Bowie 75

Ismael Ortiz Romero Cuevas

Desde hace unos meses, hemos estado inundados en las redes sociales de los eventos conmemorativos a la celebración del que sería el septuagésimo quinto aniversario del gran David Bowie, mismo que acontecería este 2022 y que tanto su compañía disquera, su familia y sus fanáticos lo están celebrando a lo grande, con un sinfín de eventos que incluyen varias exposiciones, el lanzamiento de algunos álbumes de temas inéditos, remasterizados o en nuevas versiones, en todos los formatos; recopilatorios, muestras de fotografías y demás, mismas que se están realizando en varias ciudades importantes del mundo como Nueva York, Los Ángeles, Montreal, Londres, Berlín, Madrid, Buenos Aires y algunas otras, y que este lunes, llegará a la Ciudad de México y que estará hasta el 31 de este mes, en el “Club del Rock And Roll Record Store” que se encuentra en la alcaldía Cuauhtémoc de la capital del país. 

Y en el mundo de la música, del cine, de la cultura e incluso de las letras, se vuelve trascendente celebrar a Bowie por los aportes que hizo no solo en el terreno del rock alternativo, sino que también como un gran exponente de la plástica y el diseño, pues sus vestuarios, portadas, elementos de maquillaje y presentaciones, recorrieron lugares recónditos como la inspiración en las estrellas, el espacio, la moda ‘underground’ y hasta el kabuki japonés, en donde toma forma el estilo del icónico Ziggy Stardust. También, porque fue justamente “su camaleónica majestad” a quien se le atribuye el lanzamiento del primer disco completo del género ‘hard rock’, que después derivó en el ‘heavy metal’, acontecimiento de 1970, cuando presentó uno de sus materiales más emblemáticos: “The Man Who Sold The World”, mismo que años más tarde, inspiraría también a Kurt Cobain en la creación del ‘grunge’. 

Hay que recordar también sus incursiones en el cine, donde varias de sus películas se han convertido en cintas de culto, por ejemplo: “Feliz Navidad Mr. Lawrence”, cinta de 1983 donde Bowie encabeza al elenco y que fue dirigida por el desaparecido cineasta japonés Nagisa Ōshima, reconocida además como una de las primeras cintas que de manera abierta retrataban un enamoramiento homosexual, además de dejarnos una de las partituras más icónicas del séptimo arte. Recordamos también de 1983, la película de temática vampírica y de culto en varios sectores “El ansia”, en la que Bowie actúa al lado de Catherine Deneuve y Susan Sarandon, donde la estética elegante y de toques post modernistas no fueron del agrado de varios críticos que la calificaron como “pesada y aburrida”, sin embargo, ha sido el tiempo el que ha puesto a “El ansia” como una pieza muy apreciada del séptimo arte. “Laberinto” que estelarizó en 1986 al lado de la entonces jovencísima Jeniffer Connelly y que dirigió nada menos que Jim Henson, el creador de los Muppets y “Plaza Sésamo”. También personificó a Poncio Pilato en “La última tentación de Cristo”, polémica película que dirigió Martin Scorsese en 1988. En 2006, regresó al cine dirigido por Christopher Nolan para interpretar a Nikola Tesla en la cinta “El ilusionista” al lado de Christian Bale y Hugh Jackman, y que fue número uno en taquilla por varias semanas el año de su estreno. Pero me gustaría destacar “El hombre que cayó a la Tierra”, película de 1975 que dirigió el británico Nocolas Roeg y que es una película de ciencia ficción que hasta la fecha, sigue siendo reconocida por su estética, trama y crítica social; además porque la leyenda urbana dice que esta película se inspiró en su icónico disco de 1972 “The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars”. 

El mundo de las letras también ha tenido la influencia de este artista por la profundidad en la letra de sus obras musicales. Incluso, el filósofo y profesor de esa materia en The New School For Social Research de Nueva York y la Universidad de Essex en Reino Unido, Simon Critchley, reconoce en su libro “Bowie”, que dedicó al desaparecido artista, que estudió filosofía gracias a las letras, influencia e ideología que presentaba Bowie en los años setenta, cuando éste se atrevía a hacer cosas que nadie hacía y a pensar como no se pensaba en esos años. 

