Almodóvar: la música y su narrativa


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Hace unos días, encontré por accidente en un canal del sistema de televisión de paga que utilizo, una película que era dirigida por el gran Pedro Almodóvar. Un director que se ha apropiado un estilo no solo en la forma de contar sus historias, sino en el manejo de colores vibrantes, una iluminación muy particular y sobre todo, las heroínas y galanes que protagonizan sus historias, que son dotados de fuertes rasgos de personalidad y de carácter con temple, aunque a veces su función sea una base de comedia. 

La cinta que encontré era nada menos que “Todo sobre mi madre”, aquella película que en 1999 fue elogiada en el mundo entero y por la cual, el director se alzaba con el Oscar a Mejor Película Extranjera en aquella entrega. Y verla me hizo recordar un elemento importante para el cineasta manchego dentro de su narrativa: la música. Sin duda, piezas que nos contextualizan o describen de manera detallada emociones, sentimientos o lugares en los que se encuentran sus personajes y este jueves, les invito a que hagamos un recorrido por cinco temas, utilizados en algunas de sus películas más elogiadas: 

1.- “Resistiré” 

Artista: Dúo Dinámico 

Álbum: En forma (1988)

Compositores: Manuel de Calva y Carlos Toro Montoro

Productor: Manuel de Calva

Discográfica: Sony Music / Columbia Records

Aparece en la película: “Átame” (1990)

El electrizante final de la película “Átame” no pudo ser mejor. Los tres protagonistas Marina (Victoria Abril); Ricky (Antonio Banderas) y Lola (Loles León) culminan la emblemática cinta cantando esta canción en el auto donde la pareja central se declara su amor. La letra de esta canción es tan poderosa, que fue regrabada en España en 2020 para dar ánimos a la gente ante el confinamiento por la pandemia y después, llevada a varios países de habla hispana. En la cinta, hace referencia a todos los obstáculos que tiene que enfrentar Ricky para poder conquistar a Marina, pese a todo lo bizarro que resulta la historia. Un gran final para una película histórica. 

2.- “Tajabone”

Artista: Ismaël Lo

Álbum: Jammu Africa (1997)

Compositor: Ismaël Lo

Productores: Philippe Brun y Emmanuel Deletang

Discográfica: EMI / Capitol Records

Aparece en la película: “Todo sobre mi madre” (1999)

“Todo sobre mi madre” no es una de las películas de Almodóvar; es LA película de Almodóvar. Y los elementos que contiene son simplemente grandiosos, siendo la guinda de todos ellos, las cinco estupendas protagonistas: Manuela (Cecilia Roth); Huma (Marisa Paredes); Rosa (Penélope Cruz); Nina (Candela Peña) y Agrado (Antonia San Juan) que nos ofrecen una historia poderosa y un verdadero homenaje a la sororidad. “Tajabone” enmarca el regreso de Manuela a Barcelona para resolver pendientes de su pasado, pues considera que ella le debe una explicación y que ahora, le está cobrando el haber huido de manera repentina. Al momento en que ella está averiguando el paradero de Agrado, que trabaja como prostituta, suenan las electrizantes primeras notas de este tema interpretado y creado por el cantautor senegalés Ismaël Lo. 

3.- “Cucurrucucú paloma”

Artista: Caetano Veloso

Álbum: Banda Sonora de “Hable con ella” (2002)

Compositor: Tomás Méndez Sosa

Productor: Caetano Veloso

Discográfica: Warner Music / Millan Records

Aparece en la película: “Hable con ella” (2002)

De por sí, este tema es capaz de hacer que se enchine la piel de cualquier oyente y esta versión del cantautor brasileño Caetano Veloso, te pondrá los pelos de punta con lo emocionante y emotiva que resulta. Con una base en el bossa nova y pequeñas pinceladas de blues, este ‘track’ enmarca de manera estupenda la historia de amor que nos cuenta esta película, que, pese a lo inverosímil que pueda parecer, Almodóvar le da el toque de ser una apología al enamoramiento, a la sensualidad, a la soledad y a la amistad. “Hable con ella” obtuvo también grandes premios a nivel internacional, incluyendo un Oscar a Mejor Guion Original, así como la primera y única nominación de Pedro Almodóvar en la categoría de Mejor Director. No solo la cinta es una verdadera joya, la música también lo es y este tema es prueba de ello. 

