La segunda temporada de “The Umbrella Academy” y su gran â€˜soundtrack’


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Para estas fechas, estoy completamente seguro que ya muchos de ustedes vieron la segunda temporada de “The Umbrella Academy”, la serie de súper héroes producida por Netflix que ha causado sensación no solo con los fanáticos, sino también con la crítica, que la ha calificado con un 93% de comentarios positivos en Rotten Tomatoes. 

Las personalidades de los héroes y protagonistas de esta historia, han sido los más grandes aciertos en la historia de las series web y es que cada uno de los actores, han impreso una personalidad sin duda, interesante y compleja a cada uno de los protagonistas. Han causado tanto impacto, que muchos fanáticos han comenzado las peticiones al gigante del ‘streaming’ para que realice un spin-off ya sea de Klaus, encarnado por el actor irlandés Robert Sheehan o de Cinco, interpretado por la gran revelación de esta serie, Aidan Gallagher. 

Un aspecto que también ha llamado la atención de manera contundente es la selección de canciones que complementan la historia, mencionando incluso, que es una de las series con uno de los mejores ‘tracklist’ para enmarcarla. Hoy, les invito a que conozcamos, cinco canciones grandiosas que aparecen en esta segunda temporada de “The Umbrella Academy”: 

1.- “Be Thankful You’re You”

Artista: Fern Jones

Álbum: The Glory Road (1959)

Discográfica: Dot Records / Universal Music

En el primer episodio de la serie, aparece esta magnífica pieza de la cantante de góspel y jazz Fern Jones, quien solo grabó un disco en su carrera, pero que dejó un emblema en la música tan fuerte, que los temas de su único material, “The Glory Road”, grabado en 1959, siguen siendo utilizados en muchísimas producciones hollywoodenses, tanto de cine como de televisión. Sin duda, un track que nos transporta de manera muy ilustrativa, al contexto en dónde se desenvuelve la escena. Gran canción. 

2.- “I’m A Man”

Artista: Spencer Davis Group

Álbum: I’m A Man (1967)

Discográfica: Fontana Records / Universal Music

Es imposible no quedar prendado con esta pieza icónica del blues y rock de mediados de los sesentas. En el segundo episodio de “The Umbrella Academy”, esta gran canción de Spencer Davis Group, enmarca una de las escenas con más acción, más dramáticas y además tremendamente reveladora, lo que hace que deseemos saber qué sucede de inmediato. Este tema, alcanzó el puesto número 10 en Billboard Hot 100 de los Estados Unidos en su año de estreno y el noveno puesto en la lista de Reino Unido. El grupo Chicago, hizo años después, una versión de este tremendo track. Este tema es simplemente, irresistible. 

3.- “Sunny”

Artista: Boney M

Álbum: Take The Heat Off Me (1976)

Discográfica: MCI

La selección de este tema es una referencia completa hacia el tono de la serie y creo, es uno de los más certeros en su intervención, en el tercer episodio. El autor de “Sunny”, Bobby Hebb, comenzó a escribir la canción justo un día después del asesinato de Kennedy, pero además, dos días después de ese suceso, perdió a su hermano también de manera trágica y ese acontecimiento, lo marcó e inspiró para terminarla. Por ese contexto, este tema encaja a la perfección en esta historia. Muchos han comentado que el track se lo compuso a las dos personas que fueron víctimas de esta tragedia, sin embargo, el mismo Hebb dijo muchas veces que era para Dios. En la temporada dos de “The Umbrella Academy” es utilizado en una estupenda escena. 

4.- “I Was Made For Lovin’ You”

Artista: Kiss

Álbum: Dynasty (1979)

Discográfica: Casablanca Records / Universal Music

El cuarto episodio de esta gran temporada de “The Umbrella Academy” culmina con este tema que, al menos a mí, me emocionó de sobremanera. Todo se complica para los hermanos Hargreeves y tienen que alistarse para realizar la gran misión de la serie. Kiss con esta canción no solo emblemática sino histórica, nos pone alertas para lo que está a punto de comenzar y para lo que tendrán que enfrentarse Vanya (Ellen Page); Luther (Tom Hopper); Klaus (Robert Sheehan); Diego (David Castañeda); Allison (Emmy Raver-Lampman); Ben (Justin Min) y Cinco (Aidan Gallagher). Ese capítulo, no puede tener un final más explosivo con este tema. 

