Música para la crisis (II)


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Oficialmente, estamos en emergencia sanitaria lo que significa que tendremos que prescindir de las salidas de casa a menos que sea una situación de vital importancia. Bueno, como sabemos, hay población en nuestro estado y en nuestro país, que no puede realizar este confinamiento por motivos económicos. Y tratando de que este encierro necesario sea menos pesado, les propongo desde el martes pasado, dos discos que pueden encontrar en plataformas digitales o bien, pueden tener entre su colección de discos compactos que, con esta situación, seguro se han desempolvado varios. 

Así que comenzamos con estas dos propuestas: 

1.- “Entre todas las mujeres” (2003)

Intérprete: Varias artistas (Voces de mujer interpretan a Joaquín Sabina)

Productor: Víctor Manuel

Discográfica: Ariola

Un recorrido con las más icónicas canciones del gran Joaquín Sabina con las voces entre otras artistas de Chavela Vargas, Rosario Flores, Sole Jiménez, Adriana Varela, Ana Belén, Pasión Vega o Julieta Venegas, hacen de este un verdadero deleite al oído. Producido por Víctor Manuel, este disco se trató de un homenaje que grandes cantantes femeninas le rendían a uno de los más sobresalientes talentos de la música y la escritura española. 

Las letras de Sabina y las apasionadas interpretaciones acompañadas de los magistrales arreglos hechos por Víctor Manuel, hacen que “Entre todas las mujeres” sea una de las más grandes experiencias de la música en español y que terminemos amando este material, reconociéndolo ya como un indispensable en cualquier playlist o en la colección de discos. Esta placa, llegó de manera física a nuestro país hasta 2006, reportando un alto número de ventas. 

El disco fue grabado en su totalidad en estudios de Madrid a excepción del tema “Con la frente marchita”, ejecutado por la inigualable Adriana Varela que fue grabado en Buenos Aires. Por cierto, en Spotify, la canción “A la sombra de un león” con Sole Jiménez no se incluye, pero aquí se los dejo por si lo escuchan en la plataforma, tengan la experiencia completa y conozcan la historia del loco que se enamora de la estatua de la Fuente de las Cibeles. Un disco, memorable. 

2.- “Double Fantasy” (1980)

Artista: John Lennon

Productores: John Lennon; Yoko Ono y Jack Douglas

Discográfica: Geffen / Capitol

El último álbum que realizó John Lennon o quizá, el último que él mismo autorizó y creó antes de su muerte. El trágicamente memorable, pero además estupendo disco “Double Fantasy” de 1980, es un disco que nos lleva a un recorrido estupendo de baladas y rock. Este material fue el que marcaba también el regreso triunfal de Lennon a los escenarios después de su retiro de cinco años, cuando en 1975, se retiró para estar con su hijo, Sean, los primeros años de su vida. Así, en el momento de lanzamiento de este disco, se dice que el músico y su esposa, se encontraban en su momento más creativo después de ese retiro. 

Es una copia de este disco, el que Lennon le firmó a Mark David Chapman, unas horas antes de que éste, le disparara afuera del edificio Dakota, en Nueva York. Ese suceso, hizo que la placa se posicionara en el puesto número uno de ventas casi de manera inmediata en los Estados Unidos y pasara del lugar 46 al 2 en solo una semana en Reino Unido. “Double Fantasy” es un disco que muchos críticos consideran como de estilo ecléctico y pop, en el que Lennon se da ciertas licencias, pero es un material deslumbrante. Es Lennon puro. El disco completo en su versión original y sus relanzamientos de 2000 y 2010, se encuentra disponible en iTunes y Spotify, aunque sé que los más fieles fanáticos, tendrán su copia en disco compacto. Actualmente y con el regreso del vinilo, se ha editado nuevamente en ese formato. 

Música para hacer menos denso este confinamiento y espero, les hayan gustado estas propuestas. Así, que por protegerte tú y todos; si puedes, quédate en casa.

