30 años de “Innuendo”, el testamento de Freddie Mercury


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Es de todos sabido que la banda británica “Queen” no cuenta con un álbum que se considere icónico, sino que, dentro de una discografía de trece álbumes de estudio, una banda sonora y algunos recopilatorios, se incluyeron las canciones que hicieron brillar y saltar a la fama a sus integrantes y sobre todo a su ‘frontman’, Freddie Mercury, quizá el mejor en la historia de la música. 

Sin embargo, este día les invito a que recordemos el último disco de la banda con Freddie Mercury al frente: “Innuendo”, que en español se traduce como “Insinuación” y que representa lo que puede ser una especie de despedida y caída de un verdadero ídolo de la música. “Innuendo” se presentó en Reino Unido el 04 de febrero de 1991, unos meses antes de que Mercury falleciera a causa de una bronconeumonía causada por el SIDA que padecía desde 1987, y que mantuvo en secreto por casi cuatro años. 

“Innuendo” fue grabado en un largo periodo de tiempo, pues comenzaron en marzo de 1989 y culminaron en noviembre de 1990. En ese entonces, la salud de Freddie estaba ya claramente deteriorada, sin embargo, David Richards, productor de varios trabajos de “Queen” mencionó en entrevistas que el ánimo de Freddie por este disco fue realmente bueno y que presentar un nuevo trabajo, en verdad lo animaba. Así, la atmósfera en el estudio, el legendario Mountain Studio en la capital de Suiza, se convirtió en una verdadera comunión de grupo, y calificó el trabajo de grabación como una consolidación de amistad entre sus integrantes. 

La labor en el estudio fue muy larga, justamente porque la enfermedad en Freddie ya hacía muchos estragos, debiendo detener las sesiones a veces por varios días para que el vocalista se pudiera recuperar. Brian May recuerda que en diversas ocasiones, a Mercury le costó mucho trabajo estar en las grabaciones y en los videos que se rodaron durante ese periodo, se le veía desmejorado, apagado y haciendo un esfuerzo descomunal por mantenerse de pie. Recordemos que en esos años, a Freddie ya se le había amputado un pie también por un padecimiento oportunista del SIDA. May también evoca que en los últimos detalles de “Innuendo”, el SIDA comenzaba a ser tremendamente duro con Freddie, incluso “le costaba trabajo expresar sus ideas”, recordó Brian May, es por eso que tanto él como Roger Taylor le escribieron especialmente a Freddie los temas: “The Show Must Go On” y “These Are The Days Of Our Lives” como algo que el vocalista realmente quería decir, fueron los regalos de May y Taylor a Mercury, ya que estos temas, retratan lo que al final de cuentas Freddie quería decir; que contenían las palabras con las que quería que lo recordaran. Freddie sabía que moriría y pronto. 

Brian May también comentó en varias entrevistas posteriores, que mientras grababan el disco había realmente un ambiente alegre, pues todos veían la pasión con la que Freddie hacía lo que más le gustaba. May también comenta que a veces esa dicha solo le duraba un par de horas en el día, pues se agotaba demasiado rápido. Aún así, Mercury estaba dispuesto a cantar hasta que se desangrara; todos sabían que este sería el último disco que grabaría; pero nadie decía nada, solo se dedicaban a disfrutar antes de que Mercury se detuviera de cualquier apoyo, se tomara un trago de vodka y se fuera a descansar hasta el día siguiente. Solo así, podía continuar. 

En enero de 1991, el disco sencillo que contenía el tema que da título al disco salió al mercado y fue muy bien recibido por el público y las estaciones de radio de la época, lo que abonó para que el disco, presentado el 04 de febrero de ese mismo año, fuera también un triunfo en ventas sobre todo el Reino Unido, donde alcanzó la posición número uno, pero no así en los Estados Unidos y el resto de nuestro continente, donde solo llegó a la posición 30. Sin embargo, el fallecimiento de Mercury en noviembre de 1991, hizo que este material elevara sus ventas casi al triple, pues coincidentemente, se encontraba en plena promoción el ‘single’ “The Show Must Go On”, un tema con una letra que “aunque su corazón se esté rompiendo y su maquillaje descascarándose, su sonrisa aún permanece y que pase lo que pase, dejará todo al azar” preguntándose además en otra estrofa, si alguien sabía para qué permanecemos viviendo. Sí, Freddie se estaba despidiendo. 

Independientemente de las críticas que tuvo el álbum que no fueron del todo favorables y la ventaja que la disquera EMI sacó del fallecimiento del cantante, creo que los amantes de la música debemos quedarnos con la historia que hacen de “Innuendo” un disco emotivo, que Freddie disfrutó grabar y con el relato que cuenta que este material hizo muy feliz al ídolo unos meses antes de que falleciera. Debemos quedarnos con ese emotivo video de “These Are The Days Of Our Lives” donde en efecto, se le ve muy enfermo, pero convencido de que cantaba algo que su amigo Taylor le había escrito a él; porque quizá sabía que ese sería el último video clip oficial donde aparecía. Porque como los grandes, tuvo el placer de despedirse de este mundo como un ídolo y como alguien que hizo historia. Por ello, afirmo que en “Innuendo”, Mercury dejó su testamento al público.

