes eran escritos con esa estructura, era la capacidad de improvisación de Mario Moreno, lo que hacía que pareciera que el personaje fuera el mismo, pero este día, que conmemoramos su vigésimo octavo aniversario luctuoso, vamos a ver la forma en cómo ese mismo personaje, se adaptó a las circunstancias que le exigía el cine de esa época e incluso, su forma muy particular de adaptarse a otros géneros y a la modernidad: 

1.- “Ahí está el detalle” (1940)

Director: Juan Bustillo Oro

Protagonistas: Mario Moreno “Cantinflas”; Joaquín Pardavé; Sara García; Sofía Álvarez y Dolores Camarillo

Productora: Producciones Grovas-Oro

Distribución: México FILM (Televisa) y Posa Films

El primer largometraje estelarizado por Mario Moreno fue “Ahí está el detalle”. Este filme, sentó las bases de lo que sería la comedia en el cine del querido Cantinflas y se destaca por los ingeniosos diálogos que, además, se caracterizan por ser algo atrevidos para la época. Cantinflas venía ya de un gran reconocimiento en las carpas y de haber realizado algunos cortometrajes que eran proyectados en las salas de cine como entremés de las funciones estelares; eso lo llevó a tener fama en todo el territorio nacional y que, en 1940, el productor Jesús Grovas le diera la oportunidad de estelarizar su propia película, contratándole además a grandes estrellas como Joaquín Pardavé y Sara García, quienes ya tenían renombre en la pantalla de plata, como su elenco de apoyo por su gran reconocimiento. Ya es conocido que Cantinflas y el director, Juan Bustillo Oro no terminaron con la mejor relación, pues mientras el director le exigía a Moreno acatara las líneas del guion, Mario terminaba improvisando como en las carpas, lo que provocaba que los actores con poca experiencia teatral, les costara trabajo darle réplica. Sin embargo, fue justamente la improvisación lo que hizo que esta película tenga tanta riqueza en todo sentido, pues los hilarantes diálogos de Cantinflas no se pueden explicar sin la espontaneidad en las reacciones de los demás actores a quienes les llegaba por sorpresa el diálogo recién estructurado por el actor; esa naturalidad del elenco sin contar a Pardavé y a Sara García, que también sabían improvisar, fue un elemento novedoso para la época. “Ahí está el detalle” se encuentra en el sitio número 10 de las 100 Mejores Películas del Cine Mexicano que en 1994, publicó la revista “Somos”. Esta cinta, creó al Cantinflas cinematográfico. 

2.- “El gendarme desconocido” (1941)

Director: Miguel M. Delgado

Protagonistas: Mario Moreno “Cantinflas”; Mapy Cortés; Daniel “Chino” Herrera y Gloria Marín

Productora: Posa Films

Distribución: Columbia Pictures

Esta fue la película donde Cantinflas fue dirigido por primera vez, por quien fuera el cineasta que comprendió su sentido del humor y que le dejó improvisar en el set: Miguel M. Delgado, quien dirigió a partir de esta, todas las películas de Cantinflas en nuestro país. En “El gendarme desconocido” es la primera vez que se utiliza su afamado número insignia: 777, mismo que posteriormente empleó en “El bombero atómico” (1952); “Entrega inmediata” (1963) y “El patrullero 777” (1978), que fue un ‘remake’ de esta misma cinta. Es también en esta película, donde utiliza por primera vez su emblemática frase: “¡A sus órdenes, jefe!” con su peculiar estilo. Sin duda, otra joya del cine nacional. 

3.- “El señor fotógrafo” (1953)

Director: Miguel M. Delgado

Protagonistas: Mario Moreno “Cantinflas”; Rosita Arenas; Ángel Garasa; Julio Villarreal y Rebeca Iturbide

Productora: Posa Films

Distribución: Columbia Pictures

La evolución en el cine de Cantinflas se realizaba más en los guiones que en la naturaleza del personaje; y en 1953, llegó a las pantallas “El señor fotógrafo” una de las comedias más reconocidas del “Mimo de México”, una película hilarante sin duda, pero en la que se introdujeron por primera vez elementos del cine de suspenso, del género policiaco y del ‘thriller’ dentro de un argumento elaborado para Cantinflas. La combinación de esta historia realizada por el guionista de cabecera de Cantinflas, Jaime Salvador, representó una forma diferente de presentar en el cine una historia de comedia. Hay que destacar en esta película, la actuación de Ángel Garasa, como el ingeniero Raúl Penagos y el loco, que resulta tan dramática como cómica a la vez. 