Música para la crisis (I)


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Estamos encerrados. Y eso en este tiempo, resulta una responsabilidad inminente para que la crisis sanitaria que afecta al mundo tenga efectos menos severos. Vivimos como en una película de ciencia ficción donde algo quiere acabar con la humanidad. La situación es que fuera de ficción, las situaciones hay que afrontarlas con responsabilidad y valentía más que esperar que algún súper héroe nos venga a salvar. El confinamiento es por amor a nosotros mismos, a nuestra familia, a nuestros compañeros de trabajo y a todos quienes son nuestros afectos. 

A partir de esta fecha y durante cuatro semanas (o más si esto se posterga), es decir, ocho partes de este “Paréntesis”, voy a realizar un ejercicio esperando que les guste y pueda hacer menos pesado este necesario encierro. Los martes, les propondré dos discos que pueden escuchar en plataformas digitales y quizá, algunos de los que formamos parte de la generación X, incluso lo lleguemos a tener en el ya obsoleto pero amado disco compacto. Los jueves, les propondré dos películas con diferentes temáticas, que trataré puedan estar en las plataformas digitales, o bien, puede ser que alguien las tenga en DVD o Blu Ray. Así que comenzamos con dos propuestas de música este martes: 

1.- “Come On Over” (1997)

Artista: Shania Twain

Productor: Robert “Mutt” Lang

Discográfica: Mercury Records

Una persona que fue joven o adolescente en la década de los noventas no puede dejarme mentir que Shania Twain fue un verdadero fenómeno en la música. En esos años, había un talento femenino impresionante, pues Shania se abrió paso entre grandes vocalistas como la también canadiense Celine Dion; Mariah Carey que dominaba las listas de popularidad en todo el mundo; Whitney Houston que se posicionaba como una artista de elite y obviamente Madonna, la reina indiscutible. El estilo fresco de Shania Twain que combinaba el pop, el rock y el country la convirtieron en una artista infaltable en cualquier antro, fiesta o concentración de jóvenes, donde todos, bailaban y brincaban al ritmo de sus canciones; pero también, se podía bailar “de cachetito” con sus hermosas baladas. El disco que hoy les propongo es el tercer álbum de la canadiense, que tiene por nombre “Come On Over”, un material que se puede decir es el trabajo cumbre de la bella cantante. Producido por su entonces esposo y reconocidísimo realizador Robert “Mutt” Lang, quien ya había trabajado con artistas como AC/DC, Bryan Adams, Deff Leppard y más recientemente con Lady Gaga; logró posicionarla en lo más alto de las listas de popularidad y con un reconocimiento a nivel mundial de escalas monumentales. Shania era una artista popular, talentosa, que llenaba sus conciertos y en 1998, compartió escenario con Celine Dion, Aretha Franklin, Mariah Carey y Gloria Estefan en el primer concierto llamado “Divas Live”, organizado por la cadena VH1 y que rompió todos los records de audiencia. 

“Come On Over” representó un gran éxito comercial internacional, pues el disco tuvo nada menos que doce ‘singles’, posicionando al menos la mitad en las listas de popularidad en todo el mundo. Muchos quienes fuimos jóvenes en los 90, seguro que tendremos por ahí en nuestra colección de discos compactos, este material infaltable por la popularidad de Shania y si no, se encuentra disponible en Spotify y iTunes. Un disco que nos traerá recuerdos y seguro, a los más chavos les sorprenderá por la excelente producción que es. 

2.- “Dynasty” (1979)

Artista: Kiss

Productor: Vini Poncia

Discográfica: Casablanca Records

Si alguien me preguntara: ¿cuál es el primer disco que escuchaste en tu vida?, yo sin duda contestaría que éste. Y aunque los fanáticos más entregados a la banda de hard rock, consideran a “Dynasty” como uno de los peores discos de Kiss, no podemos negar que fue su más grande éxito, pues contiene la que quizá es el track más famoso del grupo: “I Was Made For Lovin’ You”, además de que fue el último disco en el que contribuyeron en la ejecución los integrantes originales, hasta “Psycho Circus” de 1998. Con un sonido más disco y menos rockero, los integrantes de la banda han dicho que, sin duda, es su disco con la formación original, que cae más en el género comercial; “con Dynasty perdimos nuestro arrojo y atrevimiento” dijo una vez Paul Stanley. 