Mi Twitter: @iorcuevas. 

Nominaciones interesantes en 2021 para el “Salón de la Fama del Rock”


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Como cada año, se han dado a conocer a los artistas que son nominados para entrar como músicos y cantantes al prestigiado y por qué no decirlo, polémico “Salón de la Fama del Rock”, que desde su creación en 1983, ha reconocido a los más grandes artistas del género y además, más influyentes en todo sentido. Dentro del salón, están leyendas como Elvis Presley; The Beatles; David Bowie; The Rolling Stones; Led Zeppelin o Aretha Franklin, siendo la reina del soul la primera mujer en ser incluida. Las nominaciones e inserciones, además, siempre han sido con reyertas, pues hay gente que dice que existen artistas que merecen más que otros su introducción. 

La regla principal para que el artista sea elegido, es que su primer material discográfico haya sido publicado 25 años antes, al año anterior a su nominación; en este caso en específico, en 2020. Y sin duda, este ha sido uno en los que los nominados han sido mejor recibidos que en los anteriores y vamos a repasar a algunos de los interesantes nominados al “Salón de la fama del rock” para ser incluidos este año: 

1.- FELA KUTI

Quizá la nominación que a mí más me llamó la atención y recibí con más beneplácito. Kuti fue un cantante y multiinstrumentista nigeriano, de los más importantes y reconocidos del continente africano. Fallecido en 1997, Fela Kuti fue un activista a favor de los derechos humanos en beneficio de la raza negra en todo el mundo. Sus creaciones supusieron una influencia en la música desde la década de los setenta hasta los noventa y fue el creador de llamado ‘afrobeat’, el cual es un ritmo que combina de manera armoniosa los elementos de la música yoruba, jazz, folk y highlife. Una de las características de las piezas compuestas por Kuti es que cada una sobrepasa los diez minutos de duración. Su álbum más exitoso fue justamente “Zombie”, una crítica a los tratos a los que eran sometidos los integrantes del ejercito nigeriano. La canción estelar del álbum del mismo nombre ocupa el puesto 39 de las “100 mejores canciones de todos los tiempos” que publicó la revista “Time” en 2012. Sin duda, una merecidísima nominación. 

2.- TINA TURNER

Sí, ¡es increíble!, pero la gran Tina Turner aún no pertenece al “Salón de la Fama del Rock”, una artista de quien su recorrido habla por sí solo. Está demás hablar de la trayectoria de una de las mujeres más exitosas en la industria de la música de todos los tiempos. Tina no solo ha sido influencia y una artista poderosa en todo sentido, sino que ha incursionado en la música por casi 60 años, hasta su retiro. Turner posee ventas monumentales y varios récords mundiales, entre ellos, el de el concierto con la mayor asistencia en la historia, pues llenó el estadio “Maracaná” de Rio de Janeiro en 1988 en tres fechas seguidas, cuando este era el más grande del mundo. Si alguien merece esta nominación y ser incluida sin duda, es la gran Tina Turner. 

3.- CAROLE KING

Carole King ya fue incluida en el “Salón de la Fama del Rock” pero como compositora, así como en el “Salón de la fama de compositores” gracias a las creaciones que ha hecho con su compañero Gerry Goffin. Esta vez, King ha sido incluida como interprete porque, así como en el caso de Tina, no ha sido tomada en cuenta en ese rubro a pesar de contar con innumerables éxitos. La época más exitosa de esta cantautora fue en las décadas de los sesenta y setenta, sin embargo, en los noventa volvió a gozar de gran popularidad. Otra nominación sin duda, muy merecida. 

4.- CHAKA KHAN

La música disco de finales de los años setenta no sería la misma sin la gran Chaka Khan, quien además es una compositora destacada. Ella inició su carrera con el grupo “Rufus” del que fue vocalista y del que se separó en 1978, cuando ella comenzó una exitosa carrera solista, presentando su primer disco de nombre “Chaka” y del cual se desprendió su gran éxito “I’m Every Woman”, tema del que, en 1992, Whitney Houston haría un ‘cover’ que se incluyó en la banda sonora de la película “El guardaespaldas”. Chaka Khan es conocida en el mundo como “La reina del folk”, ha ganado diez premios Grammy y ha vendido más de 70 millones de discos en todo el mundo, ¿qué otro criterio requiere para que no sea incluida?