4.- “El bolero de Raquel” (1956)

Director: Miguel M. Delgado

Protagonistas: Mario Moreno “Cantinflas”; Manola Saavedra; Paquito Fernández; Flor Silvestre y Elaine Bruce

Productora: Posa Films

Distribución: Columbia Pictures

La primera película a color del gran “Mimo de México”, pero también, su primer descalabro cinematográfico. “El bolero de Raquel” es catalogada como el primer fracaso cinematográfico de Cantinflas, pues tuvo el más bajo desempeño en la taquilla desde el inicio de su carrera, obteniendo ganancias mucho menores en comparación con sus películas anteriores. Teniendo como parámetro las mismas películas de Cantinflas, se consideró una pérdida en su año de estreno, pero tomando en cuenta el desempeño del cine en general a mediados de los cincuenta, resulta que “El bolero de Raquel” obtuvo la mejor taquilla de ese año. Esta película se filmó antes de que Mario partiera a Estados Unidos a filmar “La vuelta al mundo en 80 días”, sin embargo, ambas se estrenaron ese mismo año. 

5.- “La vuelta al mundo en 80 días” (1956)

Director: Michael Anderson

Protagonistas: Mario Moreno “Cantinflas”; David Niven; Shirley MacLaine y Robert Newton

Productor: Michael Todd

Distribución: United Artists

La llegada a Hollywood de Cantinflas se dio con esta cinta que, además, resultó un éxito en la taquilla a nivel mundial, aunque en México no fue del completo agrado de las audiencias pues se les hizo raro escuchar a nuestra estrella hablando en inglés. “La vuelta al mundo en 80 días” obtuvo cinco premios Oscar, que incluyeron el de Mejor Película y Mejor Guion Adaptado, a pesar de todas las licencias que se tomaron para esta película. De entrada, la nacionalidad de Passepartout (Cantinflas) que en la novela original de Julio Verne era francés y en la cinta lo hacen completamente latino; incluso, la canción que caracteriza al personaje inicia con los acordes de “La cucaracha”. Por esta película, Mario Moreno se alza con el Globo de Oro como Mejor Actor de Comedia o Musical y es famosa también por la cantidad de ‘cameos’ de grandes estrellas como Frank Sinatra; Charles Boyer; Fernandel; Martine Carol; John Gielgud; Ronald Colman; Marlene Dietrich y Luis Miguel Dominguín, entre algunos otros. Si la ven, pueden notar que en efecto, esta película la hicieron para que Cantinflas, se luciera. 

6.- “El señor doctor” (1965)

Director: Miguel M. Delgado

Protagonistas: Mario Moreno “Cantinflas”; Martha Romero; Miguel Ángel Álvarez y Tony Carbajal

Productora: Posa Films

Distribución: Columbia Pictures

Originalmente esta comedia llevaría por nombre “El doctorcito”, sin embargo, Columbia Pictures decidió cambiar el nombre poco tiempo antes del estreno por considerar a ese sustantivo un tanto peyorativo. Es con esta cinta, podemos decir que comienza el declive de la estrella mexicana pues este es su primer trabajo donde el gobierno utiliza la imagen del gran “Mimo de México” para encumbrar a sus instituciones y elogiar los programas oficiales, en este caso, el IMSS que cumplía por esos años trece de haber sido creado. Con “El señor doctor” se acaba el Cantinflas de barrio, el gandalla, el aprovechado y el ingrato; se terminan también sus ocurrencias y el sentido del humor más ácido para convertirse en un vocero de lo “moralmente correcto”. Años más tarde, Cantinflas trataría de reivindicarse con cintas como “Conserje en condominio” y la española “Don Quijote cabalga de nuevo”, ambas de 1973, pero el público ya no le respondió con el mismo entusiasmo. A pesar de eso, esta etapa de Cantinflas se considera exitosa en el sentido de que mucha gente recuerda películas de esta época, porque justamente por estar encaminadas a destacar el trabajo oficial, siguen siendo programadas aún de manera constante en la televisión. 

Mario Moreno “Cantinflas” es sin duda, un baluarte de nuestro cine nacional y una estrella esencial en la escena fílmica mundial, siendo reconocidos por actores de renombre mundial. Y perdón que insista, pero Cantinflas es una de las mejores cosas que le han pasado a nuestro país. 

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Almodóvar: la música y su narrativa


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Hace unos días, encontré por accidente en un canal del sistema de televisión de paga que utilizo, una película que era dirigida por el gran Pedro Almodóvar. Un director que se ha apropiado un estilo no solo en la forma de contar sus historias, sino en el manejo de colores vibrantes, una iluminación muy particular y sobre todo, las heroínas y galanes que protagonizan sus historias, que son dotados de fuertes rasgos de personalidad y de carácter con temple, aunque a veces su función sea una base de comedia. 