4.- “Un año de amor”

Artista: Luz Casal

Álbum: A contraluz (1991)

Compositores: Nino Ferrer y Pedro Almodóvar

Productores: Paco Trinidad y Luz Casal

Discográfica: EMI / Parlophone Spain

Aparece en la película: “Tacones lejanos” (1991)

La artista encargada de interpretar las dos emblemáticas canciones que aparecen en esta cinta es nada menos que Luz Casal y la sincronización dentro de “Tacones lejanos” la hicieron Marisa Paredes para “Piensa en mí” y Miguel Bosé en “Un año de amor”. Sin duda, esta película pone de manifiesto la genialidad de Almodóvar para contar historias complicadas y que las canciones formen parte de su relato. “Tacones lejanos” fue una de las películas más reconocidas del director manchego a nivel internacional y en México, tuvo una gran penetración gracias a que uno de los estelares es Miguel Bosé. 

5.- “Quizás, quizás, quizás”

Artista: Sara Montiel

Álbum: Banda sonora de la película “Noches de Casablanca” (1963)

Compositor: Osvaldo Farrés

Productor: Greg Segura

Discográfica: EMI / Hispavox España

Aparece en la película: “La mala educación” (2004)

Gael García Bernal transformado en Sahara, personaje de Juan y que ahora se llama Ángel, su otro personaje, hace esta sincronización de este tema en la versión de la gran Sara Montiel, además, inspirando la caracterización de ese personaje. La controvertida película de Almodóvar nos presenta una película dentro de una película y resulta ser reveladora y con un giro argumental estupendo. Esta es una de las cintas más criticadas del director por su ritmo un tanto parsimonioso y además, lo compleja que resulta la trama al principio, hasta que descubrimos que se trata de una película contada dentro de la película, pero inspirada en los hechos que traumaron a Juan / Ángel (Gael García Bernal) y que lo llevaron a convertirse en un ser lleno de rencor. El talento actoral del histrión mexicano queda de manifiesto de manera indiscutible en esta gran película. 

A Almodóvar se le considera uno de los genios del cine en todo el mundo, ya que su estilo y narrativa han hecho que veamos al cine de una manera poco convencional, asimismo, nos presenta historias que parecieran sacadas de lo más cotidiano de las convivencias para convertirse en tramas improbables y con personajes que van desde ser serios hasta pintorescos. La música es también ese elemento que adereza de manera certera sus historias. Ojalá disfruten este recorrido por algunas de las canciones que Pedro Almodóvar nos ha puesto para disfrutar más de su obra. 

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Cinco memorables ‘singles’ que cumplen 25 años


Ismael Ortiz Romero Cuevas

¿Qué hacías en 1996? Quizá como a mí, te tocó ser adolescente en aquella época cuando yo tendría entre 16 y 17 años; quizá te tocó ser un niño y conociste como de refilón estas canciones que te voy a presentar a continuación; o quizá aún no nacías y hoy, eres muy joven y quizá estés por conocer algunos de los temas que enlistaré este martes en este espacio o te son familiares por meras referencias. Y parece mentira que han pasado 25 años desde aquél, se creyera cercano, 1996. El internet aún no era tan popular y la música la escuchábamos aún en casete o en disco compacto, formato que era vanguardia en esos años. Lo que si no me podrán decir, que los temas que presentaremos este día, no son verdaderos clásicos a nivel internacional. Así que comencemos: 

1.- “Children”

Artista: Robert Miles

Álbum: Dreamlands (1995)

Compositor y productor: Robert Miles

Discográfica: BMG / Arista Records

El disco donde se contiene este icónico tema del DJ italiano, Robert Miles, salió al mercado en noviembre de 1995 y fue a inicios de 1996, cuando el tema “Children” se convirtió en un éxito masivo a nivel mundial, siendo tocado no solo en estaciones de radio, sino en discotecas y antros, además de que Billboard atribuye también ese éxito, a que la disquera de Miles consiguió que el video cilp del tema fuera transmitido de manera recurrente en MTV. “Children” fue número uno en países como Canadá; Dinamarca; Francia; Alemania; Finlandia; Italia; Escocia y España por mencionar algunos, alcanzó el puesto número dos en la UK Singles Chart y el 21 en Billboard Hot 100, siendo hasta la fecha, la posición más alta en estas dos prestigiadas listas, de un tema del género electrónico. La creación de “Children” tiene un contexto loable y dos historias interesantes: se dice que Miles se inspiró para la creación de este tema por unas fotografías de niños víctimas de la guerra en Yugoslavia que su padre le mostró; de igual manera, porque quería tener una canción un tanto relajante para terminar los ‘raves’ y contribuir un poco a la disminución de accidentes de jóvenes que salían de esas fiestas. Robert Miles, murió en 2017, a la edad de 47 años después de un recital en Ibiza, sin embargo, nos dejó este tema que, sin duda, ha pasado a la historia como una de las grandes creaciones de la música electrónica y ‘new age’. 