La grandeza de David Bowie ha traspasado las fronteras del idioma y ha trascendido a él mismo, pues se le sigue rindiendo culto seis años después de su desaparición; porque como dice el mismo Critchley en su obra: “Bowie supo hacer arte, hasta de su propia muerte”, pues pareciera un plan perfecto que el 08 de enero de 2016, el día de su cumpleaños número 69, presentaba también su último trabajo de nombre “Blackstar”. El día 09 de enero de ese año, Bowie pudo ver el gran éxito y revuelo que causó su nuevo material y el día 10, de ese mismo año, se nos anunciaba su fallecimiento, acontecimiento que sus fanáticos vemos como el día que regresó a las estrellas. Y hasta allá, ¡felices 75 Bowie!

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Discos para una navidad diferente (III)

Ismael Ortiz Romero Cuevas

¡Mañana es Noche Buena! Deseo que todos ustedes, queridos lectores vayan a celebrar este día lo más cercanos que se pueda (y como las circunstancias lo permitan) a la familia y sintiendo el cariño que tanto necesitamos en este tiempo tan complicado. También celebrando la vida de quienes ya no están y que tanta falta nos seguirán haciendo siempre. 

Sin más, vamos a las sugerencias musicales de este jueves para pasar una festividad de lo mejor: 

1.- “Damon Days” (2005)

Artista: Gorillaz

Productores: Gorillaz; Danger Mouse; Jason Cox y James Dring

Discográfica: Parlophone Records / EMI

Este disco es una obra maestra del rock alternativo, no hay más calificativo. Y es que lo que Damon Albarn y Jamie Hewlett lograron con el segundo álbum de la banda de dibujos animados fue algo grandioso en todo sentido. La crítica se volcó en elogios hacia este material el año de su publicación, calificándolo de un triunfo absoluto por publicaciones especializadas y prestigiadas en materia musical como la revista “Rolling Stone”, BBC Music y Allmusic por mencionar algunas. Los cortes de “Damon Days” también lograron gran aceptación en el mundo entero y se colocaron en los primeros sitios de popularidad en gran todo el planeta y “Feel Good Inc”, el primer sencillo promocional, en el corte más exitoso de la carrera de “Gorillaz” hasta la fecha, consiguiendo además ventas millonarias. “Damon Days” obtuvo cinco nominaciones al Grammy de las cuales se incluía la de “Grabación del año” y “Disco del año”, los mas importantes galardones, sin embargo, solo obtuvieron la estatuilla a Mejor Colaboración en Coro por el tema “Dirty Harry”. Este disco de la banda virtual británica, contó también con colaboraciones de enormes estrellas de la música y el cine: Neneh Cherry; De La Soul;, Martina Topley-Bird; Roots Manuva; MF DOOM; Ike Turner; Bootie Brown de “The Pharcyde”; Shaun Ryder; Dennis Hopper; London Community Gospel Choir y Children’s Choir Of San Fernández. De verdad, es toda una obra maestra. 

2.- “The Emancipation Of Mimi” (2005)

Artista: Mariah Carey

Productores: Mariah Carey; Jermaine Dupri; Manuel Seal; Bryan Michael Cox; LRoc; Jim Wright; “The Neptunes”; Kanye West; James Poyser; Legendary Traxster; Scram Jones y Young Genius