La cinta que encontré era nada menos que “Todo sobre mi madre”, aquella película que en 1999 fue elogiada en el mundo entero y por la cual, el director se alzaba con el Oscar a Mejor Película Extranjera en aquella entrega. Y verla me hizo recordar un elemento importante para el cineasta manchego dentro de su narrativa: la música. Sin duda, piezas que nos contextualizan o describen de manera detallada emociones, sentimientos o lugares en los que se encuentran sus personajes y este jueves, les invito a que hagamos un recorrido por cinco temas, utilizados en algunas de sus películas más elogiadas: 

1.- “Resistiré” 

Artista: Dúo Dinámico 

Álbum: En forma (1988)

Compositores: Manuel de Calva y Carlos Toro Montoro

Productor: Manuel de Calva

Discográfica: Sony Music / Columbia Records

Aparece en la película: “Átame” (1990)

El electrizante final de la película “Átame” no pudo ser mejor. Los tres protagonistas Marina (Victoria Abril); Ricky (Antonio Banderas) y Lola (Loles León) culminan la emblemática cinta cantando esta canción en el auto donde la pareja central se declara su amor. La letra de esta canción es tan poderosa, que fue regrabada en España en 2020 para dar ánimos a la gente ante el confinamiento por la pandemia y después, llevada a varios países de habla hispana. En la cinta, hace referencia a todos los obstáculos que tiene que enfrentar Ricky para poder conquistar a Marina, pese a todo lo bizarro que resulta la historia. Un gran final para una película histórica. 

2.- “Tajabone”

Artista: Ismaël Lo

Álbum: Jammu Africa (1997)

Compositor: Ismaël Lo

Productores: Philippe Brun y Emmanuel Deletang

Discográfica: EMI / Capitol Records

Aparece en la película: “Todo sobre mi madre” (1999)

“Todo sobre mi madre” no es una de las películas de Almodóvar; es LA película de Almodóvar. Y los elementos que contiene son simplemente grandiosos, siendo la guinda de todos ellos, las cinco estupendas protagonistas: Manuela (Cecilia Roth); Huma (Marisa Paredes); Rosa (Penélope Cruz); Nina (Candela Peña) y Agrado (Antonia San Juan) que nos ofrecen una historia poderosa y un verdadero homenaje a la sororidad. “Tajabone” enmarca el regreso de Manuela a Barcelona para resolver pendientes de su pasado, pues considera que ella le debe una explicación y que ahora, le está cobrando el haber huido de manera repentina. Al momento en que ella está averiguando el paradero de Agrado, que trabaja como prostituta, suenan las electrizantes primeras notas de este tema interpretado y creado por el cantautor senegalés Ismaël Lo. 

3.- “Cucurrucucú paloma”

Artista: Caetano Veloso

Álbum: Banda Sonora de “Hable con ella” (2002)

Compositor: Tomás Méndez Sosa

Productor: Caetano Veloso

Discográfica: Warner Music / Millan Records

Aparece en la película: “Hable con ella” (2002)

De por sí, este tema es capaz de hacer que se enchine la piel de cualquier oyente y esta versión del cantautor brasileño Caetano Veloso, te pondrá los pelos de punta con lo emocionante y emotiva que resulta. Con una base en el bossa nova y pequeñas pinceladas de blues, este ‘track’ enmarca de manera estupenda la historia de amor que nos cuenta esta película, que, pese a lo inverosímil que pueda parecer, Almodóvar le da el toque de ser una apología al enamoramiento, a la sensualidad, a la soledad y a la amistad. “Hable con ella” obtuvo también grandes premios a nivel internacional, incluyendo un Oscar a Mejor Guion Original, así como la primera y única nominación de Pedro Almodóvar en la categoría de Mejor Director. No solo la cinta es una verdadera joya, la música también lo es y este tema es prueba de ello. 

4.- “Un año de amor”

Artista: Luz Casal

Álbum: A contraluz (1991)

Compositores: Nino Ferrer y Pedro Almodóvar

Productores: Paco Trinidad y Luz Casal

Discográfica: EMI / Parlophone Spain

Aparece en la película: “Tacones lejanos” (1991)

La artista encargada de interpretar las dos emblemáticas canciones que aparecen en esta cinta es nada menos que Luz Casal y la sincronización dentro de “Tacones lejanos” la hicieron Marisa Paredes para “Piensa en mí” y Miguel Bosé en “Un año de amor”. Sin duda, esta película pone de manifiesto la genialidad de Almodóvar para contar historias complicadas y que las canciones formen parte de su relato. “Tacones lejanos” fue una de las películas más reconocidas del director manchego a nivel internacional y en México, tuvo una gran penetración gracias a que uno de los estelares es Miguel Bosé. 