2.- “I Want To Come Over”

Artista: Melissa Etheridge

Álbum: Your Little Secret (1995)

Compositora: Melissa Etheridge

Productores: Hugh Padgham y Melissa Etheridge

Discográfica: Universal Music / Island Records

Uno de los temas más populares de la hoy ganadora del Oscar, Melissa Etheridge, es “I Want To Come Over”, presentado en su quinto material discográfico titulado “Your Little Secret” y fue todo un éxito a nivel mundial, posicionando a Etheridge en el gusto de la nueva generación de jóvenes de esa época, ya que la cantante venía de los rockeros surgidos a finales de la década de los ochenta. El tema tuvo un desempeño moderado en las listas de popularidad, pero fue hasta la presentación del video, estelarizado por la entonces jovencísima Gwyneth Paltrow que comenzó a tomar notoriedad y fue más programado. A mediados de 1996, este tema no solo era un grito al amor imposible, sino que se posicionaba como una de las más grandes ‘power ballads’ emanadas de la década de los noventa. Sin duda, un ‘track’ lleno de recuerdos con ese sonido que germinó en esa década y que sentó bases para la creación del rock actual. 

3.- “Lemon Tree”

Artista: Fools Garden

Álbum: Dish Of The Day (1995)

Compositores: Peter Freudenthaler y Volker Hinkel

Productores: Peter Freudenthaler; Volker Hinkel; Bernd Hasebrink; Thomas Mangold; Roland Röhl y Ralf Wochele

Discográfica: EMI / Intercord Records

Este tema fue presentado por la banda alemana “Fools Garden” a finales de 1995 en gran parte del continente europeo, pero no fue hasta el verano de 1996 cuando “Lemon Tree” se hizo un súper hit en todo el mundo. Este tema con influencias del ‘britpop’ y del pop barroco se colocó rápidamente en el gusto de los jóvenes de la época y público en general, representando grandes ganancias y ventas para este grupo que nunca volvió a colocar un tema en el mundo, de la magnitud de “Lemon Tree” pues era programado de manera recurrente en las estaciones de radio de todo el mundo y el video en MTV, además estar presente en antros, bares y discotecas de moda en esos años, prácticamente en cada rincón del planeta. Hasta antes de la pandemia, “Fools Garden” concluían sus presentaciones con esta canción, que era coreada por todos los asistentes a sus recitales. Además, la canción ha sido versionada por artistas como Alle Farben; Tarcy Su y Derrick Ho, entre algunos otros. Y es que sin duda que “Lemon Tree”, es un corte que se ha convertido en todo un clásico del pop. 

4.- “Lovefool”

Artista: The Cardigans

Álbum: First Band On The Moon (1996)

Compositores y productores: Peter Svensson y Nina Persson

Discográfica: PolyGram / Stockholm Records

“The Cardigans” no se enorgullece de esta canción en lo absoluto, pues ellos querían seguir siendo fieles al estilo ‘underground’ y tocando rock alternativo que presentaron en sus trabajos anteriores, sin embargo, por presiones de la disquera que quería aumentar las ventas para el grupo y lanzarlo a nivel internacional es que compusieron este tema, que fue el primer ‘single’ de su tercer trabajo de estudio. Está demás decir que este tema con más elementos del pop que del rock ha sido el mayor éxito de la agrupación sueca. “Lovefool” alcanzó el puesto número dos en el UK Singles Chart y el top 5 en Billboard Hot 100; asimismo, obtuvo el Grammy a Canción del Año y ganó también el MTV Europe Music Award en la misma categoría. Su éxito, la llevó a formar parte de la banda sonora de la cinta “Romeo + Julieta”, estelarizada por Leonardo DiCaprio y Christen Dunst en ese mismo año. Esta es una canción que sigue siendo reconocida a nivel mundial. 