5.- “My Way”

Artista: Frank Sinatra

Álbum: My Way (1969)

Discográfica: Reprise Records / Warner Music

La música de Sinatra queda prácticamente en donde sea, y para prueba, el comienzo de la segunda temporada de esta serie, que nos muestra escenas crudas y violentas, pero que contextualizadas con este grandioso tema escrito por Paul Anka, nos advierte que estamos a punto de ver una historia que se toma las cosas muy en serio. Con este comienzo, sabemos que lo que viene, es simplemente grandioso. Y lo es. 

Han faltado más grandes canciones que también valía la pena poner y que integran esta estupenda selección para la serie. Y créanme que elegir estas cinco fue tremendamente difícil para mí. Pero también que sirva de preámbulo para quienes no han visto la segunda temporada de “The Umbrella Academy”, que sin temor a equivocarme, ha superado a su primera entrega. 

Mi Twitter: @iorcuevas

Cinco ‘discazos’ que cumplen 25 años en 2020


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ha pasado un cuarto de siglo desde aquél, pareciera no tan lejano 1995. La mitad de la década de los 90, cuando apreciábamos la modernidad en muchos aspectos y nos maravillábamos con lo que el internet ponía a nuestro alcance. No eras un chavo a la vanguardia si en esos años no guardabas ya tu información en un disquete o no tenías tu nueva cuenta de correo electrónico en Hotmail o Yahoo! También eran esos años en que el disco compacto vivía sus mejores años y los ‘discmans’, eran sinónimo de estilo y actualidad; no eras un chavo innovador si no andabas en el centro comercial sin la compañía de tu dispositivo reproductor de discos compactos, porque en esos años, ni idea de lo que serían Spotify o iTunes actuales. Es más, para bajar una canción en el Napster nos tardábamos alrededor de un día entero (sí, no exagero). 

Y para aquellos nostálgicos que no imaginamos que ha pasado tanto tiempo desde aquél 1995, les invito a recordar cinco grandes materiales discográficos que cumplen 25 años en este 2020 y que seguro, los tuvimos en CD y nos trae recuerdos de lo que fueron años de juventud. Para quienes son más jóvenes y leen este espacio, espero que puedan descubrir o recordar esta música, pues sin ella, no se entendería la actual: 

1.- “Post”

Artista: Björk

Fecha de publicación: 13 de junio de 1995

Productores: Nellee Hooper; Graham Massey; Tricky; Howie B.; Marius de Vries y Björk

Discográfica: One Little Indian Records / EMI

La extravagante Björk presentó en 1995, el álbum que la consolidó en el mundo como una de las más grandes exponentes de la música ‘indie’ y con un toque señorial de sonidos como el pop, el rock y ese manejo un tanto ‘vintage’ de las armonías. “Post” es arte por donde se le busque y además, fue todo un éxito en ventas, pues alcanzó el platino en países como Australia, Canadá, Reino Unido y los Estados Unidos. Es considerado además, por muchos críticos especializados en música, como uno de los mejores discos de la década de los noventas. Tan extraña como genial, en ese año, Björk sonaba en prácticamente, todas partes. 

2.- “Jagged Little Pill”

Artista: Alanis Morissette

Fecha de publicación: 13 de junio de 1995

Productor: Glen Ballard

Discográfica: Maverick Records / Warner Music

Este material fue el tercero en la carrera de la cantautora canadiense, pero fue el primero que se editó de manera internacional. Y con este disco, Morissette ponía al mundo a sus pies, pues fue uno de los más exitosos ese año. Y es que no podemos dejar de recordar enormes temas que integraban el álbum como la desafiante y rockera “You Oughta Know” y el cuasi himno “Ironic”, con los que nos enloquecía a toda la juventud noventera. “You Learn”, “Hand In My Pocket” y “Head Over Feet” componían la lista de ‘singles’, donde la mitad de este multipremiado disco, es decir seis de las doce canciones, alcanzaron gran celebridad. Una de las consentidas de MTV, que en esos años era una empresa todopoderosa, convirtieron a Alanis a mediados de esa década en casi una divinidad. 