5.- “Quizás, quizás, quizás”

Artista: Sara Montiel

Álbum: Banda sonora de la película “Noches de Casablanca” (1963)

Compositor: Osvaldo Farrés

Productor: Greg Segura

Discográfica: EMI / Hispavox España

Aparece en la película: “La mala educación” (2004)

Gael García Bernal transformado en Sahara, personaje de Juan y que ahora se llama Ángel, su otro personaje, hace esta sincronización de este tema en la versión de la gran Sara Montiel, además, inspirando la caracterización de ese personaje. La controvertida película de Almodóvar nos presenta una película dentro de una película y resulta ser reveladora y con un giro argumental estupendo. Esta es una de las cintas más criticadas del director por su ritmo un tanto parsimonioso y además, lo compleja que resulta la trama al principio, hasta que descubrimos que se trata de una película contada dentro de la película, pero inspirada en los hechos que traumaron a Juan / Ángel (Gael García Bernal) y que lo llevaron a convertirse en un ser lleno de rencor. El talento actoral del histrión mexicano queda de manifiesto de manera indiscutible en esta gran película. 

A Almodóvar se le considera uno de los genios del cine en todo el mundo, ya que su estilo y narrativa han hecho que veamos al cine de una manera poco convencional, asimismo, nos presenta historias que parecieran sacadas de lo más cotidiano de las convivencias para convertirse en tramas improbables y con personajes que van desde ser serios hasta pintorescos. La música es también ese elemento que adereza de manera certera sus historias. Ojalá disfruten este recorrido por algunas de las canciones que Pedro Almodóvar nos ha puesto para disfrutar más de su obra. 

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“Tesis”: la ópera prima de un estudiante de cine que cimbró al mundo


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Tenía yo 17 años la primera vez que vi la película “Tesis”. Ya habían pasado algunos meses de su estreno en las salas de cine españolas y europeas, que fue justamente un 12 de abril de 1996 (es decir, ayer cumplió 25 años), pero que a nuestro continente llegaba en el verano de ese mismo año. Una de las ventajas de aparentar mayor edad de la que tengo, es que en el cine siempre me dejaban entrar a ver las películas que en se catalogaban como de contenido sensible, de clasificación “C” o que simplemente, no eran apta para adolescentes; el verme más grande ha sido una característica mía y que en años de juventud, pude sacarle ventaja. Así, en su momento de ser exhibida en las salas de cine locales, tuve la oportunidad de verla y se convirtió no solo una experiencia impactante, sino sobrecogedora. 

Cuando “Tesis” llegó a México, ya se hablaba mucho de ella en los círculos especializados de cine y obviamente, entre los adolescentes de la época, pues era conocido que no era una cinta apta para temperamentos alterables, también que no era para ese sector de público y constatando que lo prohibido se vuelve el más grande deseo y sobre todo, que recomendaban ir a verla con la mayor apertura de mente posible. Se hablaba de que el director, era un ‘chavo’ que apenas rebasaba los veinte años; se hablaba también de los actores que se habían convertido en toda una revelación en Europa y sobre todo de Eduardo Noriega, quien aseguraban, sería el próximo Antonio Banderas. Pero lo que realmente llamaba la atención, era que por primera vez se trataba en una película de manera más abierta, lo que implicaba la realización del cine ‘gore’ y ‘snuff’, con la crudeza que eso implica. Realmente, “Tesis” dio mucho de qué hablar entre los críticos y el público, pues su desarrollo comercial, no demeritaba la seriedad con que se contaba una historia ficticia que resultaba infalible en los sectores universitarios y revelaban quizás, una realidad que se vivía en las universidades europeas. 

Y la cosa se comenzó a poner seria con “Tesis” en todo el mundo, porque el entonces director revelación, Alejandro Amenábar, consiguió que su película fuera rodada en el edificio que ocupa la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, lugar donde el mismo Amenábar había estudiado y lo que le daba aún más seriedad a los eventos que ocurrían en la trama. También porque la cinta es tan vertiginosa e impactante, que argumentaban que muchas personas no podían terminar de verla por la tensión tan tremenda que provocaba y eso, pude constatar que era verdad, pues yo mismo fui testigo en el cine cuando muchos abandonaron la sala al ya no tolerar esa intranquilidad tan fuerte que provoca la historia. Y en ese 1996, realmente el mundo se detuvo a ver una película protagonizada por jóvenes actores poco conocidos en el séptimo arte internacional: Ana Torrent (Ángela); Fele Martínez (Chema) y Eduardo Noriega (Bosco) y más aún, realizada por un cineasta de 24 años que presentaba su primer largometraje y del que se tenían pocas referencias: Alejandro Amenábar; realmente “Tesis” fue impactante; lo sigue siendo. 

El cine español constató con “Tesis” que realmente podía entregar productos cinematográficos dignos de aclamación internacional gracias a sus nuevos talentos. Se decía en ese entonces que Amenábar podría compartir del podio de sus grandes glorias en cuanto a cineastas y colocarse al lado de Pedro Almodóvar o Alex de la Iglesia; y no estaban equivocados. 

