Cinco discos en español que cumplen 25 años en 2020


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Como he escrito en espacios anteriores donde menciono discos que cumplen una edad considerable, parece que 1995 pasó apenas. Lo cierto es que un cuarto de siglo ha sido ya ese recorrido y algunos de nosotros, como yo, nos hacemos conscientes de eso cuando escuchamos alguna canción que nos remonta a aquellos años de juventud o bien de infancia. Y aunque pareciera que fueron vivencias de no hace mucho, lo cierto es que 25 años han pasado y hoy, les invito a que recordemos cinco grandes discos en español que cumplen en este 2020, esa edad: 

1.- “Avalancha”

Artista: Héroes del silencio

Productor: Bob Ezrin

Fecha de lanzamiento: 18 de septiembre de 1995

Discográfica: EMI

Este fue el cuarto y último disco de estudio de la banda Héroes del Silencio, y que representó un cambio en su estilo, en sus letras y en su contenido, pues a diferencia de los tres anteriores, aquí hay más profundidad en el contenido de sus canciones mostrando más preocupación por los temas sociales que por la ira adolescente que dominaba en sus trabajos anteriores. Uno de los mensajes que presenta “Avalancha” es la invitación a su público, a gozar de la libertad, a no quedarse callados ante las injusticias y denunciar la opresión en todo sentido. Asimismo, simboliza la madurez de los integrantes de la agrupación española en lo artístico y en lo personal. En esos años, era común que los álbumes musicales llevaran por título el nombre de alguna de las canciones que lo integraban; por ello, “Avalancha” llevaría originalmente por nombre “Babel”, sin embargo, el tema no fue terminado a tiempo por lo que el productor y los ejecutivos de la entonces todopoderosa EMI, decidieron llamarle “Avalancha”. Este disco, se mantuvo en primer lugar de ventas por varias semanas en España e ingresó al top 30 en Alemania. Sin duda, un clásico de la música en español. 

2.- “Laberinto”

Artista: Miguel Bosé

Productores: Ross Cullum y Sandy McLelland

Fecha de lanzamiento: 28 de noviembre de 1995

Discográfica: WEA Intertational

25 años antes de que Miguel Bosé causara polémica por sus declaraciones con respecto al uso del cubre bocas en esta pandemia y por convocar a marchas a donde no llega, de verdad que era uno de los artistas más respetados y vanguardistas de la música en español. En 1995 y como continuación de su aclamado álbum “Bajo el signo de Caín”, Bosé presentó “Laberinto”, un disco que repetía la fórmula de canciones densas, tremendamente largas y con letras que evocaban poesías o cuentos. “Laberinto” sin embargo, no repitió el éxito de su antecesor porque la fórmula ya no resultó tan novedosa, aunque eso no le quita que sea un gran álbum. Por ello y para tratar de reposicionar el material que por cierto, vale mucho la pena, WEA decidió relanzarlo unos meses después de su presentación con una edición de lujo que contenía uno de los mayores éxitos de Miguel Bosé: “Este mundo va”, que ocupó los primeros sitios de popularidad en gran parte de los países de habla hispana y rescató del olvido un material con un gran valor artístico antes que comercial. 

3.- “En éxtasis”

Artista: Thalía

Productores: Óscar López; Emilio Estefan Jr.; Kike Santander y Mario Ruiz

Fecha de lanzamiento: 12 de septiembre de 1995

Discográfica: EMI

La primera colaboración de Thalía con el afamado productor discográfico Emilio Estefan Jr., llegó en 1995, cuando le creó dos temas para el material que presentaba. “En éxtasis” representó para Thalía su ingreso al mercado internacional por la puerta grande, además, cantando temas en español. Es este disco el que contiene el ‘single’ “Piel morena”, que alcanzó la primera posición en listas de popularidad de prácticamente todo el continente y en algunos países de Europa como España, Portugal, Italia y Francia. Este álbum también muestra una madurez de la cantante donde ella explora ritmos como el jazz, el dance, el bolero, el soft-pop y la balada, consolidando a Thalía no solo como una artista tremendamente popular, sino como una cantautora profesional en todo sentido, pues se incluye un tema de su autoría. El disco también cuenta en su ‘tracklist’, con canciones de grandes compositores además de Estefan, como Juan Gabriel; A. B. Quintanilla; Adrián Posse; Gabriela Anders; Paco Navarrete y Viine Buggy entre algunos otros. Este es el disco del antes y después de Thalía. 