Discográfica: Island Def Jam Records / Universal Music

Para no perder la costumbre de escuchar a Mariah Carey en navidad vamos a hacerlo, pero con uno de los mejores discos de su carrera y con el que tuvo el ‘revival’ más impresionante del que se tenga memoria en la industria musical. “The Emancipation Of Mimi” fue un éxito rotundo y total en todo sentido, pues Mariah venía de una racha de bajas ventas y éxitos moderados y fue justamente este material el que la colocó de nuevo en los cuernos de la luna en varios sentidos: el disco alcanzó ventas de más de 15 millones de copias a nivel mundial y de las cuales, seis millones, fueron tan solo en los Estados Unidos, obtuvo su décimo sexto “Número uno” en la lista de Billboard al permanecer nada menos que catorce semanas consecutivas en el primer lugar con el tema “We Belong Together” y colocando sus cinco ‘singles’ más en el ‘top ten’ de la prestigiada lista; obtuvo diez nominaciones al Grammy (ocho en 2006 y dos en 2007) que incluyeron “Grabación del año” y “Disco del año” de las cuales obtuvo solo tres, pero obtuvo dos de los más apreciados: “Mejor álbum de R&B contemporáneo” y “Mejor interpretación R&B” por “We Belong Together”. En 2006, el éxito del álbum a nivel mundial y las ventas que ya superaban en ese entonces los 10 millones de unidades, hizo que la disquera lanzara “The Emancipation Of Mimi: Ultra Platinum Edition”, el cual contenía el que fue su décimo séptimo número uno en la lista de Billboard: “Don’t Forget About Us” y que alcanzó la cima por tres semanas consecutivas en 2006. Reconocido como uno de los más grandes discos de la historia de la música contemporánea, escuchar un álbum con buen R&B con base urbano y con colaboraciones increíbles de gente como Pharrell Williams; Kanye West; Nelly; Scram Jones; Jermaine Dupri; Twista y Snoop Dogg entre otros, hacen de este disco toda una experiencia. 

Queridos lectores y amigos, agradezco que este año hayan estado al pendiente de este espacio y sobre todo, su interés en lo que les escribo. Deseo que pasen unas fiestas de lo más agradable y cobijados posible; y deseo de corazón, que el 2022, esté lleno de salud y éxito para todos. 

Me tomaré un descanso y regreso el próximo 11 de enero en los espacios habituales con lo mejor del entretenimiento. Gracias por su preferencia y ¡feliz navidad y próspero año nuevo 2022! 

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Discos para una navidad diferente (II)

Ismael Ortiz Romero Cuevas

¿Ya sabes qué vas a preparar de cenar para Noche Buena? Creo que todos, estamos en ese proceso en estos momentos. Hay algunos que desde días antes, comienzan con los preparativos de los manjares que estarán en la mesa y otros, que planean encargar la cena en algún establecimiento o con personas profesionales, lo que sí te puedo sugerir querido lector, es que si vas a ser de mi equipo, es decir, de quienes compramos la cena, lo hagamos en algún restaurante local o con personas conocidas que tengan negocios pequeños, hoy más que nunca, tenemos que ayudar a que la economía local se estabilice, pues la pandemia por la Covid-19 dejó a muchos negocios pequeños, al borde del colapso. 

Y para que esa importante decisión esté acompañada de grandes momentos, aquí te sugiero dos increíbles discos en español, por cierto, de los mejor evaluados por la crítica especializada: 

1.- “El circo” (1991)

Artista: La maldita vecindad y los hijos del quinto patio

Productores: Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel

Discográfica: BMG International US. Latin / Sony Music

Uno de los discos en español más exitosos de la historia es el que le produjo a nivel ejecutivo, Juan Gabriel a esta agrupación originaria de una vecindad de la colonia Roma de la Ciudad de México. El disco, se convirtió en el más destacado de “La maldita…”, posicionó a la banda como una de las más influyentes del rock latino y es parte de la lista de “Los 100 discos que debes tener antes del fin del mundo” que publicó Sony Music en 2012. “El circo”, se editó como parte del movimiento “Rock en tu idioma” que surgió a mediados de la década de los ochenta y principios de los noventa, siendo este, uno de los materiales que alcanzó más notoriedad entre el público y la crítica, pues incluye once temas que son considerados todos, unos verdaderos himnos del rock. En 2016, “El circo” tuvo en relanzamiento importante en el formato de disco de vinil, alcanzando nuevamente grandes ventas y reafirmando que es uno de los discos más importantes de la industria mexicana y sus cortes “Pachuco”; “Kumbala; “Un poco de sangre”; “Solín” o “Toño”, son unos grandes clásicos del rock en español. 