3.- “The Bends”

Artista: Radiohead

Fecha de publicación: 13 de marzo de 1995

Productores: John Leckie y Nigel Godrich

Discográfica: Parlphone / EMI

La banda que tuvo sus orígenes en Oxford, quería en 1995 dejar de ser los ‘chavos’ “Creep”, pues necesitaban que más canciones con un estilo más artístico e ‘indie’, les quitara el peso de ese fantasma, como consideraban a ese track. Así, a mediados de esa década grabarían el que les aportó más “canciones fantasmas” por irónico que parezca. “The Bends” llegó para ser aclamado, pero además para traerles más temas emblema como “High &Dry” y la grandiosa “Fake Plastic Trees”. Otros temas como la potente “Just”, la furiosa “My Iron Lung” y la enigmática “Street Spirit” integran este magistral disco, considerado además, como uno de los más grandes pilares en la historia del rock alternativo. Todo un icono. 

4.- “(Whats The Story) Morning Glory?”

Artista: Oasis

Fecha de publicación: 02 de octubre de 1995

Productores: Noel Gallagher y Owen Morris

Discográfica: Creation Records / EMI

El disco que contiene el track que se considera el más grande representante del ‘britpop’ es éste. Y es que no podemos dejar de mencionar que el ‘single’ “Wonderwall” es una de las más grandes canciones que se hayan grabado en toda la historia de la música. Pero no solo ese tema compone este grandioso álbum que es uno de los consentidos de los fanáticos de esta banda liderada por los controvertidos hermanos Gallagher. Con claras influencias de The Beatles, “(Whats The Story) Morning Glory?”, nos trajo además otros singles monumentales como “She’s Electric”, “Don’t Look Back’n Anger” y “Champangne Supernova” por mencionar algunos. Con un sonido más maduro, este es uno disco distintivo de esa década. 

5.- “Daydream”

Artista: Mariah Carey

Fecha de publicación: 03 de octubre de 1995

Productores: Mariah Carey; Walter Afanasieff; Dave Hall; Jermaine Dupri; Manuel Seal y David Morales

Discográfica: Columbia Records / Sony Music

En la década de los noventas, no había nadie más que dominara las listas de popularidad en todo el mundo que Mariah Carey. Incluso, la revista Rolling Stone mencionó en un artículo que para ser exitoso en esos años “los artistas o cantaban grunge o eran Mariah Carey”. Y es que no había ni un solo cantante o músico que se le aproximara, ni siquiera de cerca, a las ventas y a los números generados por ella. “Daydream” representó uno de sus mayores éxitos en su carrera y le trajo tres ‘singles’ número uno en Billboard: “Fantasy”, “One Sweet Day” y “Always Be My Baby”. “Daydream” vendió más de 25 millones de copias en todo el mundo y fue un éxito en críticas y ventas. Obtuvo ocho nominaciones al Grammy de las cuales, Carey no se llevó ni uno solo, generando una controversia que hasta hoy es señalada. Este material es una obra de arte llena de sonidos pop y R&B. 

Sonidos llenos de recuerdos y que han marcado la historia de la música. Y aunque han faltado más grandes álbumes estrenados ese año, espero que la nostalgia no haya faltado con estos que les propuse hoy. 

Mi Twitter: @iorcuevas.

Celebrando a Ringo Starr con cinco temas imprescindibles


Ismael Ortiz Romero Cuevas

El pasado martes 07 de julio, Richard Henry Parkin Starkey llegó a los 80 años de vida. Y quizá si lo nombramos por como en realidad se llama, resultaría para muchos alguien desconocido, sin embargo, estoy completamente seguro de que si mencionamos a Ringo Starr prácticamente no hay persona en el planeta que no sepa quién es. 