4.- “Pies descalzos”

Artista: Shakira 

Productores: Luis Fernando Ochoa y Shakira

Fecha de lanzamiento: 06 de octubre de 1995

Discográfica: Sony Music Latin / Columbia Records Latina

Este es el tercer disco de la colombiana y el primero en lanzarse a nivel internacional con un éxito inusitado. En octubre de 1995 salió a la venta en Colombia y un mes después, estuvo en las estanterías de las tiendas de discos de la época en todo el continente, incluyendo España; eso, después de que Sony Music evaluara si era viable el lanzamiento internacional de la barranquillera, ¿imagínense que hubieran dicho lo contrario? “Pies descalzos” obtuvo comentarios generalmente positivos de los especialistas y fue un gran éxito comercial internacional, pues sus ‘singles’ lograron posicionarse en los primeros sitios de popularidad en todo América Latina y los Estados Unidos, vendiendo en su momento, más de un millón de copias, situando a la artista al nivel de los grandes vendedores de música de esos años como Luis Miguel, Thalía o Yuri. Después de destacar en la lista de Billboard Latin Songs en los Estados Unidos, era inminente el ‘crossover’ de la colombiana. Hasta la fecha, “Pies descalzos” es uno de los discos en español, más vendidos de la historia, pues hasta el día de hoy, reporta más de cinco millones de copias vendidas. El material que marcó el comienzo a nivel internacional de la gran Shakira. 

5.- “El dorado”

Artista: Aterciopelados

Productor: Federico López

Fecha de lanzamiento: 24 de octubre de 1995

Discográfica: BMG Ariola

Uno de los discos más emblemáticos del rock en español de toda la historia de la música es justamente éste, que presentaba esta banda colombiana a mediados de la década de los noventas. La crítica especializada elogiaba esta producción que combina de manera magistral el rock alternativo con ritmos propios del folclor colombiano, así como variaciones muy bien logradas de ‘reggae’, ‘punk’ y rock-pop. El uso del lenguaje y los modismos regionales colombianos plasmados en este material, hacen que no nada más tenga un gran valor artístico, sino también cultural. El gran éxito de “El dorado” se vio reflejado inmediatamente en las altas ventas del álbum, alcanzando el medio millón únicamente en nuestro país y rebasando el millón de copias vendidas en el resto del continente; eso hizo que Aterciopelados, produjeran ediciones especiales para países como México; Brasil; Estados Unidos y Argentina como una especie de agradecimiento. Un disco que es además de todo, histórico. 

Espero que este recorrido musical de álbumes en nuestro idioma les haya hecho pasar un gran momento como a mí, recordar vivencias o descubrir algunos temas que han sido emblemáticos. Y ustedes, ¿qué discos recuerdan que valdría la pena mencionar en este espacio? Mi Twitter: @iorcuevas.

El disco de Mariah Carey que no debió haber existido


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Desde finales de 2019, la cantautora, productora, directora musical y arreglista Mariah Carey anunció que este 2020, sería un año de festividades en grande, pues celebra tres décadas de carrera. Pero como a todos, la pandemia de Covid-19 le tomó por sorpresa y de esa enorme conmemoración que ella y la discográfica Sony Music tenían preparada, poco se pudo hacer, redireccionando muchos planes entre los que se encontraban el lanzamiento de un disco con temas inéditos. 