2.- “Soy libre” (1991)

Artista: Yuri

Productor: Mariano Pérez Bautista

Discográfica: Columbia Records / Sony Music 

Tenemos este disco de la veracruzana Yuri cuando se encontraba en su mejor momento, no solo era considerada todo un ‘sex symbol’ en esa época, sino ya era reconocida como una de las mejores cantantes de habla hispana y “Soy libre” vino a refrendar este éxito, pues la posicionó a nivel internacional de manera significativa, tanto, que se maquiló la idea de lanzar su carrera a nivel mundial, cantando temas en inglés, la limitante es que Yuri no hablaba a la perfección ese idioma en ese momento. Pero eso no le quitó mérito a “Soy libre”, pues ocupa el puesto número tres de la lista de los “10 mejores álbumes del pop latino” que editó la revista Billboard en el año 2000, (sí, de ese tamaño es este disco) y sus ventas superaron los dos millones de unidades a nivel internacional, incluso hubo un momento, en que prácticamente medio álbum se encontraba al mismo tiempo en el top 10 de popularidad con cortes como: “Un romance”; “El apagón”; “Todo mi corazón”; “Quién eres tú”; “Carnaval de oriente” y “Sabes lo que pasa”, además de  que los ‘tracks’ “Cuerpo de mujer” y “Llévame a tu casa”, sencillos no oficiales, tuvieron una importante programación radial en las estaciones de la época, logrando entrar al top 20. Con este disco, la compararon con Madonna, posó en la revista “Playboy”, incluso, le dedicaron una sección en el programa estadounidense “Hard Copy” por la similitud con la reina del pop y sí, también el clip del ‘single’ “Todo mi corazón”, tenía al entonces casi desconocido Ricky Martin como galán, pues la disquera lo incorporó en el video de Yuri porque serviría como buena referencia para la próxima carrera musical del boricua que estaba a punto de ser lanzada. Y aunque me digan que con Yuri sale el lado “más señora de todos”, no me van a poder negar que este álbum es vanguardia pura, calificado desde la época en que fue presentado y es uno de los mejores discos en español de la historia. 

Ojalá estas sugerencias de música te hagan pasar un rato de lo mejor. Nos leemos el próximo martes, antes de las vacaciones. 

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Discos para una navidad diferente (I)

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

Para continuar con la serie navideña y para celebrar de manera incomparable, este jueves les propongo discos que pueden ser disfrutables en cualquier época del año, pero que estando con la familia y en el calor de la navidad, parecieran tener un esplendor especial: 

1.- “Imagine” (1971)

Artista: John Lennon

Productores: Phil Spector; Joko Ono y John Lennon

Discográfica: Apple Records / EMI

El álbum más laureado de Lennon llegó en septiembre pasado a los 50 años de haberse publicado y es uno de los más icónicos de la historia de la música. Producido por Lennon y Spector en su mayoría, el disco llevó uno de los procesos creativos más interesantes de los que se tenga memoria, incluso, dio material para realizar un documental llamado “Gimme Some Truth: The Making Of John Lennon’s Imagine”, donde se hacía un recorrido de la interesante fase de grabación del álbum. La canción “Imagine” se ha convertido desde ese año, en un símbolo de paz mundial y en uno de los temas que más identifican al cantautor, siendo una especie de firma definitiva en la carrera del británico. Asimismo, el tema “Jealous Guy” fue lanzado como el segundo ‘single’ del disco, pero obviamente no tuvo la notoriedad del primer corte. Además de que ayer conmemoramos el cuadragésimo primer aniversario luctuoso de Lennon, estas fechas son un gran pretexto para escuchar este disco que resulta indispensable para cualquier amante de la música. 

2.- “The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars” (1972)