5.- “Fastlove”

Artista: George Michael

Álbum: Older (1996)

Autor y productor: George Michael

Discográfica: EMI / Virgin Records

Este disco posicionó al británico George Michael como uno de los mejores artistas no solo de su generación, sino de todos los tiempos. “Older” significó la madurez del cantautor en todo sentido, alcanzando el top 10 en Billboard Hot 100 con los seis sencillos que tuvo el disco, pero también en el primer artista en alcanzar el top tres en el UK Singles Chart con los mismos seis cortes. Un disco sofisticado y que demostró la calidad y talento de George Michael no solo en la interpretación y composición, sino también en la producción. “Fastlove” fue quizá el ‘track’ más popular del emblemático disco que se ha convertido en este momento, en una especie de material de culto. Infaltable en cualquier colección de discos y también disponible en plataformas digitales como Spotify y iTunes. Sin duda, un disco a prueba de tiempo. 

¡Qué recorrido! Clásicos y emblemas de la música hasta nuestros días, sin duda. Acepto sugerencias para una posible segunda parte. 

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La Unión Soviética contra “The Beatles”


Ismael Ortiz Romero Cuevas

La música de “The Beatles” ha sido hasta la fecha, de las más populares de la historia de la música. El “cuarteto de Liverpool” no solo son los autores de piezas fundamentales en la industria, sino que representaron una ideología basada en libertades de conducta, políticas, sociales y sexuales, que gran parte del público generalmente mesurado de aquellos años, señaló como rebeldía y desvergüenza de la manera más determinada. 

Esa manera de pensar era algo que no a todos en el mundo les convencía, incomodando no solo a los adultos de la época, sino a gobiernos cuya ideología iba en contra de lo que promovía el sistema capitalista y eso fue lo que provocó que el gobierno de la Unión Soviética prohibiera la venta de los discos, entonces acetatos de larga duración, en su territorio. No es de extrañarnos que siempre quienes pretenden llevar el modelo socialista y comunista de gobierno, traten de llevar a sus gobernados a un pensamiento único y que se le rinda culto a la persona del gobernante; pese a que la misma historia ha demostrado que ese sistema de gobierno no funciona, aún existen quienes intentan implementarlo en muchos territorios, pero ese es otro tema. 

La Unión Soviética en esos años, tenía el sistema socialista y los gobernantes desde entonces, vieron a “The Beatles”, el grupo musical más popular del planeta del que se tenga memoria, como una amenaza latente y verdadera de la promoción de las ideas que planteaba el capitalismo y sobre todo, de la imposición de los pensamientos provenientes de Inglaterra, uno de los países que en ese entonces, la Unión Soviética consideraba una amenaza peligrosa hacia su régimen, por ello, el sistema soviético se fue contra ellos en un sentido comercial, prohibiendo la entrada de sus materiales, la difusión de su música, de su imagen y de todo lo que tuviera que ver con Ringo; John; Paul y George. 

Pero las restricciones hacia lo que tenía que ver con el “Cuarteto de Liverpool” iba más allá de solo prohibir su música. Los jóvenes de esos años, ávidos de las libertades de las que el primer mundo ya gozaba y de las que “The Beatles” simbolizaban de manera contundente, eran llevados a prisión si se les sorprendía escuchando su música, utilizando cortes de cabello igual al de los integrantes del cuarteto o si se sospechaba que la forma de vestir era similar a la de los cantantes. Hasta 1986, “The Beatles” fueron calificados como una amenaza seria al régimen socialista en ese país. 

Sin embargo, esos escarmientos eran poco exitosos; por el contrario, convirtieron a cada uno de los discos o posters de “The Beatles” en objetos de verdadero deseo y así, la venta ilegal de todo lo que tuviera qué ver con los británicos se convirtió en un gran negocio para el mercado negro que entonces, fue conformado por marineros, actores y hábiles comerciantes quienes los distribuían entre los jóvenes compradores que pagaban cantidades fuertes de dinero por ellos y haciéndoles sentir que no solo retaban al sistema con su rebeldía adolescente, sino que acababan de conseguir la especie de fruto prohibido dentro de su edén lleno de prohibiciones. 

Fue un 29 de marzo de 1986, es decir, hace 35 años y durante la administración a cargo de Mijail Gorvachov y la entrada de las reformas radicales de la “Perestroika” anunciadas precisamente en marzo de ese año, que la prohibición con respecto al “Cuarteto de Liverpool” fue levantada y entonces, la gente pudo obtener ya de manera legal, la música, imagen e ideas que “The Beatles” promovían, siendo esto, uno de los mayores y más largos actos de censura a las artes que se conozca. Cabe aclarar que, para ese entonces, “The Beatles” tenían 16 años de haberse separado, John Lennon ya había muerto y la agrupación, ya se había convertido en una leyenda de la música desde hacía varios años. 