“Tesis” cuenta la historia de Ángela, una estudiante de Imagen que realiza su tesis sobre la violencia audiovisual. Para ello, pide ayuda a su asesor de proyecto, el profesor Figueroa (Miguel Picazo), para que le consiga películas de tipo ‘gore’ y ‘snuff’ y sustentar algunos temas de su trabajo; Figueroa encuentra un video y cuando lo revisa en una de las salas de la Universidad, muere de un infarto por el estupor que le causa. Ángela encuentra el cuerpo de Figueroa al día siguiente y se lleva la cinta que veía. Pronto descubre que fue testigo de un video de este tipo, donde asesinaban a una estudiante de esa universidad. Chema le ayuda a descubrir el embrollo, sin embargo, Ángela descubre que dentro de la escuela hay una red que se dedica a la producción de estos videos donde están involucrados profesores y algunos estudiantes. 

“Tesis” es una cinta por la que el tiempo no parece pasar. Una película con la que entendí realmente de qué se trataba el género de horror psicológico y que me llevó a tener una experiencia realmente estremecedora. Es una película no solo estupendamente dirigida y fotografiada, sino tan turbulenta que sigue estremeciendo a mucha gente que la conoce por primera vez y que, de verdad, lleva el género del ‘thriller’ y del horror psicológico al extremo. Actualmente, podemos disfrutar de ella gracias al ‘streaming’, pues se encuentra en Amazon Prime Video con la suscripción normal. A 25 años de su llegada a las salas de cine europeas, les invito a que comprueben que su vigor, sigue siendo el mismo y los motivos por los que en el año de su estreno, arrasó llevándose siete premios Goya de sus ocho candidaturas. 

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María Félix: la musa que se fue el día que llegó


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Nació el mismo día en que murió, pero con 88 años de diferencia. Un 08 de abril de 1914 nació en Álamos, Sonora la que ha sido considerada y por mucho como la mujer más bella del mundo. María Félix no solo fue una destacada actriz y gloria del cine nacional, fue inspiración para un gran sector del público, una ‘jet set’ a nivel mundial, una musa para artistas plásticos y representó el señorío de la mujer mexicana en el mundo. Fue quien despreció a Hollywood por hacer cine de corte artístico en Europa y Argentina. 

María no nada más fue una mujer de temperamento implacable, es hasta la fecha un símbolo del feminismo, de la elegancia y del empoderamiento. Su incursión y éxito en el cine fue un mero accidente, pues varios de sus biógrafos aseguran que fue descubierta un día por Fernando Palacios, que era productor de cine y luego impulsó su carrera, cuando ella caminaba por la calle. Cautivado por su belleza y porte, no dudó en preguntarle si quería hacer una película, a lo que ella asintió. Fue en ese momento que iniciaba no solo una sólida carrera cinematográfica, sino una leyenda. Aquella película fue “El peñón de las ánimas” de 1942, que dirigió Miguel Zacarías. 

Fue en esa película, donde también ya mostró su carácter pese a ser una novata. Su compañero fue Jorge Negrete, quien era conocido por su arrogancia y poses de súper estrella, sin embargo, María nunca se dejó doblegar ni sorprender por el cantante, a quien despreció e hizo desplantes en más de una ocasión. La anécdota mas conocida de esa filmación fue cuando Negrete le preguntó a María con quién se había acostado para obtener el estelar en la película, a lo que ella le contestó: “usted tiene más tiempo en este negocio que yo. Así que es usted el que debe saber con quien hay que acostarse para ser estrella”. En el rodaje de “El peñón de las ánimas” Negrete y Félix tuvieron una relación agresiva y ríspida, sin embargo, una década más tarde, fueron esposos. 

Fue antes de iniciar la filmación de esa cinta, que Fernando Palacios le sugirió a María optar por un nombre artístico diferente al suyo y le refirió fueran Diana del Mar o Marcia Maris, pero María siempre quiso utilizar su nombre real y lo único que el productor logró fue que lo acortara de María de los Ángeles Félix, a solo María Félix. Sin duda, la entonces novata estrella sabía lo que quería. 

Los amores de María fueron también de los más sonados en el medio artístico de la época; pero cuando ella se hizo famosa estaba casada con Enrique Álvarez con quien procreó a su único hijo, el también actor Enrique Álvarez Félix; con Álvarez estuvo casada siete años y al poco tiempo de separarse, la actriz contrajo nupcias con Agustín Lara en 1945 y con quien estuvo dos años. Pasaron ocho años para que ella volviera a casarse y en 1952, lo hizo con Jorge Negrete, cuando ella ya era una estrella quizá más famosa y con más reconocimiento internacional que él; ese matrimonio solo duró un año y terminó por la muerte del charro. Su último esposo fue el empresario y magnate Alex Berger, con quien duró casada casi 19 años, hasta que él murió. 