Artista: David Bowie

Productores: David Bowie y Ken Scott

Discográfica: RCA / Sony Music

Hace 49 años, el mundo conoció el disco conceptual más alucinante de la historia: “The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars”, que nos cuenta la historia de la llegada de un extraterrestre bisexual que, anuncia que a nuestro planeta le quedan únicamente cinco años de vida, gracias a la destrucción y falta de amor con el que vivimos; por ello, Ziggy Stardust anuncia su arribo con música que es transmitida por las estaciones de radio y es solo entendida por los más jóvenes. En este recorrido de once ‘tracks’, la genialidad de del gran Bowie se hace presente al narrarnos mediante una especie de ‘opera rock’ que cuenta con su prólogo, la llegada a la Tierra de Ziggy Stardust, su ascenso a la fama, su transformación en mujer y cómo sucumbe ante los encantos de la vida en nuestro planeta, los excesos y la fama, llevándolo a un triste final. Sin duda, este material no solo es un disco indefectible en cualquier época del año, sino que se ha convertido en un pedazo de historia. El próximo 08 de enero, David Bowie llegaría a los 75 años de vida y esa celebración, ha hecho que conozcamos sucesos, fotos e historias inéditas del genio de la música que obviamente, incluyen algunos pasajes de este material, y en 2022, “Ziggy Stardust” llegará a los 50 años de existencia, por lo que no dudo, que el año que viene, sigamos escuchando mucho de este aclamado material. Bowie es eterno y cualquier conmemoración, es motivo suficiente para disfrutar de su arte.  

A pasarla increíble en estas fiestas escuchando música estupenda. Nos leemos el martes con la sugerencia de dos películas increíbles. 

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30 años de «Dangerous» de Michael Jackson, en datos

Ismael Ortiz Romero Cuevas

Pues sí, también me fui para atrás cuando me di cuenta, que mañana viernes 26 de noviembre, el disco “Dangerous” de Michael Jackson llega a las tres décadas de existencia. Ese disco que al menos para mí y para los de mi generación, fue una especie de emblema de estilo, música y de lo que significaba ser un grande en la música, grande de verdad. 

“Dangerous” es un material que es sobresaliente en todo, desde su espectacular portada, que es quizá una de las más bellas y simbólicas en la historia de la industria discográfica, hasta su contenido, pues se compone de catorce asombrosos ‘tracks’ que son hoy en día, piezas enormes de la música en general. Yo habré tenido 12 años cuando el disco salió al mercado y desde entonces, ya sonaba a leyenda por toda el aura que lo rodeó y porque con el material, Michael se lanzó a la gira mundial más grande de la historia y por ende, más redituable. Pero para conmemorar este, que para muchos especialistas es el mejor disco de Jackson, vamos a revisar algunos datos interesantes de este histórico disco: 

1.- UNA FECHA ESPECIAL Y TRÁGICA

Algunas personas que estuvieron presentes durante el proceso creativo de “Dangerous”, mencionan que Michael comenzó el trabajo de grabación un 25 de junio de 1990, es decir, exactamente 19 años antes de su fallecimiento. 

2.- CAMBIO DE PRODUCTORES 

Teddy Riley; Bill Bottrell y Bruce Swedien fueron los productores de “Dangerous” junto con Michael Jackson, siendo esta la primera vez que no trabajaba con Quincy Jones desde 1979. La incorporación de Riley, Bottrel y Swedien, trajo a este álbum de Jackson un sonido más urbano, sin perder sus bases de pop y R&B. 

3.- “LISA IT’S YOUR BIRTHDAY”

Una de las canciones que estuvo dentro del ‘tracklist’ original de “Dangerous” para luego ser descartada en el primer filtro fue “Lisa It’s Your Birthday”, tema que se incluyó en el capítulo uno de la tercera temporada de “Los Simpson” llamado “Papá está loco”, donde Michael participa de manera anónima y compone esta pieza junto con Bart. Por cierto, este episodio fue retirado de las plataformas después del estreno del documental “Leaving Neverland”, donde algunos niños relatan que fueron abusados por el “Rey del pop”. 

4.- DE UN ÁLBUM A OTRO

De “Dangerous”, también fueron sacados los ‘tracks’ “Earth Song” que para ese disco se llamaría “What About Us” y “They Don’t Care About Us”. Ambos cortes, fueron incluidos finalmente, en el disco de canciones nuevas de “HIStory: Past, Present And Future” de 1995.

5.- NO SERÍA UN DISCO DE CANCIONES NUEVAS

Después de los éxitos monumentales de “Thriller” y “Bad”, Sony Music había sugerido a Michael que realizara un disco recopilatorio que incluyera tres temas nuevos. La creatividad de Michael estaba tan a flor de piel que, para incluir esos tres temas, compuso y grabó más de 70 canciones. Cuando los ejecutivos del sello Epic las escucharon, quedaron sorprendidos de lo buenas que eran, por lo que decidieron invertir en grabar un disco de nuevas canciones, para el cual, se eligieron las catorce que componen el álbum. 