5.- DIONNE WARWICK

La gran Dionne Warwick también pelea por un lugar en el afamado “Salón de la Fama del Rock”. Warwick es otra de las artistas de las que está demás hablar de su trayectoria, pues ha sido reconocida en todo el mundo como una de las cantantes más influyentes de la historia e influencia de otras grandes como Alicia Keys; Beyoncé o Adele. Con una de las carreras más solidas y exitosas de la industria de la música, en 2013 se declaró en bancarrota con deudas que sobrepasaban los diez millones de dólares, situación que desató la preocupación de los medios internacionales. Dionne Warwick, hoy de 80 años es prima de Whitney Houston y sin duda, merece un lugar en el prestigiado salón. 

6.- FOO FIGHTERS

Si “Foo Fighters” logra entrar al “Salón de la Fama del Rock” este año, estaríamos presenciando un evento histórico y reconociendo a Dave Grohl como el amo y señor de este recinto, pues sería el primer artista en la historia en aparecer dos veces en el prestigiado espacio con dos agrupaciones distintas. En 2014, “Nirvana” fue incluido dentro del salón y Dave Grohl figura en esa mención por ser el baterista de la banda liderada por el desaparecido Kurt Cobain. Este año, “Foo Fighters” están nominados para entrar y eso colocaría a Grohl en un lugar privilegiado en la historia de la música. No cabe duda, “Foo Fighters” no nada más son los “putos amos” de la escena musical, también pueden convertirse en una leyenda si son incluidos y Grohl, se pondría a la altura de los más grandes de la historia de la música. 

Han faltado por mencionar algunos artistas que han sido nominados este año, pero creo que estos que mencioné hoy en este espacio, merecen un lugar especial con ese reconocimiento, aunque la elección este 2021, en serio que está muy dura. Mi Twitter: @iorcuevas. 

Karen Carpenter: más que un legado artístico


Ismael Ortiz Romero Cuevas

El pasado 04 de febrero, se cumplieron 38 años de la muerte de Karen Carpenter, la talentosa vocalista del dúo “The Carpenters” que formó al lado de su hermano Richard y que sin duda, marcaron toda una época en la década de los setenta. 

Recuerdo haber escuchado a “The Carpenters” gracias a mi padre, quien era un amante de la música y un coleccionista en aquellos años, de discos LP, hoy llamados vinilos y los casetes, que en esa época eran símbolos de la modernidad. A mí, no me tocó crecer en la década de los setenta, pues más bien soy parte de la generación X, pero eso no era impedimento para que muchos de los materiales que mi papá tenía en su colección fueran de mi completo agrado. Así, pude escuchar a “The Carpenters”, artistas que, con su estilo, han trascendido en la historia. 

Pasados los años, mi gustó por la música y las baladas, me llevó directamente a “The Carpenters” quienes fueron influencia en un sinfín de artistas modernos, sin mencionar que a estas alturas de mi vida, considero a Karen Carpenter como una de las mejores voces en toda la historia de la música. La carrera de “The Carpenters” es una de las más sólidas y exitosas en la industria, pero déjenme el día de hoy, queridos lectores, centrarme en Karen, pues su trágica historia no ha sido un ejemplo, pero sí una inspiración y ayudó a visibilizar un problema de salud serio. 

Karen no solo era una cantante extraordinaria, sino también una talentosa baterista que fue víctima de la vorágine del éxito. Ella vivió gran parte de su carrera artística sumida en la depresión y con un trastorno del que poco se conocía en aquellos años: la anorexia. Desde que el éxito, los premios, las presentaciones y el reconocimiento mundial le llegó al dúo, se le vio a Karen desmejorada en parte por las presiones y la apretada agenda de trabajo, así como las pocas decisiones que la disquera y su hermano Richard la dejaban tomar con respecto al dueto que formaban, donde ella además de la voz, era la imagen. 

Eso derivó en que Karen se sumiera en una tristeza profunda pues sentía que no podía desplegar todo su talento en la música a pesar de su increíble voz, pues las disqueras siempre privilegiarán el valor comercial de los cantantes, antes que el artístico. Pero la decadencia de “The Carpenters” vino también con un ambicioso proyecto de Karen que tanto el sello A&M y su hermano Richard forzaron para que no saliera al mercado. 

Richard tenía muchos problemas por el consumo de drogas, así que, a mediados de 1979, decidió tomarse un año sabático e internarse en una clínica de rehabilitación. Y también quiso convencer a Karen que tratara su problema, pues, aunque no sabía a ciencia cierta qué tenía, percibía que su extrema delgadez y su afligido ánimo no eran del todo normales. Pero ante esto, los ejecutivos de A&M la convencieron de que, durante ese año que Richard se tomaba, ella grabara un disco como solista, cosa que la entusiasmó mucho. Al final de cuentas, ella era el corazón, imagen y voz de “The Carpenters”. Para ello, la casa discográfica consiguió que el elitista productor Phil Ramone le realizara un álbum a Karen y digo, ¿quién podía negarse con tremendo talento de la cantante?, para ello, Karen ya de 29 años deja Los Ángeles y se traslada a Nueva York, donde radicaba Ramone para realizar el disco y al fin, tomar el rumbo que ella quería para su carrera. 