Ese carácter imperioso, temperamental y hasta en cierto sentido brusco fue una de las más conocidas cualidades de “La Doña”, a quien se le quedó ese apodo gracias a la cinta “Doña Bárbara” de 1943; pero también fue quizá su más grande condena. Mucho se habló de las preferencias sexuales de su hijo Enrique, de quien se decía era homosexual y que vivía en el clóset por las presiones de su madre, sin embargo, esa fama de su madre y el renombre que él ya tenía también como un gran actor, le ayudaron a tener de pareja a atractivos jovencitos que buscaban un espacio en el medio del entretenimiento y a algunos actores y productores de renombre. Se sabe que él y María, rompieron relaciones cuando la actriz encontró lo encontró besándose con otro chico y vestido de mujer. Esa condición era vergonzante en esos años y eso derivó en que nunca tuviera una buena relación con Enrique, distante hasta que el actor murió. 

Para recorrer la carrera de María nos hace falta espacio y tiempo, pues no solo es una de las más prolíficas en el cine nacional, sino también apasionante. María Félix fue protagonista de grandes joyas de la época de oro del cine mexicano como: “El peñón de las ánimas” (1942); “Doña Bárbara” (1943); “Enamorada” (1946); “La diosa arrodillada” (1947); “Maclovia (Belleza maldita)” (1948); “Tizoc – Amor Indio” al lado de Pedro Infante (1956); “Miércoles de ceniza” (1958); “La cucaracha” al lado de Dolores del Río (1958) y “La bandida” (1962) por mencionar algunas, además de que hizo cine en Italia, Francia, España y Argentina. 

Descrita por Diego Rivera como “Un ser monstruosamente perfecto.  Es un ser ejemplar que impele al resto de los seres humanos a esforzarse a ser como ella”, María Félix es una de las grandes personalidades que nuestro país dio al mundo. Y hoy, la recordamos en el que sería su cumpleaños número 107 y su décimo noveno aniversario luctuoso. Porque solo las verdaderas estrellas, se van el día de su cumpleaños. 

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Dos mujeres, las favoritas para el Oscar 2021


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ayer lunes tuvimos la esperada ceremonia, este año presentada por Priyanka Chopra y Nick Jonas, donde se anuncian a los nominados a competir por el premio de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de los Estados Unidos, mejor conocidos como los Oscars. Y a pesar de que el 2020 fue un año en el que socialmente hubo poca o nula audiencia en las salas de proyección en el mundo, incluso, cerrando algunas, como el caso de Cinemex en nuestro país; no significó que no hubiera producciones cinematográficas. 

Y a diferencia de otros años, la ceremonia se llevará a manera virtual el próximo 25 de abril, en el Teatro Kodak como sede, pero de manera virtual. Y para estas horas, muchos ya deben conocer a todos los nominados a los premios, destacando entre otros, a figuras como Gary Oldman, al recientemente fallecido Chadwick Boseman y a Anthony Hopkins que compiten en la categoría de Mejor Actor; asimismo, a David Fincher que está dentro de la competencia a Mejor Director con su película “Mank” que encabeza la lista de nominaciones con diez, pero que no es la gran favorita; y la gran sorpresa (o no tanto) es ver nuevamente enfrentarse a Glenn Close y Olivia Colman en la misma categoría, pero ahora en la de Mejor Actriz de Reparto, ¿será que este sí será para Close? Pero también la de Mejor Actor de Reparto se pone muy interesante, pues Daniel Kaluuya, quien estuvo nominado a Mejor Actor por “Huye” ahora lo hace en esta categoría compitiendo, entre otros, con Sacha Baron Cohen por “El juicio de los 7 de Chicago”; y la nominación por primera vez en la categoría de Mejor Actriz para Vanessa Kirby, que se llevó las palmas cuando actuó en la serie “La corona” interpretando a la princesa Margarita y esta vez es candidata por su trabajo en la cinta “Fragmentos de una mujer”.

Pero déjenme comentarles queridos lectores, que más allá de lo interesantes que pueden resultar estas nominaciones en el que quizá fue el peor año para el cine, este también podría ser el año en que otra mujer se corone con las estatuillas más codiciadas, incluyendo la de Mejor Directora y estoy hablando de Chloé Zhao, una cineasta, productora y guionista estadounidense de origen chino que tiene, este año, grandes probabilidades de convertirse en la segunda mujer en los premios de la Academia, en llevarse el Oscar por su trabajo en la cinta “Nomadland” que cuenta con seis nominaciones en total y que aún no se estrena en nuestro país y que lo más seguro es que llegue directo a plataformas digitales. 