La ruptura en la relación con sus integrantes era ya evidente en este disco, el baterista Peter Criss solo la ejecuta en el tema que él mismo interpreta y escribió al lado de Poncia, “Dirty Livin’”; asimismo, Ace Frehley se convierte en uno de los vocalistas principales al interpretar tres pistas, reduciendo la participación como vocalista de Gene Simmons a solo dos temas y quizá, de los menos populares del material: “X-Ray Eyes” y “Charisma”. Es cierto, “Dynasty” se ha visto rebasado en propuestas de rock por discos anteriores de la banda, sin embargo, no podemos negar que en sus 41 años de existencia, se ha convertido en una de las placas más apreciadas por los fans más nuevos, quienes consideran que este trabajo, fue el que hizo que Kiss evolucionará hacia otros sonidos. Este material es preciadísimo en sus versiones de vinil y la de disco compacto en la versión de 1996, cuando fue remasterizado, sin embargo, también está disponible en las plataformas digitales. 

Estimados lectores, espero estas dos propuestas les haya generado por lo menos un ratito de relajación y agradable, entre tantas noticias tan malas que hay en el mundo en este momento. El próximo jueves, hago la primera entrega entonces de Películas para la crisis. Mientras tanto, cuidémonos todos.

Cuarentena fest: el poder de la música para resistir las adversidades


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Desde que Italia se vio afectada por la pandemia del COVID-19 y ha tenido que estar aislada para evitar los contagios, surgió como iniciativa para ser menos pesada aquella tragedia, el salir a los balcones a entretener a los vecinos de los edificios vecinos. Así, florecieron cantos que enchinaban la piel, entonaron su himno nacional e incluso, hubo algunos DJ’s que sacaban al balcón su equipo para regalar un momento agradable y que hiciera más tolerable la pesadilla de la cuarentena. 

Y eso, hizo que muchos artistas tomaran su cámara y cuentas personales de redes sociales para organizar uno de los eventos que muestran que la música, puede ser un aliciente efectivo para sobrellevar las adversidades y más, ésta por la que atraviesa todo el mundo. Por esto, ha surgido gracias al hashtag #TogetherAtHome, el “Cuarentena Fest”, una iniciativa de varios artistas que desde su casa, en el aislamiento por el cuidado de la salud han regalado a sus fanáticos y no tanto, parte de la música que ellos han ejecutado. En efecto, en medio de las desventuras esta iniciativa de músicos famosos y otros no tanto, tiene el objetivo de animar un poco a quienes están en casa o bien, recibiendo tratamiento. 

Uno de los que en la semana le dio la vuelta al mundo, fue el video de 30 minutos de duración que Chris Martin, vocalista de Coldplay subió a su cuenta de Instagram interactuando con sus seguidores e interpretando en el teclado y con la guitarra, grandes éxitos de la banda que lidera. 

Con el hashtag #TogetherAtHome, el reconocido cantautor y músico, conmovió y deleitó a los más de 11 millones de seguidores que tiene la cuenta de la banda ejecutando no solo éxitos de Coldplay, sino también de John Legend, The Who y otros artistas. Uno de los momentos para mí, más conmovedores, fue cuando el británico en compañía de su teclado complace a uno de los usuarios que le comentaba, ejecutando el éxito de su banda “Viva la vida”. 

En este mismo tenor, el reconocido pianista y teclista, integrante de la banda de rock progresivo “Dream Teather” y que se unió a “Deep Purple” en el Vive Latino en México, Jordan Rudess ejecutó la pieza “Caruso”, una pieza del compositor italiano Lucio Dalla y que habla del dolor de un hombre que se encuentra a punto de morir, sin embargo, también menciona esos anhelos que tiene cuando ve los ojos de una niña muy querida para él. La pieza se inspira en el tenor Enrico Caruso y en el video de YouTube de Rudess, se puede observar el mensaje: “To Italy With Love” (Para Italia con amor) y en la descripción, el músico escribió el siguiente mensaje: “Amigos en Italia y en todo el mundo, aunque nuestro clima actual nos impide reunirnos en persona, el poder curativo de la música no tiene límites. Espero que esta improvisación brinde un poco de consuelo a los que están enfermos y a los que están luchando. Mi corazón está contigo. Italia, sei nel mio cuore e nei miei pensieri.”