Integrante de The Beatles, quizá la agrupación más aclamada y famosa de la historia de la música, Starr también fue reconocido por la revista Rolling Stone como el “Mejor baterista de todos los tiempos”; mencionando, además, que fue justamente él quien hizo visible a los bateristas en las agrupaciones, pues cuando formaba parte del cuarteto, se hizo con un séquito de fanáticos bastante considerable. Y para celebrar las ocho décadas de vida de esta leyenda, les invito a que los celebremos con cinco temas con The Beatles relacionados con él, ya sea por su interpretación o por haber sido composiciones suyas: 

1.- “Yellow Submarine”

Álbum: Revolver (1966)

Autores: Paul McCartney / John Lennon

Discográfica: EMI / Apple Records

Esta canción fue escrita en una noche en la que McCartney tenía insomnio y asegura, tiene qué ver con esa etapa en la que una persona se encuentra entre despierto y dormido, afirmando además, que nada tiene qué ver con las drogas. Muchos historiadores de la banda aseveran que este track no fue escrito especialmente para Starr como muchos afirman, sino que, en el momento de la prueba de audio, su voz se escuchaba con el tono, melódico y un tanto “cómico” que estaban buscando para la canción y por eso, Lennon y McCartney decidieron que fuera Ringo la voz principal en este tema que es uno de los emblemas del cuarteto de Liverpool. Entre los “efectos especiales” que podemos escuchar en esta canción está la parte donde Lennon y McCartney hacen burbujas en un balde de agua. “Yellow Submarine” fue un éxito rotundo cuando fue lanzado como primer ‘single’ de “Revolver”, llegando a la primera posición de listas y ventas en Reino Unido y al puesto número dos de Billboard, en los Estados Unidos. Un tema histórico. 

2.- “Octopus’s Garden”

Álbum: Abbey Road (1969)

Autor: Richard Starkey (Ringo Starr)

Discográfica: EMI / Apple Records

El último ‘single’ del último álbum de The Beatles fue este tema que también es uno de los más famosos de la banda. Hay críticos e historiadores de la agrupación que afirman que para este tema, Starr contó con la colaboración de George Harrison para darle los toques finales, sin embargo, eso ha permanecido a lo largo de la historia como una leyenda urbana, pues oficialmente solo Starr aparece en los créditos como compositor. La historia de este tema se remonta a un año antes de su publicación, cuando Ringo, con el afán de alejarse de la hostilidad que ya reinaba en el cuarteto, se hizo a la mar en el barco de Peter Sellers; en dicho buque, el capitán le contó a Ringo como los pulpos viajan a través del océano recolectando piedras y objetos brillantes para hacer jardines donde descansar. De ahí, surge la idea para que escribiera esta emblemática canción. En 2014, Ringo Starr lanzó un libro para niños basado en la historia en esta canción. 

3.- “With A Little Help From My Friends”

Álbum: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967)

Autores: John Lennon / Paul McCartney

Discográfica: EMI / Apple Records

Este track no solo es emblemático sino histórico. Ha sido número uno, tres veces en los charts británicos y ocupa el puesto 304 de la lista de “Las 500 mejores canciones de todos los tiempos” publicada por la revista Rolling Stone en 2004. Y es que formar parte del primer álbum conceptual de la historia de la música ya de por sí es algo especial y la historia cuenta que Ringo en realidad no quería cantar esta canción, pero que fueron los tres Beatles restantes quienes lo animaron. En realidad, Starr no le huía a la canción en su totalidad sino a la nota alta que tenía que ejecutar al final. Entonces, Paul, John y Ringo sirvieron como una especie de porra en el emblemático EMI Studio de Abbey Road, donde al finalizar la grabación y quedando todos satisfechos con la ejecución de Starr, celebraron en el legendario estudio, con whiskey durante toda la noche. 