6.- LA CHICA MISTERIOSA

Madonna; Agentha Fältskog del grupo “ABBA”; Withney Houston; Aretha Franklin y hasta Mariah Carey fueron propuestas por los ejecutivos para cantar con Michael el tema “In The Closet”, pero todas eran de disqueras diferentes y Sony nunca llegó a un acuerdo con esas casas grabadoras. Incluso, se sabe que Madonna comenzó a trabajar en aportes líricos para el tema, pero finalmente no sucedió. Eso, dejó terreno libre para que el dueto lo hiciera con Mariah Carey, pero Tommy Mottola, entonces presidente de Sony Music, no lo permitió porque Carey aún no era una súper estrella a la altura de Michael. Finalmente, fue Estefanía de Mónaco quien grabó la canción con Michael, pero la corona del principado de Mónaco no autorizó que apareciera su nombre y por ello, se acredita como “Mistery Girl”.

7.- LAS CANCIONES DESCARTADAS

Hay más de cincuenta canciones grabadas como ‘demo’ por Michael y que fueron descartadas del ‘tracklist’ final. Muchas de esas piezas como “Monkey Business”; She Got It” o “Man In Black”, pueden ser reproducidas en algunas plataformas. En 2016, cuando el disco cumplió 25 años, los fanáticos esperaban una edición especial del álbum que incluyera algunos ‘descartes’ de este material, pero eso nunca pasó. 

8.- EL “DANGEROUS: WORLD TOUR”

Con este disco, Michael se embarcó a una monumental gira mundial, recorriendo prácticamente todo el orbe. Esta gira, duró tres años y generó casi 1,500 millones de dólares de ganancias. Un récord que, hasta este día, ningún otro artista ha logrado. 

9.- LIBEREN A WILLY

La canción “Will You Be There” está asociada a la película “Liberen a Willy” de 1993 y protagonizada por la ballena que se encontraba en México, Keiko, sin embargo, no fue escrita expresamente para la película, sino que Michael y Sony Music la cedieron como tema principal de la cinta, con la condición de que las ganancias que se generaran con esta fueran donadas para apoyar a la manutención y condiciones de vida digna, para estos mamíferos en cautiverio.

10.- LA PORTADA

No podemos negar que “Dangerous” tiene una de las portadas más bellas de la historia de la música y también, llena de simbolismos. Fue creada por el polémico pintor estadounidense Mark Ryden, pionero del movimiento “lowbrow”, y en ella plasmó muchas alegorías, afectos, secretos y mensajes ocultos con respecto a Michael. Aparecen por ejemplo “Bubbles”, el chimpancé mascota de Jackson; sus padres simbolizados; el cráneo del hombre elefante que supuestamente Michael quiso comprar alguna vez, Macaulay Culkin; un chico con dos tonos de piel; Michael niño; un planeta de cabeza y la mano de Jackson sosteniendo a un chico afroamericano; entre algunas otras. 

11.- LA NUMEROLOGÍA

Y ya que hablamos de la portada, si vemos con detenimiento, en ella aparecen en repetidas ocasiones el número 7 y el 9, el número favorito de Jackson y el de la fortuna en la numerología respectivamente. Asimismo, fueron nueve los cortes promocionales que se lanzaron: “Black Or White”; “Remember The Time”; “In The Closet”; “Jam”; “Who Is It”; “Heal The World”; “Give In To Me”; “Will You Be There” y “Gone Too Soon”. 

12.- LA CRÍTICA

Los especialistas en música siguen catalogando a “Dangerous” como el mejor disco de Jackson, el mejor producido y más creativo de toda su carrera. Incluso lo han llamado como el trabajo definitivo de Michael y su último gran disco. 

“Dangerous” de Michael Jackson, es un álbum emblemático y símbolo de una generación que se influenciaba con su sonido y estilo y quienes fuimos testigos del éxito y vigencia, sabemos que estamos frente a uno de los más grandes trabajos discográficos de todos los tiempos. No olviden hoy, escuchar, aunque sea por ratitos este estupendo trabajo para conmemorar su trigésimo aniversario, que está disponible en las plataformas digitales, aunque no estaría demás, desempolvar nuestro disco compacto. 