Charlie Puth en su piano y desde su casa, fue otro que se unió al movimiento y también en IG Live, deleitó a sus seguidores ejecutando sus éxitos y de otros artistas como justamente Carole King o Mariah Carey. Así, en pocos días, el hashtag #TogetherAtHome le dio la vuelta al mundo y es justamente este, el que dio pie a lo que hoy conocemos como el “Cuarentena Fest”.

John Legend ha sido hasta el momento, el artista del que más duración ha tenido su video, pues cuenta con casi una hora de duración. 

Tanto en España como en Italia, ha surgido entonces la idea de realizar este festival que no pretende otra cosa, más que llevar un poco de esperanza y ánimo a todos quienes la están pasando muy complicada. Esto nos demuestra el poder de la música, que aportando este granito de arena, puede hacer más llevadera esta pandemia. El “Cuarentena fest” contará con un gran número de bandas españolas y se podrá ver del 16 al 27 de marzo por la plataforma: cuarentenafest.tumblr.com, con sesiones en vivo de 21 a 22 horas, tiempo de España o bien, hacer un selectivo en el canal de YouTube de los artistas participantes. ¿Qué haríamos sin la música?

El coraje que necesitaba Celine Dion


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Desde noviembre del año pasado, Spotify me anunciaba con bombo y platillo el lanzamiento del nuevo disco de Celine Dion, el primero en inglés desde hacía seis años de ausencia con una placa en ese idioma y después de terminar su exitosísima residencia en Las Vegas. También, este es el primer disco que lanza la canadiense tras del fallecimiento de su esposo y manager Rene Angélil. Y cuando la plataforma me lo mencionó como un lanzamiento destacado, le puse atención, pero debo confesar que no la que ameritaba, pues toda la curiosidad de la industria estaba centrada en la música navideña que ya comenzaba a sonar en esa temporada y llamó más la atención (miente quien me diga que no) el disco navideño de Robbie Williams y el relanzamiento del icónico material “Merry Christmas” de Mariah Carey que cumplía 25 años y le dio su décimo noveno número uno en Billboard Hot 100. Escuché “Courage”, de Celine Dion, pero lo dejé como un asunto pendiente al que le pondría más esmero en un tiempo posterior. 

Pasaron unos meses, bueno varios para ser preciso y honesto; hasta febrero de este 2020 que por fin escuché con detenimiento en Spotify y llegó a mis manos en formato físico el anunciado material. Es en esta parte cuando digo, ¿por qué no lo ausculté con detenimiento antes?, quizá porque en una primera revisada se me hizo algo diferente en el estilo de Dion, pero que sonaba igual a cualquier cantante joven ídolo de los millennials; quizá también porque la firmeza en la voz de la canadiense no resulta igual a la de sus discos de la década de los noventas, cuando el pop y la balada retumbaban con sus potentes notas altas que incluyó en discos como “The Colour Of My Love”; “Falling Into You” o “Let’s Talk About Love”, su álbum cumbre. Por la razón que sea, “Courage” resultó para mí una grata sorpresa. 

Encontré en efecto, un material con un sonido al que Celine no había recurrido pero que no dejaba de lado las bases de la balada y el pop que siempre la han acompañado; por ello, resulta que este nuevo disco que tiene la cantante en el mercado actualmente, representó un riesgo no solo en el estilo, sino en las decisiones que debió tomar al ya no tener a su esposo quien le llevaba la carrera, para que la aconsejara. Así, la canadiense tomó las riendas de su nuevo trabajo fungiendo por primera vez como productora ejecutiva, además de su labor como cantante. Con ese control, la intérprete recibió por parte de la disquera más de cincuenta canciones para que eligiera por lo menos doce para conformar el disco. Y ese coraje y valentía las encontró justamente en piezas compuestas por la enigmática Sia; por el ganador del Grammy y un Oscar, Sam Smith; por David Guetta; por el nominado al Globo de Oro, Greg Kurstin; por Jimmy Napes, quien ha coescrito temas con el mismo Sam Smith y que ganó el Oscar junto con él y otro tema por el exitoso cantautor emergente Lauv. 