En mayo pasado, Carey anunciaba que se cumplían 30 años de que su disco debut salió al mercado, uno de los más aclamados en la historia de la música tanto por críticos especialistas como por el público. A partir de ese acontecimiento, la vocalista oriunda de Long Island informó que, pese a la emergencia sanitaria la celebración de esos seis lustros de carrera, no pasarían desapercibidos. Y desde entonces, anunció que saldría a la venta el libro con sus memorias, donde relataría con lujo de detalles su ascenso al estrellato, su complicada vida, sus amores, el boicot por parte de su exmarido y entonces presidente de Sony Music, Tommy Mottola y su impresionante ‘revival’ en 2005. El 29 de septiembre, salió entonces a la venta “The Meaning Of Mariah Carey”, texto que a las pocas semanas de lanzamiento se convirtió en ‘best seller’, ocupando el puesto número uno de la lista que publica el periódico The New York Times. 

Pero también, a finales de julio de este año Mariah anunció en sus redes sociales que una producción discográfica nueva venía en camino y lanzó el primer corte del que sería esa producción: “Save The Day”, un tema con una letra esperanzadora que se apega muy bien a los tiempos que vivimos actualmente. La gran sorpresa, fue que la canción cuenta con la colaboración de la legendaria Lauryn Hill haciendo el ‘sampleo’ del tema “Killing Me Softly” que ella interpretó cuando era la vocalista de The Fugees. El ‘track’ fue ampliamente elogiado por la crítica quienes exaltaban el gran arreglo y la letra de la canción. Poco después, supimos que el nuevo disco de la diva sería un disco doble que representaría un experimento que incluiría algunas canciones que fueron desechadas de sus trabajos anteriores, algunos lados “B” de icónicos ‘singles’ y que no tuvieron ni la mínima difusión, algunos ‘bonus tracks’ de edición limitada y la versión original de “Loverboy” con todo y el ‘sample’ que Tommy Mottola le robó y se lo puso en un tema de Jennifer López; y lo bautizó como “The Rarities”, es decir, las rarezas. 

El disco uno consta de 15 de estos temas que si bien no son inéditos, tienen la cualidad que poseen la calidad y fuerza necesarias para convertirse en ‘singles’; el disco dos del álbum, es una grabación en vivo que corresponde al concierto que la megaestrella dio en 1996, en el Tokio Dome, en Japón y donde se contienen cortes icónicos de la cantante hasta el disco “Daydream”. En el disco uno, es decir, en las rarezas encontramos temas como “Here We Go Around Again”, ‘track’ que fue el primer demo de Mariah o “Can You Here Me”, pieza que Carey compuso junto al legendario Barry Mann para que fuera interpretada por Barbra Streisand y que por cuestiones legales, no sucedió. Se incluyen también “Lullaby Of Birdland”, una pieza clásica del jazz y que Carey interpreta en vivo durante el “Elusive Chantuse Tour” en 2014, así como “Everything Fades Away”, ‘bonus track’ del disco “Music Box” que solo se editó en Europa y Japón y “Slipping Away”, lado “B” del sencillo “Always Be My Baby” y que no tuvo ni una sola oportunidad en la radio entre otros más. El recorrido en “The Rarities” se convierte en un viaje de sonidos que nos remontan a la década de los noventas, pasando por canciones con un corte poderoso de R&B como “Cool On You” que fue descartado para el disco “E=MC2” o la versión acústica de “Close My Eyes”, uno de los temas más personales de la diva; es decir, podemos apreciar de manera detallada la evolución de su estilo musical. 

“The Rarities” se compone en efecto, de esas rarezas musicales que no formaron parte del extenso catálogo oficial de la cantante por alguna razón, y que se convirtieron, algunas en leyendas sobre su existencia o bien, que no se podían escuchar tan fácil por su lanzamiento restringido. Sin embargo, estas piezas hoy integran un disco que está siendo la sensación tanto de plataformas como de ventas, pues esas canciones que no debieron estar en un disco hoy aparecen en uno; es decir, “The Rarities” es un disco que, por su naturaleza, no debió haber existido. 