No fue hasta 2003, que un integrante de la agrupación visitó la capital rusa, pues Paul McCartney ofreció un concierto en Moscú y fue recibido por Vladimir Putin en el Kremlin. Sin duda, este hecho es un acontecimiento histórico no solo en la música, sino en la historia de nuestro tiempo. 

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Cinco canciones que demuestran el poder de las mujeres


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ayer conmemoramos en todo el mundo, el Día Internacional de las Mujeres. Una fecha en donde se nos recuerda que, si tienen un día para ser evocadas, es porque sus derechos han sido vulnerados en muchos sentidos a lo largo de la historia y por eso, tienen que ser exigidos por ellas a como dé lugar. 

Y para no pasar desapercibida esa conmemoración tan necesaria, quiero que hoy repasemos seis temas que tienen una temática feminista y que son interpretadas por grandes intérpretes de la industria: 

1.- “Respect” 

Artista: Aretha Franklin

Autor: Otis Redding

Álbum: I Never Loved A Man The Way I Love You (1967)

Productor: Jerry Wexler y Arif Mardin

Discográfica: Rhino / Atlantic Records

El tema originalmente fue interpretado por el cantante y su mismo autor, Otis Redding, dos años antes de que lo retomara la “Lady Soul” y lo hiciera un icono del empoderamiento femenino. La canción original versaba en la misma temática, pero al revés, es decir, en lo que un hombre espera de una mujer ideal, sumisa, al pendiente de las labores domésticas y atendiendo a su hombre. Pero Aretha le cambió la letra e hizo lo contrario, pues la de ella, hablaba del respeto que debe tener una mujer siendo independiente y lo que merece de su pareja. Sin tenerlo claro, su productor Jerry Wexler y la misma Aretha, crearon el himno feminista por excelencia. Una canción sin duda, emblemática y poderosa. 

2.- “I Will Survive”

Artista: Gloria Gaynor

Autores: Freddie Perren y Dino Fekaris

Álbum: Love Tracks (1978)

Productor: Dino Fekaris

Discográfica: PolyGram / Polydor Records

Esta canción ha acompañado sobre todo al movimiento feminista, aunque el LGBTTTIQ también la ha adoptado por su magnífico y certero mensaje. La letra cuenta la historia de una mujer que vive una ruptura amorosa, pero no se deja caer pese a que su pareja la quiere ver suplicando: “Creías que me desmoronaría, que me tumbarías y me moriría, pero yo no, ¡sobreviviré!”  dice una de las conocidísimas estrofas de esta canción que es hasta la fecha, es la más emblemática de la cantante originaria de Nueva Jersey. Un tema del género ‘soul’ que es atemporal. 

3.- “GTFO”

Artista: Mariah Carey

Autores: Mariah Carey; Bibi Bourelli; Jordan Maswell; Paul Jeffries (Nineteen85) y Porter Robinson

Álbum: Caution (2018)

Productores: Mariah Carey y Paul Jeffries (Nineteen85)

Discográfica: Sony Music / Epic Records

Cuando uno entiende que el título de la canción no son más que las iniciales de “Get The Fuck Out”, es decir, algo así como “vete a la mierda” o como diríamos en México en buen castizo: “vete a la chingada”, sabemos que Mariah se está tomando el empoderamiento femenino muy en serio. La premisa es también una ruptura amorosa, pero en la que ella tomó la iniciativa para hacerlo, pues considera que su pareja toma su amor como un hecho, sin esforzarse a más. “No soy de las mujeres que juega a ser la víctima; toma tus cosas y sé feliz. Vete a casa de tu amigo o de alguien y dile que has tenido suerte; porque fui yo quien, desde el pasado fin de semana, te iba a dar una patada por el culo para que te largaras” dice una de las poderosas y hasta sarcásticas estrofas de este aclamado primer ‘single’ del álbum “Caution” de la diva neoyorkina, uno de los mejor evaluados por la crítica y uno de los mejores discos de 2018, según Billboard. 