Además de ello, Dion se rodeó de reconocidos productores que ya habían trabajado con ella en materiales anteriores como en “A New Day Has Come” o “One Heart”, y otros reconocidos como Greg Wells, famoso por sus trabajos con OneRepublic, Mika y Katy Perry; el mismo David Guetta y Jimmy Napes, por citar algunos. El resultado, un disco alucinante, sin desperdicio de principio a fin y donde, cualquiera de sus 16 tracks, puede ser un potencial single de éxito global. Por cierto, la versión de lujo contiene cuatro pistas más, haciendo un total de 20 canciones. 

“Courage”, abre con el tema “Flying On My Own”, canción que Celine había regalado a sus seguidores en junio de 2019, en agradecimiento por el éxito de su residencia en Las Vegas y por el apoyo recibido en su proceso de duelo. Así, el recorrido musical que Dion presenta en este disco resulta una experiencia completamente fresca e innovadora, sobre todo, tratándose de una artista que tiene su mercado cautivo en el género de adulto contemporáneo y no en el juvenil. Aún así, cualquier chico que escuche el material, quedará convencido de que los cantantes de antaño no solo pueden hacer música que le guste a sus padres, sino que se atreven a ser vanguardistas. 

Es cierto, el desempeño en listas de estas cantantes consagradas ya no es como cuando se dirigían a los jóvenes, sin embargo, sus singles: “Imperfection”; Lying Down”; “Courage” y “Change My Mind” han tenido buen desempeño en plataformas y en estaciones de radio. Asimismo, aún con la euforia de los discos navideños cuando se lanzó este material, debutó en el número uno en ventas en Canadá y estuvo en el top 5 de Billboard 200. El nuevo material de Celine Dion quizá sea su trabajo más arriesgado, pero también es un disco lleno de fuerza, de agallas, es catártico y ecléctico. Es lo que Dion no se había atrevido a hacer y le salió de una manera fantástica. Es el coraje que encontró en explorar vivencias personales y escarbar en lo más hondo de sus sentimientos para plasmarlos en música. Sin duda, es un disco que merece ser escuchado con todo el detenimiento, atención y apertura que una diva de su calibre merece. 

Cinco canciones elementales de Bon Jovi


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ayer, lunes 02 de marzo, uno de los rockeros más influyentes de todos los tiempos, llegó a los 58 años. Hablo de Jon Bon Jovi, líder de la banda Bon Jovi que nos ha entregado un sinnúmero de éxitos y temas que relacionamos con el rock surgido en los años ochenta, pero que se ha mantenido vigente a lo largo de los años. 

Jon Bon Jovi es un cantante de dotes extraordinarias. Su voz con un tono de tenor lírico ligero, lo convierten en uno de los intérpretes con una de las voces y estilos más peculiares. Pero no solo eso, Jon Bon Jovi es catalogado como uno de los hombres más guapos del mundo, y eso quedó patente cuando en el año 2000, la revista “People” lo nombró como “el cantante de rock más sexy del mundo”. Pero también, es miembro del prestigiado Salón de la Fama de los Compositores que lo integró a sus filas en el 2009. Hablar de su trayectoria nos tomaría mucho espacio; así que creo que es mejor homenajearlo, recordando cinco de sus grandes creaciones: 

1.- “Livin’ On A Prayer”

Compositores: Jon Bon Jovi, Desmond Child y Richie Sambora

Álbum: Slippery When Wet (1986)

Discográfica: PolyGram / Mercury Records

Este fue el segundo single del álbum lanzado en 1986 y es hasta la fecha, quizá la canción más conocida de la banda. Incluso, la cadena VH1, la colocó en el puesto número uno de su conteo “Las 100 más grandiosas canciones de los 80’s”. Y la cadena televisiva tenía razón en posicionarla en el sitio de honor, pues el tema fue número uno de las listas en todo el mundo, incluyendo el Billboard Hot 100 en 1986. “Livin’ On A Prayer”, es actualmente, una de las canciones con más descargas en plataformas digitales en el planeta entero. Un clásico no solo del rock, sino de la música en general. 