En 1980, el disco estuvo completo y ella se encontraba muy entusiasmada de presentarlo, pero Richard ya había salido de la rehabilitación y las cosas tomaron un rumbo distinto. Tanto su hermano como la disquera boicotearon y cancelaron el lanzamiento del disco de Karen porque temieron que ella tuviera mucho más éxito que el grupo; a pesar de que el disco era “una pieza impecable y con un gran valor artístico” según palabras del gran Stevie Wonder, quien, en algún momento tuvo la oportunidad de escucharlo. Aunado a eso, mantenía un noviazgo con Tom Burris a quien conoció en una cita montada por unos amigos y que terminó en una fastuosa boda; sin embargo, a los pocos meses, se supo que Burris era todo un patán y fue cuando Karen tocó fondo. Ahora sí, buscó ayuda y se fue a Nueva York con un especialista en anorexia, una enfermedad de la que apenas se sabía en esos años. 

El 03 de febrero de 1983, Karen había estado en la casa de sus padres y fue de compras con su madre; de regreso en la residencia, les dijo que se sentía demasiado cansada para regresar a su departamento, por lo que se quedó con ellos en su antigua habitación. A la mañana siguiente, es decir, el 04 de febrero su madre relata que escuchó a Karen levantarse y dirigirse a la cocina para preparar café y regresó a su habitación. Después de un tiempo considerable y al no escuchar sonidos, su madre se asomó y encontró a Karen en el suelo, inconsciente. La ambulancia llegó por ella, pero no pudieron hacer nada, en el hospital unos minutos más tarde llegó la fatídica noticia: “Karen ha muerto”. Tenía solo 32 años.

La causa de su deceso según el parte médico fue una insuficiencia cardiaca, consecuencia de la anorexia que padeció por años. Esto sirvió para que la enfermedad fuera visible, se realizaran más investigaciones a cerca de ella y poder ayudar a las personas que la viven. El deceso de Karen ha sido uno de los primeros casos de muertes relacionadas con este aflicción nerviosa del que ahora, se conoce más y que la ventana, fue justamente Karen, quien sufrió en silencio este embate. Poco a poco, más figuras públicas aceptaron estar viviendo con esta enfermedad y se conoce ahora, es un trastorno mucho más común de lo que se piensa, pero hoy, existen más métodos científicos y médicos para tratarlo, asimismo, hasta hace pocos años, se pensaba que era una enfermedad que solo afectaba a las mujeres y hoy, sabemos que no, pues también hay hombres que la sufren. 

Las investigaciones que llevan a los tratamientos y salvación de muchas personas con anorexia en estos años, se lo debemos en cierta medida a Karen Carpenter, una de las más grandes cantantes que han existido en el planeta, pero también, una persona que tuvo la valentía de afrontar la enfermedad sin saber que la tenía, pero con coraje. Por ello, sostengo que el legado de Karen Carpenter va mucho más allá de lo artístico, pues hay investigaciones médicas sobre trastornos alimenticios, que relatan su caso, asentándolo como uno de los pioneros para el tratamiento. Mi Twitter: @iorcuevas. 

Phil Collins: celebrando su genialidad


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Seguramente, el pasado sábado 30 de enero vieron en redes sociales que todos los portales especializados en música y varios periodistas de la fuente rememoraban a Phil Collins que llegó a los 70 años; uno de los cantantes más influyentes en el rock pop internacional desde que inició su carrera como baterista del grupo “Genesis” en los años setenta y que a la salida de Peter Gabriel, se convirtió en su vocalista. Cuando la agrupación se desintegró, inició su carrera como solista y ha sido también, una de las más prolíficas de la industria, pues ha ganado entre otros galardones: siete premios Grammy; cinco premios Brit; dos Globos de Oro y un Oscar.  

Phil Collins además, posee ocho temas que han llegado a la primera posición del Billboard Hot 100, acto que lo coloca como uno de los artistas contemporáneos más exitosos de la música moderna. Y hoy, queridos lectores, quiero que hagamos un recorrido por seis canciones emblemáticas del artista, aunque posee muchas más, que además posee el título de “Teniente de la Orden Real Victoriana” de la Corona británica: 

1.- “Another Day In Paradise” 

Álbum: …But Seriously (1989)

Compositor: Phil Collins

Productores: Phil Collins y Hugh Padghan

Discográfica: Atlantic Records

Este tema fue el primer ‘single’ del que quizá es su álbum más representativo como solista, “…But Seriously”, y que alcanzó rápidamente la primera posición del Billboard Hot 100 el año de su lanzamiento. Y sí, es una canción emblemática y que prácticamente todo el mundo conoce; el activismo de Collins se pone de manifiesto en este gran tema que plantea el mundo en el que viven las personas sin hogar y la fortuna que tienen algunos de tenerlo, haciendo la metáfora de que el hogar es el paraíso. Sin duda un ‘track’ indispensable en la música contemporánea y que además, Billboard la colocó en el puesto número 86 de las “100 Mejores Canciones de Todos los Tiempos”. Sin duda, un ejemplo de la genialidad del gran Phill Collins. 

