Navidad con música (II)


Ismael Ortiz Romero Cuevas

El amor debe ser uno de los motores en estas festividades. Y por más que tengamos ganas de abrazar a los seres queridos, es mejor celebrar con quienes convivimos de manera cotidiana; si nos cuidamos, más pronto que temprano podremos estrechar a las personas que nos importan; por amor a ellos, es mejor que este 2020, celebremos en casa y aquí van otras tres propuestas de música para no pasar desapercibidas estas fechas: 

4.- “El niño del tambor”

Artista: Arianna

Compositores: Harry Simione; Henry Honorati y Katherine David

Álbum: Eterna Navidad (1986)

Discográfica: EMI Capitol México

Estamos ante un disco histórico en español, no solo porque fue el primero que adaptó al pop villancicos en la lengua de Cervantes, sino porque parece ser que fue el único de esa década que se grabó en nuestro idioma. Artistas del otrora gigante discográfico EMI en su división mexicana, hicieron gala de su talento cantando temas como “Campana sobre campana”; “Gingle Bells” o “Blanca Navidad” con arreglos modernos, además del tema ya clásico “Ven a cantar”. El talento reunido en este material eran artistas jóvenes en aquellos años, pero que ya representaban un éxito comercial en la música, así Mijares, Pandora, Yuri, Tatiana, Denise De Kalafe, Óscar Athie, Tatiana, Daniela Romo y Hernaldo Zuñiga aparecían cantando un villancico para este álbum y juntos se hicieron llamar La Hermandad. Fue tal el éxito de “Eterna Navidad” en todo el mercado de habla hispana que, al año siguiente, es decir, en 1987 tuvo una segunda edición y ahí, se incluyó el tema que les propongo hoy, la versión de “El niño del tambor” que interpretó una de las más grandes cantantes que ha tenido este país: Arianna. Esta adaptación con arreglos de marcha representa una de las versiones más sobrias y elegantes de este tema emblemático y se le atribuye a Arianna, una de las mejores ejecuciones en español para este tema. Desde hace más de treinta años, esta versión de “El niño del tambor” ha estado presente en esta época en todo el mercado en español. 

5.- “El burrito de Belén” (Burrito sabanero)

Artista: Juanes

Compositor: Hugo César Blanco Manzo

Álbum: Súper estrellas en Navidad Pop (2006)

Discográfica: Universal Music

Pocos saben que esta canción, llamada “El burrito de Belén” y que conocemos mejor como “El burrito sabanero” es una canción de origen venezolano que escribió el compositor César Blanco a finales de los años sesenta y que se estrenó en 1972, siendo conocida en prácticamente todo el continente y ha sido versionada por grandes artistas como La Sonora Santanera; Adrienne Houghton; Aloe Blacc y otros tantos, además de que ha sido traducida a varios idiomas y en inglés es acreditada como “My Little Donkey”. Pero esta vez, les propongo esta versión festiva y un tanto alternativa que fue el primer ‘single’ del disco “Súper Estrellas en Navidad Pop”, que interpreta el colombiano Juanes y que alcanzó gran éxito en listas latinas en su año de publicación. Y es que no han celebración navideña sin que el burrito sabanero aparezca para alegrarnos. 

6.- “Amigos del mundo” (Happy Christmas)

Artistas: Ricky Martin; Tatiana y Pedro Fernández

Compositor: John Lennon; Versión en español: Pedro Alberto Cárdenas

Álbum: Feliz Navidad les desean… (1992)

Discográfica: Columbia 

No me van a dejar mentir que no hay nada más noventero que este recopilatorio que contaba con el elenco, entonces juvenil, de Sony Music y en específico de su sello Columbia en su filial latina. Magneto; Sasha; Ana Gabriel; Zarabanda; Angélica Vale; Alejandro Ibarra y otros tantos, hacían sus versiones de villancicos en versiones modernas de los noventas, pero llama la atención el primer single del disco: “Amigos del mundo”, la versión en español del icónico tema “Happy Xmas (War Is Over)” del gran John Lennon y que fue interpretado por Ricky Martin, antes de ser una súper estrella de talla mundial; Tatiana, antes de ser la reina de los niños y por Pedro Fernández, quien hacía pocos años había dejado de ser “Pedrito”. La versión fue criticada por los fieles seguidores de Lennon, sin embargo, esta adaptación ha pasado a la posteridad porque, aunque es un tema pop, contiene arreglos y armonías que son de gran calidad y que permiten ver que lo comercial en los noventa, realmente tenía valor artístico. Un gran tema. 