4.- “Boys”

Álbum: Please Please Me (1963)

Autores: Dixon / Farrell

Discográfica: EMI / Apple Records

Ringo debutó como vocalista principal en un tema con este track, que en realidad es un cover que Luther Dixon y Wes Farrell escribieron unos años antes para el grupo femenino The Shirelles. La versión festiva y animada que The Beatles incluyen en su primer material discográfico, la llevaron a ser uno de sus temas más reconocidos en el mundo. Este track se incluyó en ese disco en realidad por una especie de cariño nostálgico, pues The Beatles la tocaban en sus días en The Cavern aún con Pete Best en la batería y Starr también la había cantado con Rory Storm And The Hurricanes, por ello era un tema que sentían la necesidad de incluirlo. Según Starr, fue tiempo después que la banda se dio cuenta que cuando ellos la cantaban, sonaba como una canción gay. Por ello, se considera a este tema, como uno de los primeros emblemas en el mundo que trata sobre el respeto a la diversidad. 

5.- “Don’t Pass Me By”

Álbum: The Beatles (1968)

Autor: Richard Starkey (Ringo Starr)

Discográfica: EMI / Apple Records

La primera canción de Ringo que grabaron The Beatles fue justamente “Don’t Pass Me By”, este tema de country-rock-pop que los integrantes de la banda habían rechazado desde algunos años antes, pero que les pareció perfecta para ser incluido en el legendario álbum blanco. El track fue compuesto por Ringo a finales de 1963 y lo había presentado un par de veces para algunas maquetas de discos anteriores, pero a ningún integrante de la banda le había parecido. Fue hasta el lanzamiento del “álbum blanco”, que el tema le fue solicitado por George Martin para incluirlo, pues le parecía que iba con la personalidad que estaban buscando para el disco. Para la versión que se incluyó en el álbum, Starr no solo toca la batería, sino que también ejecutó el piano y los cascabeles. 

Ringo Starr es una leyenda. Es un artista que no podemos dejar de mencionar como una parte fundamental en la historia de la música moderna. Desde aquí, un homenaje para celebrar sus 80 años. Mi Twitter: @iorcuevas. 

Música para la crisis (XV)


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Hemos llegado al final de la entrega de “Música para la crisis”. Agradezco todos sus comentarios y la aceptación que tuvo por parte de ustedes, queridos lectores y de acuerdo con sus solicitudes, valoraremos si la retomamos en un breve tiempo. Por lo pronto, estas sugerencias culminan hoy y como es martes, cerraremos con dos grandes materiales que espero sean de su agrado: 

1.- “Aladdin Sane” (1973)

Artista: David Bowie

Productores: David Bowie y Ken Scott

Discográfica: RCA Records

Uno de los trabajos más aclamados del gran David Bowie se editó en la primavera de 1973, siendo el primero que “Su camaleónica majestad” grababa, producía y escribía ya con un estatus de verdadera súper estrella, pues fue el material que sucedió a “The Rise And Fall Of Ziggy Stardus And The Spiders From Mars”, el disco que colocó a Bowie en los cuernos de la luna, un año antes. Sin embargo y pese al éxito comercial de “Aladdin Sane”, la crítica tuvo comentarios mixtos con respecto a este trabajo y mientras algunos aseguraron que se trataba de uno de los discos más sorprendentes de David, otros decían que la genialidad no era la misma que en discos como “The Man Who Sold The World” y “Hunky Dory”, por mencionar algunos. Lo cierto, es que como es común en los trabajos del británico, este disco es muy adelantado a su época y por tanto, poco comprendido en su momento. El concepto de este material es el viaje de Ziggy Stardust a América y la crónica de sus vivencias, asimismo, es uno de los grandes referentes en la historia de la cultura pop. 