2.- “Sussudio”

Álbum: No Jacket Required (1985)

Compositor: Phil Collins

Productores: Phil Collins y The System

Discográfica: Atlantic Records

Otro de los “número uno” de Collins en Billboard es este tema, que su estructura ochentera no ha sido obstáculo para que se convierta en un clásico de la música. Un ‘track’ bailable y quizá de los más ligeros del cantautor. Se presentó como primer sencillo de su disco “No Jacket Required” y tuvo una aparición un tanto atípica, tanto en las estaciones radiales como en MTV, pues el tema se presentó en mayo de 1985 y tuvo en un primer momento, un desempeño aceptable en listas de popularidad, sin embargo, a la salida del álbum en julio de ese mismo año, “Sussudio” escaló posiciones hasta colocarse en el primer puesto del prestigiado conteo. El clip, también es una de esas joyas que nos entregó la década de los ochenta. 

3.- “Against All Odds (Take A Look At Me Now)”

Álbum: Banda sonora de “El poder y la pasión” (1984)

Compositor: Phil Collins

Productor: Arif Mardin

Discográfica: Atlantic Records

Esta impresionante balada también llegó al puesto uno de Billboard Hot 100 y fue la primera nominación al Oscar para Collins, estatuilla que finalmente se llevó el tema “I Just Called To Say I Love You” de Stevie Wonder pese a todo pronóstico, que señalaban al británico como el gran favorito. Sin embargo, “Against All Odds (Take A Look At Me Now)”, sí se llevó el Grammy a la Mejor Interpretación Masculina. En 1999, Mariah Carey también hizo una versión de este tema para su álbum “Rainbow” y que también tuvo una destacada aparición en listas, tanto con ella sola interpretándola, así como el dueto que hizo con el grupo británico “Westlife”. Sin duda, esta es una balada a prueba de tiempo. 

4.- “In The Air Tonight”

Álbum: Face Value (1981)

Compositor: Phil Collins

Productor: Phil Collins y Hugh Padgham

Discográfica: Atlantic Records

La dolorosa canción que narra la ruptura amorosa de Collins con su primera esposa es una de las coplas más espectaculares de la historia de la música. En realidad, la canción comienza en un ritmo calmado y con un sonido que fusiona el rock con el soft pop que no presenta ningún ritmo duro o sobresalto; sin embargo, en el minuto 3:40 el grandioso solo de batería de aunque sea unos cuantos segundos, nos sigue emocionando a todos los amantes de la música. “In The Air Tonight” es una verdadera obra de arte que alcanzó el puesto número dos en Reino Unido y el 19 en Billboard Hot 100, pero que ha pasado a la historia como uno de los más grandiosos ‘tracks’ en la industria. Poderosa, elegante, sombría y desconsolada, pero con un toque de genialidad único. La carrera como solista de Phil Collins, realmente comenzó con este estupendo tema. 

5.- “You’ll Be In My Heart”

Álbum: Tarzan: An Original Walt Disney Records Soundtrack (1999)

Compositor y productor: Phil Collins

Discográfica: Walt Disney Records

Con este tema de poderosa letra, Phil Collins se alzó con el Oscar a Mejor Canción en la ceremonia de la entrega de los Premios de la Academia del año 2000, además de que también obtuvo el Globo de Oro. Collins grabó la canción además en español, francés, italiano y portugués, siendo la primera vez que Disney hacía que el artista creador de la canción (y súper estrella, además) cantara en diferentes idiomas. “You’ll Be In My Heart” alcanzó el puesto 21 en la lista de Billboard Hot 100 y sigue siendo, una de las mejores canciones que Disney ha puesto en sus películas. 

6.- “Take Me Home”

Álbum: No Jacket Required (1985)

Compositor: Phil Collins

Productores: Phil Collins y Hugh Padgham

Discográfica: Atlantic Records

Esta canción no fue un éxito como otros temas de Collins en las listas de popularidad, sin embargo, al paso del tiempo se ha convertido en uno de los más populares del cantautor, pues es uno de los infaltables en sus ‘shows’ en vivo. “Take Me Home” fue el cuarto y último sencillo de su disco “No Jacket Required” y fue publicado en 1986. Esta canción en su versión de estudio cuenta con la colaboración de su ex compañero de “Genesis” y amigo, Peter Gabriel, además de que en los coros participa Sting, otra súper estrella que tiene amistad con Phil Collins. Sin duda un tema increíble y que demuestra también la agudeza de este extraordinario músico. 