El siguiente martes, les espero en este mismo espacio, con otros tres enormes temas para conmemorar estas fiestas. Mi Twitter: @iorcuevas.

Navidad con música (I)


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Esta Navidad 2020, creo que será una de las más difíciles que vamos a vivir. Muchas lecciones han sido aprendidas, muchas familias tuvieron pérdidas en todo sentido, hemos asimilado que no hay tesoro más grande que la salud, apreciamos mucho más a la familia cuando muchos de nosotros hemos pasado meses sin verlos, extrañamos a los amigos más que nunca, valoramos nuestro trabajo y muchos hemos entendido que la vida es un regalo de todos los días. La Navidad es una época que nos pone reflexivos en muchos sentidos y sí, debemos ser conscientes que este año, este festejo tendrá un sabor un tanto diferente. 

Sin embargo, para que nuestros pensamientos no sean del todo abrumadores, a partir de hoy y hasta el jueves 24, les quiero proponer música navideña de grandes artistas que no solo nos pondrán de buenas, sino que nos recordarán, porqué estas fechas son especiales en todo sentido. Así que comienzo el conteo: 

1.- “Winter Wonderland”

Artista: Jason Mraz

Compositores: Felix Bernard y Richard B. Smith

Álbum: A Very Special Christmas 7 (2009)

Discográfica: A&M Records

La séptima edición de estos recopilatorios navideños que sacaba el sello A&M de Universal Music, contenía villancicos y canciones tradicionales de la época interpretados por cantantes actuales. Estos álbumes eran famosos porque en ellos participaron los artistas emblemáticos de esa casa disquera: U2; Bon Jovi; Madonna; The Smashing Pumpkins o Bruce Springsteen entre algunas otras grandes estrellas. Estos álbumes entregaban sus ganancias completas al patrocinio de las Olimpiadas Especiales, hasta el 2013, año en que salió al mercado la última edición de “A Very Special Christmas”. La edición número siete de ese recopilatorio, contó con la participación de artistas como Carrie Underwood; Miley Cyrus y Sean Kingston entre algunos otros con géneros que van desde el pop, el reggae y el rock. Esa versión incluyó un ‘bonus track’ que resultó una verdadera joya, la versión de “Winter Wonderland” interpretada por Jason Mraz y que ha resultado una de las más famosas y mejor logradas de esta colección de álbumes. Escúchenla y díganme si no es una verdadera joya. 

2.- “I Saw Mommy Kissing Santa Claus”

Artista: The Jackson Five

Compositor: Tommy Connor 

Álbum: Jackson Five Christmas Álbum (1970)

Discográfica: Motown Records 

Es cierto, esta canción puede tener un mensaje entre líneas un tanto perturbador, pero prefiero quedarme con el homenaje a la inocencia que representa, pues el tema, narra como un chico baja las escaleras de su casa para ver llegar a Santa Claus dejarle sus regalos, cuando observa a su madre en plenos arrumacos con el personaje, a lo que el chico asevera que la acusará con su padre de serle infiel con el hombre de rojo. Este disco hace poco cumplió 50 años de haber salido al mercado y en su tiempo, fue uno de los más exitosos de la temporada navideña, vendiendo más de tres millones de copias y estando por cuatro semanas en el puesto uno de Billboard. La versión de “Santa Claus Is Coming To Town” que se incluye en este disco es una de las más escuchadas aún en esta época y no digamos de “I Saw Mommy Kissing Santa Claus”, que es todo un clásico navideño desde hace muchos años. Disfrutemos de este gran tema con el pequeño Michael Jackson en la voz principal y donde, además, ya hacía gala de todo su talento. 