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Recordando a Michael Hutchence, el último gran ‘rockstar’

Ismael Ortiz Romero Cuevas

Para todos quienes fuimos adolescentes y jóvenes en la década de los ochenta o noventa, no nos es indiferente el nombre de INXS y de su vocalista y cofundador, Michael Hutchence, quien, en ese entonces, ya se había convertido en uno de los ‘frontmans’ más respetados de la música. Y tampoco olvidamos, que ayer, 22 de noviembre y justo cuando en México celebramos el día del músico, pero de 1997, cuando amanecimos con la devastadora noticia que uno de los artistas más alucinantes del rock contemporáneo, había muerto. La causa: suicidio por ahorcamiento. 

Hutchence o “Hutch”, como cariñosamente le llamaban sus amigos y fanáticos, es hasta la fecha uno de los más grandes referentes de la música rock y también de todos los que son o aspiren a ser, vocalistas de una banda, pues “Hutch”, marcó toda una escuela en estilo, personalidad en el escenario y el manejo de su ‘sex appeal’ como marca personal, sin duda, es quizá el último gran ‘rockstar’, con todo lo que esto implica, de la historia de la música. Han pasado 24 años desde que el gran Michael Hutchence dejó este mundo de manera trágica, sin embargo, no podemos negar que talentos como el del australiano, siguen haciendo falta en la desgastada y extraña industria musical moderna, y hoy les propongo que escuchemos cinco temas y una mención honorífica, para recordar a este gran artista: 

1.- “Good Times” 

Artistas: INXS y Jimmy Barnes

Álbum: Banda sonora de la película “Los muchachos perdidos” (1987)

Compositores: George Young; Harry Vanda y Michael Hutchence

Productor: Mark Optiz 

Discográfica: Warner Music / Atlantic Records

Este tema fue un verdadero ‘hit’ en prácticamente todo el mundo, pero fue en Europa y Oceanía donde tuvo su mayor desempeño. “Good Times” fue una colaboración de INXS con el cantante y músico australiano Jimmy Barnes y este tema, original de la banda “The Easybeats” que apareció en los setenta, tuvo su mayor éxito de la mano de estos grandiosos músicos. En el ‘track’ y en el video, se puede notar el tamaño de la personalidad y carisma de Hutchence, quien atrae las miradas de manera casi automática. El tema, fue el primer ‘single’ de la banda sonora cinta de vampiros que hoy es de culto, “Los muchachos perdidos” y alcanzó los primeros sitios de popularidad en casi el mundo y consiguió la certificación de oro por altas ventas en Australia y Nueva Zelanda. 

2.- “Never Tear Us Apart”

Artista: INXS

Álbum: “Kick” (1987)

Compositores: Andrew Farriss y Michael Hutchence

Productor: Chris Thomas

Discográfica: Warner Music / Atlantic Records

Un tema que “Hutch” escribió desde su corazón. Se trata de una ‘power ballad’ que fue el cuarto ‘single’ de uno de los álbumes más icónicos de INXS: “Kick”, editado en 1987 y que hoy, es uno de los temas clásicos, indispensables e emblemáticos del rock y aunque la canción fue pensada en un primer momento como una pieza de blues, fue el productor, Chris Thomas quien sugirió el ponerle esos toques de sintetizador y el final dramático con saxofón, resultando una de las piezas más poderosas y elegantes del rock. Esta versión que les dejo hoy se grabó en 1994 y es un especial que se hizo para la BBC, y seguro, les va a tocar el corazón de manera profunda, pues no solo resulta un testimonio de una gran canción, sino un documento palpable del talento y carisma de Hutchence. 