 Phil Collins se retiró de la música por problemas de salud en 2009 y regresó seis años después y es que según dijo, la creación de música se hace como una especie de vicio. Sin duda, uno de los grandes genios musicales de las últimas décadas y que esta semana, llegó a los 70 años. Mi Twitter: @iorcuevas.

Cinco legendarios “MTV Unplugged” en español


Ismael Ortiz Romero Cuevas

† A la memoria de mi padre, Ing. Ismael H. Ortiz Romero, de quien mañana viernes 29 de enero sería su cumpleaños número 69. 

Muchas gracias por todos los comentarios que recibió la entrega del pasado martes, donde enumeré cinco conciertos grandiosos de la serie “MTV Unplugged”, que sin duda, marcaron una generación completa. Y esas opiniones justamente, me solicitaban que hoy jueves enlistara cinco de estos conciertos de ese formato, pero ahora en español. Sin más preámbulo entonces, comencemos con esta lista: 

1.- “Comfort y música para volar”

Artista: Soda Stéreo

Grabación: 12 de marzo de 1996

Publicación: 25 de septiembre de 1996

Productores: Zeta Bosio y Gustavo Cerati

Discográfica: BMG Ariola

Una grabación polémica, accidentada, temperamental y que costó mucho trabajo que se realizara por la arrogancia de Cerati por todos conocida. MTV había tardado por lo menos cuatro años en convencer al líder de la banda argentina para ejecutar esta sesión que al final de cuentas, se hizo al gusto Bosio y Cerati, los productores, siendo este disco y sesión reconocida en todo el mundo como el único “desenchufado enchufado”, ya que utilizaron pocos instrumentos acústicos, dominando los electrónicos y modificando únicamente el ritmo de los temas. La grabación constó originalmente de trece ‘tracks’, pero que al final no se pudieron incluir seis en el disco compacto original porque el sello Columbia de Sony Music, anterior disquera de Soda, no cedió los derechos a BMG para publicarlas; por ello la versión de 1996 solo incluye siete temas de la sesión “Unplugged” y cuatro de estudio; sin embargo, en 2007 cuando Sony compró BMG, se hizo el relanzamiento con la sesión original y completa. “Comfort y música para volar” es uno de los discos más emblemáticos de “Soda Stéreo” y ocupa el puesto número quince de los 250 Mejores Álbumes del Rock Latino. ¡Discazo!

2.- “MTV Unplugged: Café Tacuba”

Artistas: Café Tacuba

Grabación: 15 de mayo de 1995

Publicación: 12 de julio de 2005

Productor: Gustavo Santaolalla

Discográfica: WEA

En plena época de su aclamado álbum “Re”, “Café Tacuba” fue convocado por MTV para sumarse a los artistas latinos que ejecutaban una sesión de los desenchufados. La banda originaria de Ciudad Satélite aceptó sin saber que el concierto tardaría una década en salir a la venta en formato de disco compacto y video de manera oficial, por problemas de MTV con Warner Music, propietaria del sello WEA donde grababan los ‘tacubos’; aunque en México se podía encontrar sin problemas con la piratería. Eso sí, la sesión fue transmitida infinidad de veces por la cadena televisiva (cuando programaban música), valiéndoles la aclamación popular y reconociéndoles la gran calidad en la ejecución del concierto realizado y producido por el hoy ganador de dos Óscares, Gustavo Santaolalla. Este material, es en estos años, un álbum de culto de la banda mexicana. 

3.- “MTV Unplugged: Música de fondo”

Artista: Zoé

Grabación: 05 de octubre de 2010

Publicación: 22 de marzo de 2011

Productor: Phil Vinall y Zoé

Discográfica: EMI Music 

Vamos a olvidarnos un poco del temperamento impulsivo y la facilidad que tiene León Larregui para hacer declaraciones desafortunadas, ya sea estando ebrio, hablando de lo que no conoce, o bien, publicando en Twitter opiniones tan polémicas e inciertas que provocan que le cierren su cuenta; por eso alguna vez Chetes lo llamó “la Carmelita Salinas del rock”, justamente por sus comentarios generalmente fuera de lugar. Dejando de lado eso, hay que reconocer que “Zoé” ejecutó uno de los mejores conciertos Unplugged en español de que se tenga memoria; fue justamente el talentosísimo Chetes quien hizo los arreglos de las canciones para su versión acústica y el resultado fue simplemente majestuoso. Esta grabación, además, contó con la colaboración de grandes invitados como Enrique Bunbury, Adrián Dárgelos de “Babasónicos” y Denise “LoBlondo” Gutiérrez del grupo “Hello Seahorse” y a quien, por cierto, Larregui consideró que no estaba a su nivel de “estrellato”, por eso aparece cantando el tema “Luna” detrás de él en el escenario. El disco obtuvo aclamación tanto del público como de la crítica y ha sido hasta la fecha, uno de los desenchufados en español más vendidos de la historia; todo ese reconocimiento ha valido la pena, incluso el que Chetes y Larregui hayan llegado casi a los golpes en un par de ocasiones durante los ensayos de este recital. Gran disco y concierto. 