3.- “Santa Baby”

Artista: Eartha Kitt

Compositores: Philip Springer y Joan Javits

Álbum: Lado B del sencillo “Under The Bridges Of Paris” (1953)

Discográfica: RCA

Un indiscutible clásico navideño compuesto por el también formidable Philip Springer e interpretado por la no menos legendaria Eartha Kitt. “Santa Baby” lo han versionado artistas de la talla de Madonna; Michael Bublé; Robbie Williams y Taylor Swift entre algunas otras estrellas, sin embargo, esta canción fue muy polémica en su momento. En el año de su publicación, muchos críticos especializados tacharon a “Santa Baby” de ser un tema frívolo, sin contenido y extremadamente materialista, además, de exaltar la sexualidad y la sensualidad femenina en la temporada navideña y eso, era escandaloso; juzguemos por la época de su publicación, pero no podría no ser un tema sexy si era Eartha Kitt quien lo interpretaba. Asimismo, Philip Springer se avergonzaba de su creación al argumentar que líricamente era un tema muy débil. Sin embargo, y pese a la censura que fue objeto en el sur de los Estados Unidos donde la gente suele ser más conservadora, fue un tema tremendamente exitoso y que, al paso de los años, se ha convertido en todo un icono de estas fiestas. Antes de ser la segunda Gatúbela en la afamada serie de “Batman” de los sesenta, Eartha Kitt ya era excelsa y “Santa Baby”, es uno de esos motivos. 

El próximo jueves, más temas navideños para pasar esta Navidad, lo mejor que se pueda. Mi Twitter: @iorcuevas.

Tina Turner en datos


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Hoy 26 de noviembre, llega a los 81 años la gran Tina Turner, una de las mujeres históricas en la música y que ha sido inspiración de innumerables cantantes, músicos y artistas, quienes la han reconocido como una auténtica influencia. Su vida, también es una de las más intensas de que se tenga memoria, siendo objeto no solo de gran éxito y reconocimiento, sino de tragedias y violencia a tal grado, que la llevaron a pensar en el suicidio. 

La música global, no sería lo mismo sin la gran Tina, quien por 50 años, se mantuvo vigente en la industria de la música y hoy queridos lectores, les invito a que recordemos algunos datos interesantes y que la hacen, una mujer tremendamente influyente musicalmente hablando: 

1.- DEBUT EN LA MÚSICA: La primera grabación de Tina data de 1959, año en el que realizó un demo con el nombre de Little Ann con el que no sucedió nada. Es en 1960 cuando se tiene la primera grabación profesional de ella, ya como integrante del dúo Ike & Tina Turner. 

2.- EL RÉCORD GUINESS: En 1988, Tina Turner se presentó en el estadio “Maracaná” de Río de Janeiro cuando este recinto deportivo era el más grande del mundo. En ese concierto, entraron 188 mil personas, siendo el recital más grande de que se tenga memoria. Hasta la fecha, Tina sigue siendo dueña de ese impresionante récord. 

3.- NACIONALIDAD SUIZA: Tina renunció a su nacionalidad estadounidense en 2013 y adoptó la suiza donde ya moraba desde hacía varios años y a pesar de ser ampliamente reconocida en los Estados Unidos. Esa decisión tomó por sorpresa a las autoridades en la Casa Blanca pero los argumentos de la cantante fueron contundentes: no tenía más vínculos que las tragedias familiares en ese país y no pensaba volver a residir ahí. Desde entonces, radica en Ginebra, la capital de Suiza. 

4.- LAS PIERNAS MÁS BELLAS DEL MUNDO: En la década de los ochenta, se le reconoció a Tina no nada más por su talento, sino por poseer un hermoso par de piernas, por ello, muchos medios le pusieron el título de “La mujer con las piernas más bellas del mundo”; incluso hubo una compañía aseguradora que le patrocinó una póliza por cien millones de dólares para sus hermosas extremidades. 

5.- TRES AMORES: A Tina se le han conocido dos parejas sentimentales, quienes también pertenecieron al medio artístico y a la vida pública. Ike Turner fue su primer esposo y con quien vivió los episodios más violentos de su vida en pareja; se casaron en 1962 y se divorciaron en 1978. Su segunda relación inicia en 1986 y es la pareja con quien vive hasta ahora: Erwin Bach. Sin embargo, pocos saben que antes de ser famosa se encuentra con un hombre que le partió el corazón: Harry Taylor, con quien inició un noviazgo cuando estudiaban la preparatoria y sorpresivamente, Tina se enteró que se había casado con otra. 