Carey es también una de las artistas que cuenta no solo con un ejército de fanáticos en todo el mundo, sino también de un gran número de ‘haters’ que critican todo lo que hace, sin embargo, ha sido tal la calidad de este material así como las halagadoras críticas de las que ha sido objeto, que esta vez, se quedaron sin argumentos; demostrando nuevamente, el motivo por el que después de 30 años de carrera, Carey sigue teniendo dominio, sigue siendo influencia y se encuentra completamente vigente en el mercado musical. Mi Twitter: @iorcuevas.

“Beat It” de Michael Jackson y Eddie Van Halen


Ismael Ortiz Romero Cuevas

A todos nos tomó por sorpresa el deceso de Eddie Van Halen el pasado martes 06 de octubre; desde hace relativamente poco tiempo, supimos del padecimiento de cáncer de garganta que el mítico guitarrista padecía y ante el cual, perdió la batalla pese a todas las esperanzas que se tenían en cuanto a su recuperación. Así es, este 2020 se ha estado llevando a personajes emblema en todo sentido. 

Eddie Van Halen es considerado el octavo mejor guitarrista de todos los tiempos por la revista Rolling Stone y su solo de guitarra puesto en la canción “Eruption” es también considerado el segundo mejor en toda la historia de la música y que en vivo, tocaba de espaldas al público para que nadie lo copiara; con este tema en menos de dos minutos, Eddie Van Halen cambió la forma de ejecutar la guitarra para siempre. Su técnica llamada “tapping” ha sido una influencia para muchos músicos y guitarristas contemporáneos, que lo consideran un verdadero maestro del instrumento y un icono no solo del ‘hard rock’ y heavy metal, sino de la música en general. 

Lo paradójico en la carrera de Eddie Van Halen como líder de la banda “Van Halen”, es que para las masas no sea recordado por la forma en como ejecutaba la guitarra en temas como “Panama”; “Dance The Night Away” o “You Really Got Me”, sino por ejecutar el teclado en el single “Jump”, quizá la gran canción de Van Halen por antonomasia. Fue “Jump”, el tema que los hizo dar un mega hit a nivel mundial y ser escuchados en prácticamente cada rincón del planeta. Y así, podemos pasar recapitulando un sinnúmero de grandes ejecuciones del gran Eddie, pero hoy, quiero que recordemos una ejecución por la que Eddie Van Halen pasó por el anonimato, la canción “Beat It” de Michael Jackson. 

Aunque aún para muchos esta resulta una especie de leyenda urbana, resulta que sí sucedió. En pleno proceso de grabación de “Thriller”, el productor de Michael Jackson, Quincy Jones estaba decidido en posicionar de una buena vez a Jackson como una mega estrella de talla mundial. Es sabido también que para ello, el productor convocó a grandes músicos para que colaboraran en el mítico disco por lo que decidió llamar a Eddie Van Halen para que pusiera un ‘riff’ de guitarra a la canción “Beat It” y así, darle un toque más rockero, pasando por alto el estilo pop-funk que tienen la mayoría de los tracks del disco. 

No fue fácil convencer a Eddie Van Halen de que aceptara colaborar en el disco, pues tenía un acuerdo con sus compañeros de la banda, donde nadie de ellos debía aceptar colaboraciones externas, fuera para el artista que fuera, pues querían que el sonido y talento de los músicos fuera una especie producto exclusivo de la agrupación. Pero Quincy Jones estaba decidido que fuera el aclamado guitarrista quien tocara el acorde distintivo del hoy mítico track. 

Después de varias llamadas y negociaciones, Eddie aceptó colaborar en la canción poniendo tres condiciones. La primera: no ser acreditado en ningún sentido en el disco, precisamente por el acuerdo con sus compañeros; la segunda condición: cobrar con cervezas en vez de con efectivo y la tercera y la que se mantiene como un misterio: que Michael Jackson le enseñara a bailar. Al parecer, Quincy Jones aceptó las condiciones de Eddie y a los pocos días de esa “negociación”, el guitarrista se encontraba grabando su parte para el tema. Eddie nunca coincidió cara a cara con Michael, pues ambos grabaron sus partes por separados y se dice, que Eddie en realidad dejó lista su contribución en un promedio de media hora, pues prácticamente, se realizó sin cortes. Lo que no se sabe y ahora, no se sabrá, es si alguna vez las dos leyendas se encontraron para que Michael le enseñara a bailar. 