4.- “Caifanes MTV Unplugged”

Artista: Caifanes

Grabación: 14 de octubre de 1994

Publicación: 07 de marzo de 1995

Productora: Paula Gobin

Discográfica: RCA

La primer banda y artista en general mexicanos en participar en las sesiones de MTV Unplugged fue el grupo “Caifanes”, antes de su separación y cambio de nombre a Jaguares; asimismo, fue la segunda banda latinoamericana en tener su concierto desenchufado, después de “Los Fabulosos Cadillacs”. Más que una sesión acústica, “Caifanes” decidió romper los esquemas y ejecutar el concierto más bien con instrumentos eléctricos, llamando poderosamente la atención y siendo calificado como un logro por su originalidad. Aunque el disco no es uno oficial de “Caifanes”, sí es de los más populares y contiene temas emblemáticos como “Afuera”; “La célula que explota”; “La negra Tomasa” y “Ayer me dijo un ave”, quizá en su composición más elogiada y melancólica. 

5.- “MTV Unplugged: La Ley”

Artista: La Ley

Grabación: 28 de junio de 2001

Publicación: 04 de septiembre de 2001

Productor: Humberto Gatica

Discográfica: WEA 

Este Unplugged fue producido nada menos que por ¡Humberto Gatica!, el productor e ingeniero de sonido de Madonna, Celine Dion, Mariah Carey; Toni Braxton; Julio Iglesias; Andrea Bocelli; Michael Jackson; Tina Turner y demás crema y nata de la música; ¿por qué La Ley no hizo el ‘crossover’ después de este disco? La razón, es que el productor también es chileno, como esta agrupación. Este acústico de “La Ley” fue un disco aclamado y además, ha sido uno de los más premiados en nuestro idioma, pues ganó un Grammy Latino; un premio Lo Nuestro y dos premios MTV Latinoamérica. Beto Cuevas, pasaba por uno de sus mejores momentos artísticos, ya que su ejecución en este recital es prácticamente perfecta: voz potente, clara, con gran rango y además, sin una sola desafinación, cosa complicada aún para cantantes profesionales. Los arreglos y ejecuciones también resultan un verdadero deleite y con una sincronía estupenda. Después de 20 años de su publicación, este disco es uno de los más queridos por los fans de estos conciertos. Para que vean que la limpia de la curandera mapuche que Beto llevó a la grabación del concierto sigue dando buenos resultados. 

Espero esta semana de recorridos por grandes Unplugged de MTV la hayan disfrutado tanto como yo. ¿Qué concierto de esta serie en español recuerdas? Mi Twitter: @iorcuevas.

Cinco legendarios “MTV Unplugged”


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Quienes fuimos adolescentes en la década de los noventa, no me van a dejar mentir que estar en sintonía con lo mejor de la música a nivel internacional, era ver MTV, cuando el canal de verdad se dedicaba a programar música de las mejores bandas y cantantes que dominaban las listas, la radio y obviamente, presentaban grandes video clips. Recuerdo que yo me preparaba para ir al bachillerato y a la universidad y desde muy temprano, ponía la pequeña televisión que estaba en mi recámara sintonizada en MTV. 

Y era tanta la importancia que esa cadena le ponía entonces a la música que, en 1991, es decir, hace tres décadas se crearon los conciertos llamados “MTV Unplugged”, que son sesiones acústicas y donde los artistas consagrados, versionan sus más grandes éxitos a ese formato desenchufado. Se dice que el antecedente directo de estos conciertos se le debe a la banda Bon Jovi, quienes en 1989, cuando Jon Bon Jovi y Richie Sambora tocaron en el MTV Video Music Awards de aquél año, los temas “Livin’ On A Prayer & Wanted Dead Or Alive” con guitarras electroacústicas, siendo la inspiración directa del formato; sin embargo, MTV nunca ha confirmado o desmentido esta leyenda urbana. Y para celebrar los 30 años de los desconectados de esta cadena, aquí enumero solo cinco de muchos memorables conciertos: 

1.- “Nirvana… Unplugged In New York”

Artista: Nirvana

Grabación: 18 de noviembre de 1993

Publicación: 01 de noviembre de 1994

Productores: Nirvana; Scott Litt y Alex Coletti

Discográfica: Geffen Records

Quizá el concierto más memorable de la serie es justamente el que grabó Nirvana en 1993 y que se publicó siete meses después del deceso del vocalista y líder Kurt Cobain. Si bien no fue esta la última presentación en vivo de la banda, los fans sí toman este concierto como una especie de testamento de Cobain y muestra palpable de la depresión con la que vivía. El escenario fue decorado por el mismo Cobain y en efecto, se asemeja a un funeral. Entre la lista de canciones encontramos grandes éxitos de la agrupación como “Come As You Are” y algunos ‘covers’, destacando el tercer ‘single’ del disco “The Man Who Sold The World” original de David Bowie. Concierto, memorable. 