4.- “Cosita seria”

Artista: Aterciopelados

Autores: Andrea Echeverri y Héctor Buitrago

Álbum: La pipa de la paz (1997)

Productor: Phil Manzanera

Discográfica: BMG / Ariola

Uno de los temas más reconocidos de la banda colombiana “Aterciopelados” es justamente “Cosita seria”, escrito por la misma vocalista del grupo, Andrea Echeverri. En realidad, el álbum completo “La pipa de la paz” retrata en sus letras, la reivindicación y poderío de las mujeres en las culturas latinoamericanas y que van tomando fuerza conforme vamos avanzando en el disco. “No tengo pelos en la lengua y ya superé el qué dirán”, menciona Echeverri en una de las partes de este tema; un icono de la banda y de la lucha de las mujeres por la defensa de sus derechos. 

5.- “Ingrata /o” (versión feminista)

Artistas: Café Tacuba y Andrea Echeverri

Autores: Rubén Albarrán y Enrique del Real

Álbum: Re (1994)

Productor: Gustavo Santaolalla

Discográfica: Warner Music / WEA

Desde el 2017, Café Tacuba anunció que su popular tema “La ingrata” ya no estaría presente en sus ‘shows’ en vivo, justamente por el reclamo de las mujeres quienes argumentaban que el tema, incitaba a la violencia de género a pesar de que es hasta la fecha uno de sus temas más sonados. Sin embargo, en el movimiento del año pasado y antes de que la pandemia nos hiciera presa, Andrea Echeverri subió al escenario con ‘los tacubos’ cantando el tema con adecuaciones en la letra, la cual fue ovacionado de manera unánime: “Ingrato, no me importa si me quieres, vale madres si me dejas, vengo a romper tu espada y a mandarte a la chingada; ingrato, porque soy independiente porque no te necesito, no soy tu media costilla, es respeto lo que pido y como madre yo exijo, ni una más es lo que pido, ni un macho abusivo violará a una chava…” dice parte de este coro que en efecto, deja chinita la piel. 

La lucha de las mujeres no es algo frívolo. Lo hacen porque han sido relegadas en diversos ámbitos y en infinidad de lugares. Y aunque sigan escuchando expresiones como “ya chole” o que son manipuladas por grupos que quieren “dejar en mal al gobierno”, su movimiento es tan auténtico que han demostrado de lo que son capaces y lo fuerte que pueden ser; y la música, también es una muestra. 

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48 años que conocimos el lado oscuro de la luna


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ayer lunes 01 de marzo de este 2021, se cumplieron cuarenta y ocho años de existencia uno de los discos fundamentales en la historia de la música: “The Dark Side Of The Moon”, de la banda británica Pink Floyd y que además, resultó todo un logro en las grabaciones de ese entonces. El álbum, es un trabajo conceptual de la banda que ha representado uno de sus mayores éxitos y que ha marcado influencia no solo en la música misma, sino hasta en las carreras de músicos y bandas. 

Y aunque la banda es de origen inglés, la disquera EMI decidió lanzarlo primero en los Estados Unidos, donde consideraron que poseían el mayor número de público cautivo en el mundo y quince días después, es decir, el 16 de marzo de ese mismo año, fue puesto a la venta en Reino Unido, donde también fue un éxito inmediato. 

Los números de “The Dark Side Of The Moon” es algo muy interesante de revisar. Primero porque se estima que ha vendido alrededor del mundo más de 50 millones de copias, siendo uno de los álbumes con mayores ventas en la historia de la música, solo por detrás de “Thriller” de Michael Jackson y de “Back In Black” de AC/DC que se dice, han rebasado los 65 millones de unidades colocadas. El disco, también estuvo en la lista Billboard 200 por ¡937 semanas!, es decir, casi 19 años y por ello es el que más tiempo ha permanecido en la lista de los álbumes más vendidos. Logró llegar al número uno de ventas en los Estados Unidos en su semana de estreno y al número dos en Reino Unido y actualmente, cuenta con más de 450 millones de reproducciones en Spotify y casi 100 millones en YouTube. Todo un logro si ubicamos que es un álbum que tiene casi medio siglo de existencia. 