6.- UNA GRAN TRAGEDIA: Tina procreó a dos hijos en su matrimonio con Ike: Raymond y Ronald. Sin embargo, en el verano de 2017, Raymond con 59 años decidió quitarse la vida y eso, destrozó el corazón de Tina. Meses más tarde, Turner concedió una entrevista donde manifestaba que aún le costaba trabajo creer que su hijo hubiera tomado tal decisión. 

7.- IDEA DE SUICIDIO: Su matrimonio con Ike Turner fue un verdadero calvario. Él le propinaba tremendas palizas que la llevaron varias ocasiones al hospital donde incluso, tuvieron que reconstruirle la nariz, pues Ike se la había destrozado de un golpe; asimismo, tuvo que vivir la humillación de ver embarazada de su esposo a una de sus mejores amigas al mismo tiempo en el que ella esperaba a su tercer hijo, por tanto, decidió abortar ese producto. En ese momento, ella pensó en acabar con su vida, afortunadamente sin éxito. 

8.- TINA EN EL CINE: Ella ha incursionado también como actriz, participando en tres documentales para la televisión y formó parte del reparto de ocho películas en la meca del cine, siendo quizá sus papeles más memorables en “Tommy” de 1975 y en “Mad Max: Más allá de la cúpula del trueno” en 1985. 

9.- DOS GRANDES CANCIONES PARA EL CINE: Tina Turner dentro de su inmenso catálogo musical posee dos de las canciones más icónicas del cine y que han enmarcado dos históricas cintas. La canción “We Don’t Need Another Hero” para la cinta “Mad Max: Más allá de la cúpula del trueno” de 1985 y que es una de las piezas más reconocidas de Turner, asimismo, la canción “Goldeneye” para la cinta del 007 en 1995 y que se considera el mejor tema para estas historias; sí, muy a pesar de Adele. 

10.- EN NÚMEROS: A su retiro, Tina había tenido 50 años de carrera ininterrumpida; había grabado 22 álbumes: 12 de estudio, tres en vivo y siete recopilatorios; ha ganado ocho premios Grammy a lo largo de su carrera y ha estado nominada en 21 ocasiones; realizó nueve giras mundiales promocionales y vendió 200 millones de discos en el mundo. ¡Nada más!

11.- RETIRO: Se retira de manera definitiva en 2009, cuando cumplió 70 años como la indiscutible reina del rock. En 2000, había hecho un intento, pero regresó al año siguiente. Su ultima presentación fue cuando ella tenía 69 años en el Sheffield Arena de Inglaterra. 

Icono del empoderamiento femenino y de la resiliencia, no podemos dejar de celebrar a una de las mujeres que han marcado pauta en la industria de la música a lo largo de su historia. Es la gran artista, la ‘showgirl’, la actriz, la bailarina y coreógrafa, la inigualable. Es la gran ¡Tina Turner! Mi Twitter: @iorcuevas. 

Cinco grandiosos ‘one hit wonder’ en español


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Hay cantantes que llegaron para tener un solo éxito y desaparecer. A veces, por más que hicieron malabares para poder superar el gran éxito de un tema no pudieron hacerlo y sus carreras son plenamente identificadas por esa única canción. No quiero decir que esos cantantes sean malos, sin embargo, las canciones que presentaron como sus únicos éxitos son de verdad fabulosas. Así que hoy, vamos a recordar cinco grandiosas canciones, que han sido el notable hit de quien las interpreta: 

1.- “Mi historia entre tus dedos” 

Artista y compositor: Gianluca Grignani

Álbum: Destino paraíso (1995)

Productores: Massimo Luca y Vicenzo Tempera

Discográfica: PolyGram 

A mediados de los años noventa, este cantautor italiano fue la sensación en su país natal y en América Latina, donde su compañía disquera PolyGram (hoy Universal Music), planeaba colocarlo como el gran ídolo adolescente de la época. Gianluca lo tenía todo, un ‘look’ de rebelde romántico, mucho talento y había triunfado en el festival de San Remo un año antes. El problema fue que “Mi historia entre tus dedos” fue un tema tan bueno que opacó todo su disco debut, pues según la prensa especializada, los once temas restantes parecían solamente relleno al compararlos con su más grande hit. “Mi historia entre tus dedos” se colocó en los primeros lugares de las listas de popularidad de casi todo el continente, sin embargo, ni la disquera ni Gianluca pudieron superarlo y el segundo sencillo del disco, el tema “Destino paraíso” no logró nunca despuntar. Y aunque en Italia, Gianluca Grignani sigue siendo un respetado cantautor, a nivel internacional no volvió a colocar nunca más una canción; eso sí, nos dejó un ‘track’ que se considera un verdadero clásico de la música.