2.- “Runaway”

Compositores: Jon Bon Jovi y George Karak

Álbum: Bon Jovi (1984)

Discográfica: PolyGram / Mercury Records

Esta fue la canción con la que la banda se dio a conocer. Entre rock y denuncia social, la canción cuenta la historia de una joven que comete actos ilícitos al salirse de su casa a edad temprana, para enfrentarse a la difícil situación social que aquejaba a los jóvenes de esa época y que no dista mucho de la nuestra. “Runaway” se contiene en el primer disco de la banda y aunque oficialmente es de Bon Jovi, el vocalista, Jon en realidad la grabó con un grupo llamado “All Stars Review” antes de formar a Bon Jovi. 

3.- “It’s My Life”

Compositores: Jon Bon Jovi; Richie Sambora y Max Martin

Álbum: Crush (2000)

Discográfica: Island Records

La escena del rock había sufrido muchos cambios a lo largo de la historia y con este tema, Bon Jovi y su vocalista, demuestran que han madurado de una manera muy respetable. “It’s My Life” es hasta este momento, el sencillo más exitoso de la banda y el que la encumbra en el nuevo milenio, atrayendo a su sonido a nuevos fans. Muchos seguidores y críticos de música aseveran que “Crush” es un disco más pop que rockero, siendo según ellos, el disco más comercial de la agrupación. Esos comentarios, no han servido de nada para desprestigiarlo y vendió en su momento, más de ocho millones de copias en todo el mundo. 

4.- “Always”

Compositor: Jon Bon Jovi

Álbum: Cross Road (1994)

Discográfica: PolyGram / Mercury Records

Antes que llegara “It’s My Life” a convertirse en el sencillo más exitoso de la banda, estuvo “Always”, una power ballad que en 1994, vendió más de 10 millones de copias. Este tema fue el primer single del primer disco recopilatorio de Bon Jovi y que incluía temas desde su nacimiento en 1984, hasta el disco “Keep The Faith” de 1992. La posición más alta de “Always” en Billboard Hot 100 fue el cuarto sitio, pero sí alcanzó el primer puesto en 13 países, incluyendo el nuestro; el desempeño del tema también fue grandioso, pues estuvo 18 semanas dentro del top 10 de las listas mundiales. 

5.- “Bed Of Roses”

Compositor: Jon Bon Jovi

Álbum: Keep The Faith (1992)

Discográfica: PolyGram / Mercury Records

Esta es otra power ballad imprescindible, aunque sea una oda a la resaca. Fue lanzada como segundo single del álbum y tuvo también un gran desempeño en listas a nivel mundial, pues entró al top 10 de Billboard más o menos en séptima semana de lanzamiento. “Bed Of Roses” tuvo una versión en español titulada “Cama de rosas” que se incluyó en la versión del disco que se editó en España y América Latina; y con todo y su mal pronunciado español de Jon, el tema en castellano alcanzó la primera posición en el conteo de Los 40 Principales, de le península ibérica. 

Así, celebramos a uno de los cantantes más influyentes de la industria de la música y que se ha mantenido con éxito, por casi 40 años de carrera. El hijo de una de las primeras conejitas de Playboy, no quería ser músico cuando era niño y fue hasta la adolescencia cuando el amor por las notas musicales, le llegó. Éxito, reconocimiento, canciones, un Globo de Oro y una nominación al Oscar, son parte de los logros de una de las carreras más prolíficas en la industria de la música de todos los tiempos. Así, celebramos los 58 años de Jon Bon Jovi. Un grande; una leyenda.

La alta sacerdotisa del soul: entre la vulnerabilidad y el temperamento


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Hablar de Nina Simone, es hablar de cientos de canciones, es hablar de jazz y blues, es hablar de soul y de la influencia que ha ejercido en cantantes, mujeres y hombres, consagrados hoy en día. Hablar de Nina Simone, es detenerse a disfrutar no solo de su ultra versátil voz y su peculiar tono de contralto que, además, adornaba con esas notas jadeantes que definieron su estilo. Es hablar de un pedazo de historia de la música. Es hablar de una leyenda. 