“The Dark Side Of The Moon” fue grabado también en el mítico Abbey Road Studios, propiedad en ese entonces de la discográfica EMI, una de las más poderosas en ese tiempo y la producción estuvo a cargo de los integrantes del grupo, ya que “el productor” se acredita como Pink Floyd, pero también por Alan Parsons, quien fue en realidad quien le dio esa personalidad enigmática, elegante y progresiva al disco. En 1968, su principal arreglista, compositor y líder Syd Barret dejó la banda debido a problemas relacionados con su adicción al LSD, esto que le ocasionó problemas mentales severos; eso inspiró justamente a Parsons y a quien asumió el papel de líder desde entonces, Roger Waters, a explorar temáticas mucho muy oscuras (por ello el título del disco) para realizar un trabajo de diez tracks que hablaban de relaciones en conflicto, la avaricia, la soledad, el significado de la vida y la muerte, el miedo, la vejez y obviamente, los tormentos mentales que sufre alguien adicto, inspirados justamente en los problemas de Barret, de quien por cierto, nunca dejaron de ser amigos pese a su beligerante salida. 

Este disco fue grabado pensando en una futura gira de la agrupación e incluso, varios de los temas que componen el ‘tracklist’, fueron estrenados tiempo antes de la salida del material tocados en directo por la banda. Sin embargo, fue justamente el talento y visión de Waters y Parsons que hicieron que la grabación resultara algo muy innovador para la época: introdujeron ‘loops’ y grabaciones multipista en ciertas canciones, lo que repercutió en un sonido vanguardista y moderno, se dice también que en varias pistas se utilizaron sintetizadores analógicos; pero la introducción de citas filosóficas que se implantan a lo largo de los temas del álbum, así como la interpretación conocida como “no léxica” de la cantante Clare Torry para el tema “The Great Gig In The Sky” y varias novedades a nivel de sonido, fueron creaciones de Alan Parsons. 

El disco sigue siendo uno de los más aclamados por la crítica al paso de los años y es un emblema no solo del rock progresivo, sino de la música. Gracias a este trabajo, muchos artistas incluso actuales, se han inspirado para cimentar su sonido e incluso, carreras completas. “The Dark Side Of The Moon” sigue siendo hasta este momento, uno de los discos elementales para cualquier amante de la música y que las nuevas generaciones, deben conocer como un testimonio de que el arte, no tiene época.

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“Daft Punk” ya no existe


Ismael Ortiz Romero Cuevas

De verdad que no lo esperaba. Ayer lunes me desperté con un emotivo video donde los integrantes del dueto parisino “Daft Punk” anunciaban el fin de este proyecto, que puso al movimiento ‘house’ europeo en la cima durante varios años; 28 para ser precisos. 

En el video de despedida llamado “Epilogue” (Epílogo), donde literalmente uno de los personajes se autodestruye, es una especie de cortometraje que ha dejado sorprendidos a sus fans y al público en general, pero también con sinsabores, pues al parecer, ya no habrá más de esta agrupación hasta que sus integrantes y la disquera, decidan que es momento de un reencuentro; eso es algo que sabemos de antemano sí sucederá porque el detalle de que solo uno se destruyó en el video, deja abierta la posibilidad de una “reconstrucción”; la situación es que no sabemos en cuánto tiempo pase para que eso suceda. 

A estas alturas ya está demás rememorar la carrera del afamado y prestigiado dueto conformado por los robots musicales encarnados por los músicos Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo y como una especie de recordar lo que aportaron a la música, vamos a recordar cinco de sus temas (aunque obviamente tienen más) icónicos, famosos y celebrados: 

1.- “Get Lucky” (con Pharrell Williams y Nile Rodgers)

Compositores: Thomas Bangalter; Guy-Manuel de Homem-Christo; Pharrell Williams y Nile Rodgers

Álbum: Random Access Memory (2013)

Productores: Daft Punk y Pharrell Williams

Discográfica: Sony Music / Columbia Records

“Get Lucky” es sin duda, la canción mejor posicionada del disco más emblemático del dúo francés. Acompañados por Pharrell Williams, este tema es el responsable de que su música se posicionara también en el gusto de las nuevas generaciones que conocieron a “Daft Punk” con este emblemático trabajo. La canción representó también el mejor desempeño del dueto en listas y ventas, pues debutó en la tercera posición de las listas británicas y en el primer puesto en su natal Francia, asimismo, alcanzó la posición número 19 en el chart de ventas Billboard 200, siendo la primera y única vez que un tema de esta agrupación, entraba al top 20 de ventas estadounidense. Por este tema, “Daft Punk” se alzó con los dos premios Grammy más importantes de la noche en el año de su nominación: Grabación del Año y Disco del Año. Sin duda, un tema que ya es histórico. 