2.- “A puro dolor”

Artista: Son By Four

Compositor: Omar Alfanno

Álbum: Son By 4 (2000)

Productores: Omar Alfanno; Sergio George; Alejandro Jaén; Byron y DJ Lucho

Discográfica: Sony Music Latin

A inicios del milenio, este tema fue la locura. No había lugar donde no se escuchara en su versión de balada o de salsa. “A puro dolor” fue la pieza estelar del segundo trabajo de la agrupación puertorriqueña que se había dado a conocer dos años antes con un disco medianamente exitoso, pero fue este ‘track’ y gracias a que firmaron con Sony Music, que los llevó a tener un reconocimiento inusitado en prácticamente todo el continente y parte de Europa. Son By Four obtuvo un premio Grammy además por esta canción y para 2002, nada se sabía de la agrupación que no volvió a colocar ni un tema en el plano musical. Aún así, “A puro dolor” es uno de los temas en español más escuchado en plataformas digitales y es tremendamente popular. 

3.- “Endúlzame los oídos” 

Artista: Patricia Sosa

Compositores: Juan Foncada; Oscar Mediavilla y Patricia Sosa

Álbum: Luz de mi vida (1992)

Productora: Patricia Sosa

Discográfica: EMI Odeón

Patricia Sosa es una leyenda en Argentina, donde hasta hoy en día es una cantante, actriz y escritora con mucho reconocimiento y querida por el público. Su carrera en su país natal inició desde los años ochenta, cuando fue la cantante líder de la banda de hard rock y heavy metal Viajeros del Universo. Iniciando los años noventa y al disolverse el grupo, Patricia inicia una carrera solista y el público, vuelve a aceptarla inmediatamente y en 1992, su disquera planeó la internacionalización de Sosa. Así, llegó a México con su segundo material en su catálogo y el primero internacional llamado “Luz de mi vida”. De él se desprendieron dos ‘singles’: “El mar más grande que hay” que logró posicionarse con buena aceptación en México y en el continente, pero sería el segundo corte, “Endúlzame los oídos”, el que llevaría a Patricia Sosa a liderar las listas en español en América. Terminando la promoción de “Luz de mi vida”, Patricia no regresó ni a México ni a Estados Unidos y no volvió a colocar un solo tema en las listas internacionales, pero nos dejó una de las baladas más bellas en español de que se tenga memoria. 

4.- “Cuando mueres por alguien”

Artista: Erick Rubín

Compositores: Phillip Kuys; Kaal y Erick Rubín

Álbum: La casa del amor (1993)

Productor: Kaal

Discográfica: Melody

Es increíble que el mexicano Erick Rubín no haya tenido más éxitos del tamaño de este. Sabemos que es un gran cantante, bailarín, actor, compositor y productor musical, además de tener una voz prodigiosa. En la actualidad es una de las figuras más respetadas del teatro musical en español y tiene una carrera prácticamente impecable, sin embargo, a nivel discográfico no ha podido volver a colocarse como merece. En 1993 y a pocos años de haber dejado el grupo Timbiriche, la compañía disquera Melody, que en ese entonces era propiedad de Televisa, lo lanza como solista con un disco estupendo del género rock pop. De ese material se desprendió la balada rock “Cuando mueres por alguien”, la cual estuvo por más de seis meses (sí, ¡seis meses!) en el top cinco de los ‘charts’ latinos no solo de México, sino de todo el continente, además, alcanzando rápidamente el platino por las altas ventas. Después de eso, Rubín volvió a grabar algunos discos más con una calidad indiscutible, sin embargo, el éxito arrollador que tuvo con este ‘track’, no volvió a llegar; por ello, hoy en día se enfoca más en su carrera teatral ya que incluso está ‘rankeado’ en el top 10 de actores a nivel mundial, que mejor interpretan a Judas Iscariote en la puesta musical “Jesucristo superestrella”, clásico de Andrew Lloyd Webber. 