Zhao es alguien que en el año de la pandemia, refrendó que su juventud no es sinónimo de inexperiencia en el séptimo arte, al contrario, es quizá su arma más fuerte dentro de la industria, pues su innovadora técnica y sus guiones que están llenos de realismo, pueden ser la diferencia entre el premio que pretende llevarse el veterano David Fincher o ella. Y es que su cinta “Nomadland, fue presentada el pasado septiembre en el Festival Internacional de Cine de Venecia y donde se alzó con el prestigiado “León de Oro” a la Mejor Película. “Nomadland” también se coronó con el Globo de Oro en la entrega pasada, como Mejor Película Dramática y Zhao, como Mejor Directora. 

La cinta “Nomadland” está protagonizada por Frances McDormand, una actriz de método que ya ha ganado la estatuilla en dos ocasiones: por “Fargo” en 1998 y en 2018 por “Tres anuncios por un crimen” y quien este año, vuelve a ser la gran favorita para alzarse con esa estatuilla, pues los especialistas han catalogado su actuación de sorprendente y magistral como Fern, una mujer nómada que tras perderlo todo en un fracaso amoroso, decide vivir viajando en un auto caravana. 

El punto de elogios de los críticos hacia “Nomadland” es justamente la técnica de dirección de la cineasta, que sorprendió por su originalidad; otro elemento fue el guion que también está escrito por ella y mencionan con grandilocuencia el trabajo histriónico de McDormand que pese a los años de carrera, sigue sorprendiendo con cada una de sus interpretaciones. Las páginas especializadas en crítica de cine, Rotten Tomatoes la ha calificado con un 94% de aprobación, mientras que en MetaCritic la posicionan con un 93% de comentarios positivos. 

El próximo domingo 25 de abril, sabremos qué película y qué histriones se alzan con la estatuilla, sin embargo, varios portales especializados han catalogado ya a “Nomadland” como la gran favorita la noche de la entrega del Oscar. Si Chloé Zhao se alza con la estatuilla a Mejor Directora sería la segunda vez, (sí, apenas la segunda vez) en 93 años que ese reconocimiento sea para una mujer, mientras que si McDormand vuelve a ser la ganadora de la presea a Mejor Actriz esa noche, se colocaría a la par de Meryl Streep en el número de estatuillas ganadas, pero la superaría pues una de Streep es a Mejor Actriz de Reparto. Esos comentarios han colocado a esta cinta, como la gran favorita para ganar los galardones más importantes en la noche más importante del cine. 

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Cinco estupendas películas que dirigieron mujeres


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Esta semana, seguimos rindiendo homenaje a las mujeres por la conmemoración de su día y por enaltecer su lucha por la igualdad de derechos y respeto. La dirección de películas ha sido una profesión que ha sido asociada al sexo masculino, enumerando incluso, a los mejores de la historia siendo varones. 

Pero hoy, estimados lectores, les invito a que recordemos cinco estupendas cintas, que tuvieron a una mujer a la cabeza y que fueron éxitos de taquilla y crítica:

1.- PATTY JENKINS

Película: “Mujer maravilla” (2017)

Elenco: Gal Gadot; Chris Pine; Connie Nielsen; Robin Wright; Elena Anaya; Etta Candy y David Thewlis

Productoras: DC Films; RatPac Entertainment; Atlas Entertainment; Cruel And Unusual Films; Tencent Pictures y Wanda Pictures

Distribución: Warner Bros. 

Patty Jenkins ya había tenido un éxito cinematográfico con la película “Monster” de 2003 y con la que Charlize Theron obtuvo un Oscar a Mejor Actriz; pero fue en 2017 cuando llegó a las pantallas cinematográficas la película “Mujer maravilla”, la cual llevaba por primera vez a una heroína mujer como cabeza de elenco. A pesar de que las películas de ese universo de DC no habían sido bien recibidas, fue esta que dirigió la cineasta la que fue ovacionada tanto por la crítica como por el público, catalogándola hasta la fecha, como una de las mejores cintas de súper héroes de la historia. Además de eso, era la primera película de este género que era realizada por una cineasta y protagonizada por una mujer y ha convertido a Jenkins, en la cineasta más taquillera de la historia del cine hasta el momento. Después del estreno y aclamación mundial de “Mujer maravilla”, se anunció la salida de Zack Snyder de la dirección de “Liga de la justicia” y la gente, antes de que se anunciara que sería Joss Whedon quien lo sustituiría, pidió vía redes sociales que fuera la directora quien tomara las riendas de ese proyecto, del que hoy, se ha estado hablando más que nunca. 