2.- “Derezzet”

Compositores: Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo

Álbum: TRON: Legacy – The Complete Edition (Original Motion Picture Soundtrack) (2010)

Productores: Mitchell Leib y Daft Punk

Discográfica: Walt Disney Records

La saga de culto creada por Disney en 1982, “Tron”, debía tener una banda sonora que sonara a vanguardia, y por eso llamaron a “Daft Punk” para que trabajara en ella. Es cierto, “Tron: Legacy” no es la mejor película que hemos visto, pero pasará a la historia por los sorprendentes efectos visuales y sobre todo, por el gran ‘soundtrack’ que la acompañó y que fue creado por el dueto francés. Ha sido tal el reconocimiento de este trabajo que, en 2014, este tema instrumental, único ‘single’ de la banda sonora, fue relanzado con una colaboración del desaparecido Avicii y es reconocido como uno de los trabajos que podríamos considerar de culto de “Daft Punk”. 

3.- “One More Time”

Compositores: Thomas Bangalter; Guy-Manuel de Homem-Christo y Anthony Moore

Álbum: Discovery (2001)

Productores: Daft Punk

Discográfica: EMI / Virgin Records

“One More Time” es el mayor éxito comercial en la carrera de “Daft Punk”. El tema fue el primer ‘single’ de su disco “Discovery” y su entonces casa disquera, la todopoderosa EMI, hizo un cortometraje animado como video clip para su promoción dirigido por el animador y cineasta japonés Kazuhisa Takenouchi, el cual fue un éxito rotundo y colocó a los franceses como una banda no solo vanguardista, sino que sabía los índices de impacto en su público a nivel comercial. Fue tal la preponderancia del video en los amantes del anime y la cultura ‘otaku’ que, en 2003 se realizó la cinta franco-japonesa “Interstella 5555” que es nada menos que la realización visual de “Discovery”. A parte del director del cortometraje “One More Time”, para la cinta “Interstella 5555”, se unió a la realización el reconocido dibujante de manga y anime Leiji Matsumoto. Sin duda, otro trabajo de culto. 

4.- “Instant Crush” (con Julian Casablancas)

Compositores: Thomas Bangalter; Guy-Manuel de Homem-Christo y Julian Casablancas 

Álbum: Random Access Memory (2013)

Productores: Daft Punk

Discográfica: Sony Music / Columbia Records

El cuarto ‘single’ de “Random Access Memories” llegó en noviembre de 2013 y representó otro gran éxito para “Daft Punk”, esta vez, colaborando con el vocalista de “The Strokes”, Julian Casablancas, con quien tenían ya varios años tratando de hacer una colaboración. “Instant Crush” no tuvo el desempeño internacional que alcanzó “Get Lucky”, sin embargo, en algunos países como el nuestro, este ‘track’ resultó más exitoso que el que interpretaron con Pharrell Williams. “Instant Crush” consiguió la cuarta posición en Billboard Hot 100, a diferencia del primer puesto que alcanzó el sencillo debut de este álbum; pero en México, este tema entró directo al top cinco de las listas, siendo hasta la fecha le único tema de “Daft Punk” que ha logrado esa posición en nuestro país. 

5.- “Starboy” (con The Weeknd)

Compositores: Abęl Tesfaye; Guy-Manuel de Homem-Christo; Thomas Bangalter; Martin McKinney y Henry Walter

Álbum: Starboy de The Weeknd (2016)

Productores: Daft Punk; Doc McKinney y Cirkut

Discográfica: Universal Music / Republic Records

Una cosa sucede con el canadiense The Weeknd, o lo amas o lo odias y no por su talento, sino por lo evasivo y hasta insolente que resulta su comportamiento. Sin embargo, en 2016 y para su tercer trabajo de estudio, “Daft Punk” se unió a él e hicieron dos temas para su álbum “Starboy”, sin embargo, la canción que es una crítica a los artistas que llevan una vida sofisticada y luego sufren su soledad, hicieron que muchos vieran a The Weeknd de manera diferente, vamos a decir que parte de la reivindicación a su imagen se la debe al dueto francés gracias a esta emotiva y elegante canción, que es una de las más celebradas para el canadiense. Incluso, la interpretó en el polémico medio tiempo del pasado Super Bowl. Reitero, te puede o no gustar The Weeknd, pero no podemos negar que esta canción en colaboración con los parisinos es arte en todo sentido. 

No sé si estamos listos para la partida de “Daft Punk”, su música y su imagen, sin duda representaron una bocanada de elegancia y vanguardia que tanta falta le hace a la música en estos días. Así, que no nos resta más que decirles a los robots ¡hasta pronto! 

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