Recuerdo a Nina Simone, porque el pasado 21 de febrero, la llamada “Alta sacerdotisa del soul” habría llegado a los 87 años de seguir viva; una mujer progresista que se atrevió a ser una voz en contra de la segregación de la población afroamericana en los Estados Unidos, cuando esa comunidad era aún humillada y sobajada a niveles vergonzosos. Nina, no solo fue una cantante que marcó una escuela en los géneros del jazz y el blues, se convirtió en una dura crítica hacia las políticas de los derechos humanos en el país donde aún esa comunidad, no podía tener contacto más que de sirvientes aún, con los sajones. 

Fue también una feminista atrevida, luchadora y que no le temblaba la mano en señalar los abusos en contra de las mujeres. Alguna vez, la activista Germaine Greer, afirmó que no solo quienes apoyan el movimiento feminista, sino todas las mujeres debían tener de referencia a la gran Nina, porque “ella es la prueba de que el genio femenino es auténtico”, aseveró. Así, la integrante del llamado ‘black power’ de la década de los cincuentas y sesentas, también fue presa de críticas demoledoras, pues cuando ya contaba con mucho reconocimiento y fama, se decía que la cantante tenía un carácter extremadamente difícil. A veces vulnerable, a veces altanera, a veces diva, a veces odiosa, a veces graciosa; pero siempre grande. Se dice también que ya en sus últimas presentaciones, Simone conectaba con el público de una manera empática y sencilla, contaba anécdotas y se presentaba muy agradable ante ellos. 

Su lucha por el empoderamiento de las mujeres se vio reflejada en sus poderosas interpretaciones de temas como “Four Women”, de 1966, donde presta su voz a cuatro personajes que reflejan el arquetipo que según la moral estadounidense, debían tener las afroamericanas en esos años. Así, una esclava de fuerte espalda que soporta los azotes, una chica producto de una violación, una prostituta y una mujer resentida, toman forma en este tema que ha sido uno de los más elogiados de la pianista, cantante y compositora. 

En esa misma temática, podemos encontrar también el increíble tema “Ain’t Got No, I Got Life” que literalmente dice: “No tengo casa, ni zapatos. Ni dinero, ni estilo. Ni faldas, ni jerseys. No tengo perfume, ni cerveza. No tengo hombre. No tengo madre, ni cultura. No tengo amigos, ni estudios. No tengo amor, ni nombre. No tengo boleto, ni tengo pase. No tengo Dios (…) ¿Qué es lo que tengo?  Tengo mi pelo, mi cabeza. Mi cerebro y mis orejas. Mis ojos y mi nariz. Mi boca y mi sonrisa. Tengo mi lengua y mi barbilla. Mi cuello y mis tetas. Mi corazón y mi alma. Mi espalda y mi sexo. Mis brazos y mis manos. Mis dedos y mis piernas. Mis pies y mi dedo gordo. Mi hígado y mi sangre. Tengo mi vida, tengo mi libertad. Tengo mi vida y la voy a conservar”; todo un himno feminista que sigue enchinando la piel. 

Quizá uno de sus temas más famosos sea “Feeling Good”, del cual en 2005, hizo un cover Michael Bublé. Pero Nina es mucho más que canciones, piano, jazz, soul y blues. Es hablar de movimientos sociales, es hablar de lucha, es hablar de empoderamiento y de protesta inteligente. Así, después del asesinato de Martin Luther King, Simone decidió dejar los Estados Unidos e irse a radicar a Barbados. Y no regresó al país del tío Sam hasta 1978, cuando se le acusó de evasión de impuestos; y sí, lo hizo de manera consciente e intencionada, pues había dejado de pagarlos en protesta por la guerra de Vietman. 

Nina es una inspiración, es una poderosa referencia que es citada por grandes artistas como Diana Ross, Mariah Carey, Alicia Keys, Beyoncé, John Legend o Luther Vandross como su su fuente de plectro y para quien quiera saber más de la legendaria cantante, puede ver en Netflix el documental “What Happened Miss Simone?”, donde se retrata todo el poderío de su personalidad y su extraordinario talento. Porque ella seguirá estando vigente estoy seguro, desde donde esté, estará apoyando siempre a las mujeres en su lucha. A las de todas las naciones, a las de todos los niveles; porque Nina Simone es eterna.