El nombre de este disco es en realidad un juego de palabras pero que sirvieron para crear uno de los ‘alter egos’ más emblemáticos de Bowie, el nombre de Aladdin Sane se deriva de la frase ‘A Lad Insane’ que en español se traduce como “un chico loco”. El maquillaje de Aladdin, presenta el icónico rayo azul con naranja que ha sido uno de los símbolos más famosos de Bowie, que incluso inspiró a algunos astrónomos aficionados belgas en el observatorio público MIRA, a llamar “Asterismo Bowie” a un conjunto de estrellas que aparecieron cerca de Marte el día de la muerte del astro británico y que tomaban forma del famoso rayo. “Aladdin Sane” es un disco que es arte en toda la extensión de la palabra. La plástica utilizada por David Bowie y los arreglos donde los instrumentos son un personaje, demuestran que Bowie no solo estaba a la vanguardia, sino que él era la vanguardia. Un disco no solo emblemático, sino histórico en la música, lleno de simbolismos y de filosofía, algo que solo el grande entre los grandes podía hacer. “Aladdin Sane” está disponible en Spotify y iTunes. Solo para gustos exigentes. 

2.- “A Rose Is Still A Rose” (1998)

Artista: Aretha Franklin

Productores: Lauryn Hill; Sean “Puffy” Combs; Jermaine Dupri; Dallas Austin y Daryl Simmons

Discográfica: Arista Records

La histórica y admirable Aretha Franklin presentó en 1998, el disco con el que experimentó con el R&B moderno y la regresó a las listas de popularidad, pues el material no solo era interpretado por una de las más grandes cantantes en la historia de la música, sino que lo producían grandes talentos jóvenes de la época, lo que lo llevó a tener un sonido contemporáneo y moderno, colocando a Franklin en el gusto de los jóvenes de aquella época, cuando además el R&B gozaba de una popularidad y aceptación en el mundo como nunca antes. El primer ‘single’ del disco fue el tema que le daba título “A Rose Is Still A Rose” que Aretha interpretó junto a la estrella del género Lauryn Hill, quien además produjo el track. Esa pieza, posicionó a Aretha en el top 10 del Billboard Hot 100, compitiendo con cantantes como Mariah Carey, Madonna o grupos como los Red Hot Chilli Peppers que dominaban las listas en ese tiempo y consiguiendo un triple platino. 

Recuerdo aquél primer concierto de la cadena VH1 en 1998 llamado “Divas Live”, donde Aretha se unió otras cuatro mujeres grandes de la música en la década de los noventas: Celine Dion; Gloria Estefan; Shania Twain y Mariah Carey. Recuerdo que, en la transmisión en vivo, Arteha abrió su participación justamente con “A Rose Is Still A Rose” llevándose la ovación de los presentes y sorprendiendo con el sonido moderno que Aretha ahora añadía a su catálogo. La versión para venta de ese histórico concierto no incluyó ese tema de Aretha porque el sello que editó el evento no llegó a ningún acuerdo con la discográfica Arista para poder incluir el track. Lo que sí, es que con esta placa, Aretha marca un hito en el que una cantante tenía éxitos en la música en cuatro décadas diferentes, aunque para esos años, Franklin ya era una figura legendaria en los escenarios. Este estupendo disco, está disponible en Spotify. 

Espero que estas entregas, hayan sido de su agrado y les haya hecho pasar momentos estupendos en casa. Y aunque seguimos en la cuarentena, hablaré de otros temas en las entregas próximas, esperando sus comentarios como siempre, con todo el gusto del mundo. Mi Twitter: @iorcuevas.

Música para la crisis (XIV)


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Estar en casa es una actividad sin lugar a duda, importante en estos momentos. Y pasarla bien dentro de ella, es una responsabilidad crucial; informarnos y entretenernos debe ser nuestra prioridad en estos momentos. Y como cada martes, les tengo dos sugerencias de discos para disfrutar en casa: 

1.- “Alegría” (1994)

Artista: Cirque Du Soleil

Productor: Robbi Finkel y Daniel Aumais

Discográfica: Cirque Du Soleil Canada Inc. 