5.- “La Lola”

Artista: Café Quijano

Compositor: Manuel Quijano

Álbum: La extraordinaria paradoja del sonido Quijano (1999)

Productores: Lulo Pérez y Juan Carlos Calderón

Discográfica: Warner Music

Esta agrupación española formada por tres hermanos tuvo un éxito grandioso a nivel internacional con este tema, el cual fue número uno en más de 30 países. Café Quijano recorrió casi todo el continente americano gracias al gran éxito de este tema que también les representó ventas de más de medio millón de copias solamente en América; asimismo, la garantía de que contaban con la colaboración en su disco del prestigiado Juan Carlos Calderón les abrió las puertas a muchos escenarios del mercado latino en los Estados Unidos. Café Quijano sigue teniendo una carrera muy sólida y reconocida en su natal España, sin embargo, en nuestro continente nunca volvieron a tener un éxito como el que les representó “La Lola”. 

Artistas y grupos que una sola canción les representa el reconocimiento y la identificación del público incluso a nivel internacional, pues además estos éxitos únicos, son temas con mucha calidad en su producción. Mi Twitter: @iorcuevas.

Led Zeppelin y su obra maestra


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Hace unos días, leía en la página de una estación de radio de la Ciudad de México que se cumplían 49 años de que el disco “Led Zeppelin IV” de la legendaria banda británica, obtenía disco de oro por sus altas ventas a tan solo nueve días de haber salido a la venta. Entre otros temas, este álbum es el que contiene grandes éxitos del ‘hard rock’ como “Black Dog”; “Misty Mountain Hop” y “Four Sticks”, pero sobre todo, la que es considerada la mejor canción de rock de todos los tiempos y de manera personal, creo que una de las mejores canciones en general de la historia de la música: “Stairway To Heaven”. 

El disco lleva por nombre únicamente IV, para seguir la secuencia de los álbumes de la banda, pero los fanáticos lo llaman cariñosamente “Zoso”, “Runes”, “Four Runes”, e incluso, el disco sin título. Esos sobrenombres, tienen qué ver con los símbolos que se presentan en la portada, y que fue elegido (o creado en el caso de Jimmy Page) por a cada uno de los integrantes: El famoso “Zoso” fue creado por Jimmy Page y se desconoce hasta la fecha su significado porque Page no lo ha revelado, pero se dice que es algo que seguramente está relacionado con el ocultismo pues también es ampliamente sabido que el músico es admirador de Alester Crowley, un esotérico y ocultista británico; el símbolo de John Paul Jones representa el cuerpo, la mente y el alma y actualmente lo vimos como el emblema estelar en la serie “Dark” de Netflix; el de John Boham es la trinidad y el de Robert Plant es la pluma que representa al dios egipcio de la justicia, Ma’at. 

La portada es otro elemento tremendamente interesante en este disco de Led Zeppelin. La imagen del leñador se dice, fue conseguida por Robert Plant en una tienda de antigüedades y tanto a él como a Jimmy Page les pareció muy interesante; sin embargo, también esa tapa tiene muchos simbolismos. La imagen es una sola dividida en dos por la portada y la contraportada del material. En la portada aparece la imagen del leñador en una pared de una casa destruida, Plant ha dicho que ese hombre representa al Ermitaño del tarot, el cual alude a la autosuficiencia y a la sabiduría; lo derruido y el resurgimiento de todo también se encuentran representados en ese frente, pues detrás de esa pared donde se encuentra el leñador (la contraportada) se puede observar una ciudad moderna y nueva en contraste con la imagen principal. Un detalle al que se le debe prestar atención, pues no está a simple vista, es que en una pared de esa ciudad moderna, se puede leer la frase “Alguien muere de hambre cada día” y también se puede leer la letra de la legendaria “Stairway To Heaven”. 

Toda la historia de este material es una leyenda por sí sola, pero no todo fue grandioso desde el principio. Realmente, para “IV” no se tenían las mejores expectativas. El anterior disco de Led Zeppelin había recibido en 1970, críticas durísimas por no cumplir las esperanzas tanto del público como de la crítica que insistían en sonidos más intensos como el de la canción “Whole Lotta Love”, que había sido el único single de su segundo disco; en cambio en el “III”, recurrían más a las bases del folk en vez del blues progresivo que le había dado esa personalidad única al grupo; por ello, “Led Zeppelin III” tuvo una pobre acogida tanto en listas como en ventas, pues a la gente simplemente no le gustó. Esto hizo que Jimmy Page cayera en una especie de bache creativo y depresión, pues él consideraba que ese había sido su mejor trabajo hasta el momento. Robret Plant por su parte, se sentía responsable de ese fracaso, pues él había sugerido ese cambio de sonido, lo que derivó en esa confusión por parte del público; incluso, la prensa británica comenzaba a hablar de una inminente separación de la banda. 