Así, el disco más vendido de la historia cuenta con la magistral colaboración de Eddie Van Halen, ejecutando esto, dos años antes de que nos pusiera a brincar. Mi Twitter: @iorcuevas. 

Janis Joplin en cinco temas indispensables


Ismael Ortiz Romero Cuevas

No sabía ni cómo comenzar a escribir hoy. Es que poner en tema a la gran Janis Joplin no es nada más hablar de música, sino de todo un movimiento ideológico y cultural. El pasado domingo 04 de octubre, se cumplieron 50 años de la trágica muerte de la idolatrada “Bruja cósmica”; aquella que, con su canto, sus letras y su personalidad representó a la contracultura de la convulsionada década de los sesentas.

De Janis se ha escrito mucho; libros enteros y reportajes extensos, ponderando a la mujer que se atrevió a ser diferente, aquella que le cantó a la desesperación y a la libertad que en esa década era naciente para ellas. Lo mejor es que recordemos a la gran dama blanca del soul, con cinco temas indispensables y representativos de ella: 

1.- “Me And Bobby McGee”

Compositores: Fred Foster y Kris Kristofferson

Productor: Paul A. Rotchild

Álbum: Pearl (1971)

Discográfica: Columbia / Legacy

Las aventuras de un viaje en carretera de dos amigos, o quizá amantes, con poco dinero y un recorrido por emociones y estados de ánimo es lo que narra este tema, quizá uno de los más famosos de la gran Janis. Y aunque mucha gente piensa fue escrito especialmente para ella no es así. La canción se estrenó a finales de los sesentas y es originalmente interpretada por Robert Miller en tono mucho más ‘country’. La hazaña con esta versión de Joplin, es que fue lanzada como ‘single’ del disco póstumo que se comercializó a los tres meses de la defunción de la cantante, y logró mantenerse por dos semanas en la cima del Billboard Hot 100, siendo en ese momento, la segunda vez que eso sucedía. Sin duda, un tema emblemático y de los más conocidos de Joplin. 

2.- “Piece Of My Heart”

Compositores: Bert Berns y Jerry Ragovoy

Productor: John Simon

Álbum: Chip Thrills (1968)

Discográfica: Columbia / Legacy

Esta canción también fue un ‘cover’ que realizó la Big Brother And The Holding Company con la gran Joplin al frente. La versión original se lanzó un año antes, es decir, en 1967 y fue interpretada por Erma Franklin, pero no fue hasta que Janis y la banda hicieron su versión, que se convirtió en un tema emblema de todos los tiempos. La revista Rolling Stone la colocó en el puesto 334 en la lista de las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos; pero en efecto, no fue la versión de Franklin sino la de Janis y la banda la que se encuentra ‘rankeada’ en esa prestigiada lista. Con esta magistral pieza, Janis demuestra que, si alguien nació para hacer transcender al ‘blues’ más allá del dolor y la fiereza, fue justamente ella.

3.- “Work Me, Lord”

Compositor: N. Gravenites

Productor: Gabriel Mekler

Álbum: Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama! (1969)

Discográfica: Columbia / Legacy 

Este disco, quizá el más criticado de Joplin, cierra con esta magistral pieza que se ha ganado un gran lugar entre el público de la “Bruja cósmica”. La crítica y los seguidores acérrimos de la cantante se le fueron encima el año en que este material se publicó por tener más influencias del jazz y blues, que del ‘acid rock’ al que los tenía acostumbrados. Sin embargo, creo que este disco ha envejecido como los grandes, volviéndose algo así como un vino de los mejores. El sonido que Janis maneja en este material, se salía completamente de su estilo y fue poco entendido al finalizar la década de los sesentas, pero ella y la discográfica querían que su carrera saliera de la condición ‘underground’ y evolucionara al trabajo propio de una súper estrella y ese fue otro punto de durísimas críticas, pues esa personalidad de la música un tanto marginada, es lo que hacía que el publico enloqueciera ante Joplin. “Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama!” se convirtió décadas después, en uno de los materiales más aclamados de Janis. 