3.- “By My Side”

Artista: INXS

Álbum: “X” (1990)

Compositores: Andrew Farriss, Michael Hutchence y Chris Thomas

Productor: Chris Thomas

Discográfica: Warner Music / WEA

Una de las canciones más reconocidas de la banda australiana es justamente “By My Side”; lanzada como segundo sencillo del disco “X” y que, en el año de su estreno, tuvo un modesto desempeño en listas, logrando solo la posición 42 en el chart británico, el 54 en Canadá y el 23 en Australia, sin embargo, al paso de la trayectoria de INXS, se convirtió en uno de los infaltables de la banda en sus presentaciones. Esta ‘power ballad’ contiene en su versión de estudio arreglos con piano que no solo la hacen una pieza refinada, sino poderosa y dramática, sin embargo, en su versión en vivo, este instrumento es reemplazado por guitarras sin quitarle eso, méritos al arreglo original. Esta presentación en vivo es otra evidencia del gran desenvolvimiento escénico de Hutchence.

4.- “New Sensation”

Artista: INXS

Álbum: “Kick” (1987)

Compositores: Andrew Farris; Michael Hutchence y Chris Thomas

Productor: Chris Thomas

Discográfica: Warner Music / Atlantic Records

Este tema es una verdadera leyenda y es uno de los más grandes éxitos de INXS. La canción fue el segundo corte promocional del también legendario álbum “Kick” y alcanzó la tercera posición en la lista de Billboard Hot 100 en 1987 y la primera en Canadá y en gran parte de Europa. El saxofonista Kirk Pengilly es el que colabora con su instrumento en el ‘track’ de estudio, dándole ese toque del ‘new wave’ de mediados de los ochenta y que fue un sonido característico de aquella época. La presentación que les dejo este día es la que se realizó en 1991 en el estadio de Wembley de Londres y donde la energía que irradia “Hutch” es magistral. Sin duda, una gran pieza y una estupenda presentación. 

5.- “Slide Away”

Artistas: Michael Hutchence y Bono

Álbum: Michael Hutchence (1999)

Compositores y productores: Andy Gill; Michael Hutchance y Bono

Discográfica: V2 Music Group / Petrol Records

El 22 de noviembre de 1997, en la habitación 524 del hotel Ritz Carlton de Sydney, Australia, fue encontrado el cuerpo de Michael Hutchence, en lo que parecía hasta ese momento, una escena de suicidio, pues se había colgado con su propio cinturón. Además, las autoridades reportaron que en su cuerpo había algunas sustancias, grandes cantidades de Prozac por ejemplo y otros fármacos para tratar la salud mental. Su muerte, fue una tragedia para el mundo de la música. “Hutch” estaba casi al final del proyecto de su álbum solista y ultimando detalles de post producción; sin embargo, por su repentina muerte, el material fue enlatado por la disquera, hasta que un año más tarde, Bono, vocalista y líder de “U2” y uno de los mejores amigos de Hutchence, lo rescató y terminó el trabajo, el cual, estuvo listo en el verano de 1999. El único ‘single’ del disco solista de “Hutch” fue “Slide Away”, un tema que Bono concluyó y le puso voz en algunas partes restantes, volviéndose algo así como la despedida de esta súper estrella y un dueto, legendario. Este disco, se ha vuelto una pieza preciada para coleccionistas y fanáticos del estilo del cantante. 

MENCIÓN HONORÍFICA: 

6.- “The Passenger”

Artista: Michael Hutchence 

Álbum: Banda sonora de “Batman Eternamente” (1997)

Compositores: Iggy Pop; Rick Gardner y David Bowie

Productor: Tim Simenon

Discográfica: Warner Music / Atlantic Records

Hace poco, escribí algo sobre malas películas con estupendos ‘soundtracks’ y este tema es la gran cereza del pastel en el tremendo disco que se lanzó para promocionar la horrenda cinta “Batman Eternamente”. La versión de “Hutch” en ese álbum es sin lugar a duda, una de las más grandes versiones de este icónico tema que el gran Iggy Pop, compuso en conjunto con Rick Gardner y su “camaleónica” majestad David Bowie, y complementan uno de los mejores ‘soundtracks’ de los que se tenga memoria. Muchos piensan que “The Passenger” se contiene en el disco solista de Hutchence, sin embargo, este tema fue exclusivo para la banda sonora de la película. Un tema, elegante, oscuro y gótico que ha superado la barrera del tiempo. 

Recordar a Michael Hutchence, se convierte en algo fundamental para los amantes de la música, pues su influencia y personalidad han sido piezas clave para el rock contemporáneo y es inspiración de todos los ‘frontman’ de grandes bandas. 

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