Ver un espectáculo del Cirque Du Soleil es una experiencia sin precedentes; no se diga poderla disfrutar en vivo, eso es simplemente glorioso. Y es que el espectáculo con sede en Montreal, Canadá no solo sirve para encumbrar al más alto valor estético los actos circenses, sino que transforma en arte cada uno de los performances que presentan. Su música es otro aspecto muy interesante y por eso hoy, les recomiendo de manera amplia que puedan disfrutar del material del espectáculo más querido y famoso del circo: “Alegría”; no les voy a mentir, es emocionante, es egregio, es elegante, es poderoso, es potente; es arte en su máxima expresión. Con arreglos de René Dupéré y la inigualable voz de la hoy reconocidísima Francesca Gagnon, el disco del espectáculo “Alegría” es uno de los que no debe faltar en cualquier colección o lista de reproducción. 

El álbum se compone de doce canciones interpretadas con una maestría inigualable en francés, español e inglés, este disco además nos ofrece bellísimos arreglos que nos evocan a una fantasía barroca descomunal. Déjenme decirles que esta placa contiene una de las canciones más emocionantes que he escuchado: “Querer”, y no puedo evitar que la piel se me erice y se me rueden algunas lágrimas de la emoción cada vez que la escucho, y es que en uno de sus versos asevera: “Amar para poder luchar, contra el viento volar, descubrir la belleza del mar. Querer y poder compartir nuestra sed de vivir, el regalo que nos da el amor: que es la vida”. Un disco que, si no lo han escuchado con atención, puedo casi afirmarles que se convertirá en uno de sus favoritos para siempre. Disponible en Spotify. 

2.- “It’s Time” (2005)

Artista: Michael Bublé

Productores: David Foster y Humberto Gatica

Discográfica: 143 / Reprise

Cuando Michael Bublé apareció en la escena musical en 2003, realmente se convirtió en un fenómeno musical casi de inmediato. Su carisma, buen porte y seductora voz lo volvían en una especie de resucitador del género swing y reafirmó que, al mercado de aquellos años, le hacía falta un ‘crooner’ moderno de tiempo completo. Robbie Williams había hecho un experimento un año antes de que Bublé apareciera, con un disco homenaje a Frank Sinatra, Dean Martin y Sammy Davis Jr., sin embargo, pronto volvió a sus raíces rock-pop. Así, el que Michael Bublé irrumpiera en el mercado con versiones actuales de clásicos del swing resultó novedoso, aunque parezca mentira. Para 2005, Bublé presentaba su segundo material discográfico de la mano de sus productores de cabecera: David Foster y Humberto Gatica, así es, los mismos que planeaban una carrera internacional para Luis Miguel y a quienes el mexicano despreció, ponían en lo más alto de la escena musical a este chico canadiense que llegó para ‘romperla’. 

“It’s Time” representó un éxito inmediato en países como Australia, Bélgica, Canadá, Estados Unidos y México, y a nivel global, se vendieron más de seis millones de discos, además de que se podía descargar en iTunes, una semana antes de su lanzamiento comercial. El disco contenía clásicos del jazz y del swing como “Feeling Good”; “A Foggy Day”; “I Got You Under My Skin” y haciendo en esas versiones otras canciones como “Save The Last Dance For Me” o “Can’t Buy Me Love” de Lennon y McCartney, además, contenía el tema “Home” pieza inédita compuesta y escrita por el mismo Michael Bublé. “It’s Time” representa la coronación del swing como un género que ya era consentido de la nueva generación e hizo a Bublé, una súper estrella a nivel mundial. Este disco es una gran opción para quienes busquen temas clásicos de la música con arreglos de swing, pero además con un sonido muy actual. Disponible en iTunes y Spotify. 

Estos dos discos son opciones estupendas para poder disfrutar en casa. Si puedes, no salgas y si lo haces, que sea solo para lo estrictamente necesario. Mi Twitter: @iorcuevas. 