Con todo ese desasosiego, se reunieron sin mucho ánimo para crear el que es considerado su obra cumbre y uno de los mejores discos de todos los tiempos: “Led Zeppelin IV”. Se reunieron entonces en el estudio de grabación montado en Headley Grange, un hermoso  y elegante edificio antiguo construido en el siglo XVIII y que había sido orfanato y hospicio ubicado en el este de Hampshire, en medio del bosque. El inmueble tenía una atmósfera de paz y tranquilidad en abundancia, por lo que no les ha de haber costado mucho trabajo inspirarse. Ahí fue escrita la legendaria “Stairway To Heaven”. Y no sabemos si fue esa atmósfera, la crisis creativa que les sirvió como área de oportunidad o la frustración de ser señalados solo como músicos famosos, pero no talentosos en su anterior trabajo, lo que les hizo tener esa explosión de creatividad e inspiración para erigir este disco. 

“Led Zeppelin IV” conquistó a su público desde su presentación y a los nueve días de estar en el mercado, se convirtió en disco de oro, vendiendo en su año de publicación más de quince millones de unidades y colocó a Led Zeppelin como una de las bandas más influyentes de la década; a la fecha, se estima que este disco ha vendido aproximadamente 30 millones copias y es reconocido como una de las obras musicales más importantes de todos los tiempos, incluso, la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto número 66 de su lista de “Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos”.  

Hablar de Led Zeppelin es mencionar no nada más un trozo de historia de la música, es celebrar un contexto y una ideología; es reconocer su influencia y su aporte a todos los géneros musicales, pues no puede haber un músico o cantante, que aunque sea indirectamente, no tenga qué ver con las innovaciones que esta agrupación estableció, subiéndonos a su escalera hacia el paraíso, aún después de casi medio siglo. Mi Twitter: @iorcuevas. 

Diana Krall: improvisando en el jazz, pero con escuela


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ayer lunes 16 de noviembre celebró su aniversario número 56, la cantante y pianista Diana Krall, quien ha puesto al jazz de nueva cuenta en la escena musical del mundo. Nacida en Nanaimo, Canadá, Krall proviene además de una familia enteramente musical pues su abuela era cantante de jazz y sus padres, pianistas, así, ella aprendió a cantar y a ejecutar ese ritmo, desde los cuatro años. Diana reconoce a Fats Waller como su primera influencia, antes de que descubriera a Roberta Flack y a Nina Simone, con quienes se identificaba en la actuación con el piano y justamente por ellas, se interesó también en incursionar como cantante. 

Como todos sabemos el jazz se improvisa, sin embargo, Diana Krall es una artista que no solo puede hacerlo de manera magistral, sino que ha estudiado para hacerlo, consagrándose además como una ‘músico’ profesional. A los quince años, cuando ella y su familia ya vivían en Vancouver, se unió a la banda de jazz de su escuela y pronto, siendo muy joven aún ya era una artista frecuente en los bares del círculo ‘jazzístico’ de aquella ciudad. A los 17 años, y gracias al Festival de Jazz efectuado en Vancouver, gana una beca para estudiar nada menos que el prestigioso colegio Berklee College Of Music en Boston. A su regreso a Nanaimo, a mediados de los ochenta y ya con cierto reconocimiento, es descubierta nada menos que por Ray Brown, ex marido de Ella Fitzgerald y contrabajista de su banda; esa relación profesional duró hasta el 2004, cuando Brown fallece. 