2.- “Kiss Unplugged”

Artista: Kiss

Grabación: 08 de agosto de 1995

Publicación: 12 de marzo de 1996

Productor: Alex Coletti

Discográfica: Mercury Records

Kiss no atravesaba el mejor momento de su carrera cuando fueron convocados por MTV para realizar este desenchufado. La negociación para este concierto con la cadena, la disquera y la banda, versó en los estupendos resultados que habían tenido artistas que tampoco tenían un gran éxito en ese momento y fueron esos conciertos, los que los llevaron nuevamente a la escena musical de las grandes ligas, en específico hablaron de las carreras de Eric Clapton y Rod Stewart. Con ello, Kiss aceptó hacer la sesión y la guinda, fue que se reunieron con sus integrantes originales: Ace Frehley y Peter Criss después de casi 15 años de no tocar juntos. El resultado, es uno de los conciertos Unplugged más memorables de los que se tenga memoria. 

3.- “MTV Unplugged: Mariah Carey”

Artista: Mariah Carey

Grabación: 16 de marzo de 1992

Publicación: 02 de junio de 1992

Productores: Mariah Carey y Walter Afanasieff

Discográfica: Columbia Records

La primera mujer en grabar un concierto MTV Unplugged, fue Mariah Carey en 1992. A inicios de la década de los noventa, todo lo que hacía Carey se convertía en un éxito inmediato y a gran escala; sin embargo, su técnica y su gran rango vocal fueron motivos de mucha polémica al inicio de su carrera, pues algunas personas de la industria aseguraban que ella no cantaba en vivo y que su voz era manipulada en el estudio; así, este concierto sirvió para acallar esos rumores y demostrar que la voz y talento de Carey en todo sentido no eran un mito. Este disco, es uno de los que posee mayores ventas en la historia de estos especiales y además, contiene uno de los 19 “número uno” de la neoyorkina en la lista de Billboard, la versión de “I’ll Be There” de The Jackson 5 y que canta a dúo con su corista Trey Lorenz. El álbum de este concierto es considerado en este momento un material de colección. 

4.- “Unplugged”

Artista: Alice In Chains

Grabación: 10 de abril de 1996

Publicación: 30 de julio de 1996

Productores: Toby Wright; Alice In Chains y Alex Coletti

Discográfica: Columbia Records

Todos hemos reconocido este especial de MTV Unplugged de la agrupación oriunda de Seattle, Alice In Chains, como una de las mejores grabaciones de estos conciertos, pues posee una calidad, maestría, elegancia y hasta delicadeza dignos de una agrupación de culto como esta. Y se ha vuelto memorable porque en esos años, Alice In Chains tenía más de dos años de inactividad, ya que Layne Staley el vocalista y líder de la banda había tenido problemas de salud severos derivados de su adicción a la heroína y ese concierto, marcó su regreso. Aún desmejorado, pero con una entrega de cuerpo y alma, Staley entregó una de las más grandes actuaciones en la historia de los desenchufados. 

5.- “Unplugged: Eric Clapton”

Artista: Eric Clapton

Grabación: 16 de enero de 1992

Publicación: 25 de agosto de 1992

Productor: Russ Titelman 

Discográfica: Reprise Records

La crítica calificó a este álbum como “Un triunfo rotundo”. Sin embargo, Eric Clapton no atravesaba su mejor momento anímico en estos años, pues la muerte de su hijo Conor estaba aún reciente; incluso en su autobiografía publicada en 2007, el maestro acepta que la carga emocional durante ese concierto fue demasiada. Junto con el de Mariah Carey, este desenchufado es uno de los más vendidos de la historia y ha sido memorable por la elegancia y majestuosidad con la que Clapton interpreta y ejecuta la guitarra, y es tan célebre que una de las vihuelas de marca Martin 000-42 utilizadas por él en ese Unplugged, fue subastada en 2004 con fines benéficos y fue vendida por casi 800 mil dólares. Un concierto sin duda, legendario.  

Y ustedes, ¿qué recital de estos especiales recuerdan? Sin duda, para muchos de nosotros marcaron toda una época. Mi Twitter: @iorcuevas.