Música para la crisis (XIII)


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Es muy importante continuar en casa lo más que se pueda. A pesar de los discursos políticos que invitan prácticamente al “sálvese quien pueda”, es de significativa importancia seguir con la dinámica de la sana distancia hasta que la vacuna sea una realidad. Cada día falta menos para eso, de verdad, estoy seguro de que así será. Y para estar en casa y pasarla lo mejor posible, aquí les dejo las dos sugerencias de discos para este martes: 

1.- “Malando Latino” (2013)

Artista y productor: Danny Malando

Discográfica: Birch Notes Music

Cuando le comento a la gente que existe un holandés que ejecuta los tangos de manera estupenda, la mayoría queda un tanto escéptico de lo que les hablo. Y hoy quiero que sean partícipes en escuchar a este músico y multi instrumentista oriundo de los Países Bajos y que además, cuenta con ese talento para la música en la sangre. De nombre real Daniël Overweg, este diestro artista nacido en 1967 es nieto de Arie Maasland, mejor conocido como A. Malando, líder de la orquesta de tangos “Malando” y que fue el deleite en los años cuarentas y cincuentas en Buenos Aires, Argentina, país donde se encuentra la mayor comunidad holandesa fuera de su territorio en el mundo. Entonces, en honor a su abuelo, es que Danny adopta el apellido para lanzarse al mundo de la música. En Europa e incluso Asia, Danny Malando es un músico con gran reconocimiento y que se presenta en escenarios importantes. Tampoco es un secreto, que es un gran admirador y conocedor de la música latina y en 2013, le hizo un homenaje a la música de esta cultura. 

Con música de Brasil, México, Argentina, Colombia y hasta de Francia, Danny Malando realizó un material que se goza de principio a fin y lo llamó “Malando Latino”, con versiones de temas como “Cherchez la femme”; “Cielito lindo”; “Agua de beber”, “Quizás, quizás, quizás” y otras piezas que componen el selecto track list de este disco. El sonido europeo a composiciones con un arraigo enorme en la cultura latinoamericana es uno de los puntos a destacar de “Malando Latino” quien nos lleva en este viaje a tener una perspectiva diferente de nuestra música, explorando sonidos que suenan novedosos en estas piezas. Danny Malando tiene la carrera de arquitecto y otro de sus grandes sueños era el diseño de edificios, sin embargo, la música le trajo un reconocimiento mucho más grande fuera de su país. “Malando Latino” es un disco imperdible, disponible en Spotify y YouTube Music. 

2.- “Greatest Hits” (2015)

Artista: Tracy Chapman

Productores: David Kershenbaum y Tracy Chapman

Discográfica: Elektra Records

La artista originaria de Cleveland, Ohio es una de las mujeres más exitosas en la industria de la música. Su arte es complementado con el compromiso que ella tiene en su activismo político y su lucha por la igualdad racial en los Estados Unidos. Pocos saben que Chapman comenzó su carrera musical a mediados de los años ochenta, cantando en cafés de jazz y utilizando lo que ganaba para costearse sus estudios universitarios. En ese recorrido en las calles de Cambridge, Massachusetts, fue descubierta por uno de los directivos del emporio discográfico Warner Music, quien de inmediato le ofreció un contrato para firmar un disco; Chapman, quien desde niña había soñado con ese momento no se negó a la petición del ejecutivo, pero su condición fue que comenzaría a trabajar en la música hasta que culminara la universidad. El ejecutivo cumplió y al día siguiente de su graduación como Licenciada en Antropología con la especialidad en Estudios Africanos, Tracy se encontraba firmando un contrato para Elektra Records, sello perteneciente a la gigantesca casa discográfica.  

“Greatest Hits” es el segundo material recopilatorio de la cantautora, donde podemos encontrar temas desde el inicio de su carrera como “Fast Car”; “The Promise”; “Speak The Word”; “Change”; “Give Me One Reason” o “Telling Sories” y algunos otros grandes éxitos más de Chapman. Activista entusiasta de Amnistía Internacional y algunos otros movimientos, Tracy Chapman posee además un gran reconocimiento no solo como integrante del mundo de la música, sino como una luchadora social. “Greatest Hits” es un disco completo, emocionante, deslumbrantemente bien hecho y con una producción impecable, es de esos recopilatorios que es obligatorio para cualquier amante de la música. Disponible en Spotify. 

Estos dos discos de hoy están de súper lujo. Ojalá puedan escucharlos y estar en casa lo más a gusto posible. Mi Twitter: @iorcuevas