Tras su acuerdo, Brown funge como su ‘manager’ quien, al ver su potencial, la convence de irse a vivir a Los Ángeles, sin embargo, Diana consigue una beca para continuar estudiando música y lo hace bajo la tutela de Jimmy Rowles, nada menos que el director de la legendaria sala de conciertos Hollywood Bowl. En esa estadía, trabajando y estudiando, conoce a notables profesores y músicos, quienes pulen su talento y la llevan a ser quien es hoy en día: la cantante de jazz más famosa y con más ventas de los últimos 30 años. Aquí una prueba del gran talento de Diana Krall: 

1.- “Temptetion”

Compositor: Tom Waits

Álbum: The Girl In The Other Room (2004)

Productores: Diana Krall y Tommy LiPuma

Discográfica: The Verve Records

Este tema, fue el primer single del octavo álbum de estudio de Diana, donde además, participa por primera vez en las composiciones de algunas piezas al lado de su marido, el también músico y cantante Elvis Costello. Este material representó un éxito en ventas para Diana, quien a principios del milenio, ya gozaba de gran popularidad no solo en el sector de los amantes del jazz, sino de un gran número de seguidores. 

2.- “42nd Street”

Compositores: Al Dubin y Harry Warren 

Álbum: Stepping Out (1992)

Productor: Jim West

Discográfica: Justin Time Records

Este fue el álbum debut de Diana Krall y tuvo una distribución únicamente en Canadá, en donde logró gran aceptación y que hoy gracias a plataformas como Spotify, iTunes y YouTube lo podemos disfrutar en el mundo entero. Como parte del ‘tracklist’ de este disco, se incluye una versión instrumental del tema principal de la película “La calle 42”, musical asociado al tiempo de la gran depresión en los Estados Unidos, donde Diana demuestra su talento en la ejecución del piano, pero además, cuenta con arreglos estupendos sin olvidar la parte de la improvisación propia del género. Un tema que creo yo, es una joya en el catálogo de la canadiense. 

3.- “Fly Me To The Moon”

Compositor: Bart Howard

Álbum: Live In Paris (2002)

Productor: Tommy LiPuma

Discográfica: The Verve Records

El primer disco que Diana Krall editó en vivo es este, que contiene algunos temas de un concierto que ofreció en el legendario teatro Olympia en la capital francesa en 2001. Irónicamente, para el lanzamiento de este material, se eligió como primer corte el tema “Just The Way You Are”, original de Billy Joel pero que es una grabación de estudio, y aunque tuvo buena aceptación por el gran arreglo, no dejó de ser señalado por la incongruencia de que un disco “en vivo” tuviera como presentación un tema que no estaba grabado en ese formato. Para el siguiente sencillo se tomó el tema “Fly Me To The Moon” que hiciera famoso Frank Sinatra y que sí formó parte de ese concierto. Este es uno de los materiales más apreciados de la pianista y cantante. 

4.- “So Nice”

Compositores: Marcos Valle; Paulo Sergio Kostenbader Valle

Álbum: Quiet Nights (2009)

Productores: Diana Krall y Tommy LiPuma

Discográfica: The Verve Records

Fusionando el jazz y el bossa nova, en 2009 Diana Krall presentó el disco “Quiet Nights”, que contenía algunas canciones de ese género, pero que se arreglaron al estilo y sonido característico de la canadiense, logrando convertirse en una experiencia no solo deliciosa para el oído, sino llena de elegancia y arreglos estupendos. “So Nice”, versión en inglés del afamado tema “Samba de verão”, fue uno de los cortes que promocionaron este increíble material. 

5.- “Singing In The Rain”

Compositores: Arthur Freed y Nacio Herb Brown

Álbum: This Dream Of You (2020)

Productora: Diana Krall 

Discográfica: The Verve Records

Tommy LiPuma, productor y arreglista de cabecera de Diana Krall, falleció en 2017 y como un homenaje, la disquera y ella decidieron sacar al mercado la ultima producción en la que trabajaron juntos. Así, en agosto de este año se presentó “This Dream Of You”, un álbum que contiene canciones ya conocidas y que son ajustadas al estilo sensual y suave de Krall. Este disco por cierto, ha recibido críticas mixtas, pero también esos mismos especialistas saben que el público de Diana acepta de manera entusiasta los trabajos que ha presentado, por lo que vaticinan un éxito como ha sido toda su extensa discografía. Un material que vale mucho la pena escuchar. 

Diana Krall es quizá la más grande representante del jazz de los últimos años, ha ganado tres premios Grammy y ocho premios Juno, teniendo ya, una posición respetada e indiscutible en la historia de la música. Así celebramos el cumpleaños de la gran Diana Krall, la artista que estudió para improvisar el jazz. Mi Twitter: @iorcuevas.