2.- AVA DUVERNAY

Película: “Selma: el poder de un sueño” (2014)

Elenco: David Oyelowo; Carmen Ejogo; Tim Roth; Lorraine Toussaint; Common; Giovanni Ribisi y Oprah Winfrey

Productoras: Cloud Eight Films; Celador Films; Harpo Films; Pathé y Plan B Entertainment

Distribución: Zima Entertainment

La marcha por el derecho al voto de la población afroamericana, tuvo una película esenada en 2014, magistralmente dirigida además por Ava DuVernay y que estuvo nominada al Oscar a Mejor Película, siendo esta la primera vez, que una cinta dirigida por una mujer afroamericana era tomada en cuenta. Sin embargo, la polémica no se hizo esperar pues la cineasta no obtuvo el reconocimiento ni siquiera de la nominación al Premio de la Academia a Mejor Directora. Sin embargo, se alzó con la estatuilla a Mejor Canción, que fue interpretada y escrita por Common y John Legend, haciendo, además, uno de los momentos más emotivos de la entrega de premios. “Selma: el poder de un sueño”, es una cinta emotiva, grandiosamente dirigida y con una técnica sorprendente. Sin temor a equivocarme, es una película que se ha convertido en una de las más poderosas en la historia del cine. 

3.- KATHRYN BIGELOW

Película: “Zona de miedo” (2008)

Elenco: Jeremy Renner; Anthony Mackie; Brian Geraghty; Ralph Fiennes y David Morse

Productoras: Voltage Pictures; Grosvenor Park Media; Film Capital Europe Funds; First Light Production; Kingsgate Films y Summit Entertainment

Distribución: Summit Entertainment

Ganadora de todos los premios prestigiosos del cine, incluyendo el Oscar en las categorías de “Mejor Película” y “Mejor Director”, “Zona de miedo” ha sido la cinta dirigida por una cineasta, más galardonada de la historia. Con un guion trepidante y actuaciones asombrosas, trabajo que le valió la nominación al Premio de la Academia a Jeremy Renner como Mejor Actor, esta es una cinta bélica de las más aclamadas de los últimos años. Bigelow compitió con su ex marido, James Cameron ese año, por las mismas estatuillas, él compitiendo con la cinta “Ávatar”, sin embargo, la cineasta se las embolsó sin ningún problema. Pese a las polémicas por las inexactitudes relatadas en cuanto a la guerra de Irak y lo que provocó su productor en 2010, donde se dieron a conocer audios y mensajes de texto que pedían boicotear a “Ávatar”, no podemos negar que estamos ante una película bélica muy respetable. 

4.- ÀGNES VARDA

Película “Cleo de 5 a 7” (1961)

Elenco: Corinne Marchand; Antoine Bourseiller; Dominique Davray; Dorothée Blank; Michel Legrand y José Luis de Vilallonga

Productores: Carlo Ponti y Georges de Beauregard

Distribución: Netflix Europa

Una película de culto, dirigida por una cineasta de culto. La llamada “abuela de la nueva ola del cine francés” nos ha dejado como legado una de las películas más aclamadas de todos los tiempos. Y es que “Cleo de 5 a 7” ha sido a lo largo de la historia, una película que ha enamorado por su historia y por su maestría en su narrativa y forma de ser filmada. La historia que retrata un encuentro amoroso que representa el amor a la vida, el miedo a la muerte y la soberbia es una cinta de arte que ha estremecido al mundo entero y le valió el reconocimiento a Varda, como una de las cineastas indispensables en el séptimo arte. Sin duda, una cinta imperdible para todos. 

5.- SOFIA COPPOLA

Película: “Perdidos en Tokio” (2003)

Elenco: Bill Murray y Scarlett Johansson

Productoras: American Zoetrope y Tohokushinsha Film

Distribución: Focus Features

Trabajar con Bill Murray es una verdadera pesadilla. Y cuando se trabaja con él, tiene que dirigirlo un cineasta no solo creativo, sino que tenga un temperamento igual de fuerte que el de él. Y eso lo ha logrado Sofia Coppola, quien no solo pudo dominar a Murray, sino sacarle una de sus mejores actuaciones en su carrera; asimismo, poder retratar a Johansson en su ángulo más sensual. Coppola fue nominada al Oscar en diversas categorías, incluyendo la de “Mejor Director” y “Mejor Película”, sin embargo, solo se alzó con la estatuilla a “Mejor guion original”. Sin duda, “Perdidos en Tokio”, es una película grandiosamente retratada, sino que enmarca la soledad de dos personajes que se encuentran y descubren la grandeza de la compañía de alguien. Imperdible. 

Estas han sido solo algunas de las cintas que cineastas mujeres, han llevado hacia lo más alto. Y por supuesto, que espero propuestas para una segunda entrega. 

Mi Twitter: @iorcuevas