4.- “Cry Baby”

Compositores: Bert Berns y Jerry Ragovoy

Productor: Paul A. Rotchild

Álbum: Pearl (1971)

Discográfica: Columbia / Legacy

Un ‘track’ que tampoco fue escrito para Janis pero que se identifica plenamente con ella. La canción data de 1963 y fue grabada originalmente por Garnet Mimms, uno de los más influyentes cantantes de ‘blues’ de la historia; sin embargo, también es la versión de Joplin la que es ampliamente reconocida en el mundo. “Pearl” fue el disco de Janis que se lanzó de manera póstuma y “Cry Baby” también es una de las piezas que se volvió indispensable en el repertorio de éxitos de la cantante y de sus temas más tocados en la radio. Cantantes como Joss Stone o Allison Iraheta han homenajeado a Janis, interpretando este tema. 

5.- “Mercedes Benz”

Compositores: Bob Neuwirth; Michael McClure y Janis Joplin

Productor: Paul A. Rotchild

Álbum: Pearl (1971)

Discográfica: Columbia / Legacy

Esta canción es histórica por varios motivos. El disco “Pearl” como ya dije anteriormente, se publicó de manera póstuma y “Mercedes Benz” fue oficialmente el último ‘single’ de la carrera de Janis. También es histórico porque se sabe, la canción fue escrita junto a los poetas McClure y Neuwirth en una noche de fiesta a las afueras de un bar, tomando de inspiración un poema de McClure que comienza con la primera línea del tema, pero que la demás letra de la canción fue improvisada por los tres y tomaron notas en servilletas. También, según datos del productor Paul A. Rotchild y de los mismos archivos de Sony Music, se sabe que este tema fue grabado el 01 de octubre de 1970, es decir, tres días antes de la muerte de Joplin; por eso, fue dejado en una especie de interpretación a ‘capella’ en homenaje. Sí, como ven, es un tema histórico por todos lados. 

50 años de la muerte de Joplin no se pueden pasar desapercibidos. Alguien que con solo cuatro discos editados, logró tener una influencia sin precedentes en la cultura del mundo. Por eso, Janis Joplin, la “Bruja cósmica”, será eterna. Mi Twitter: @iorcuevas.

Julio Iglesias: Una leyenda que llega a los 77 años


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ayer, 23 de septiembre fue el cumpleaños número 77 de una de las más grandes figuras de la música en el mundo: el gran Julio Iglesias. Reconocido como el artista europeo más exitosos de todos los tiempos y el cantante hispano con más discos vendidos y en más idiomas, la carrera de Julio ha sido enmarcada por el éxito y el buen gusto. 

La música de Julio se ha escuchado en idiomas tan populares como el español, inglés o ruso y algunos otros con menos hablantes como el sueco o el alemán, y en donde todos, han sido un éxito. El ‘feeling’ del español al interpretar sus canciones, es además uno de los estilos más reconocidos y aplaudidos en el planeta, pues su pose de galante y vestimenta de hombre de mundo, lo han hecho conquistar todo tipo de mercados y posicionarse como uno de los más grandes artistas que ha pisado el orbe. Y como es digno de celebrar los 77 años de vida de un icono de la música como él, aquí les invito a que recordemos cinco de los grandes éxitos mundiales del inigualable Julio Iglesias: 

1.- “Crazy”

Autor: Willie Nelson

Productor: Albert Hammond

Álbum: Crazy (1994)

Discográfica: Columbia Records

En 1994, Julio Iglesias presentaba su vigésima primera grabación y la cuarta en inglés, donde presentaba un estilo tremendamente elegante y con compositores que hacían resaltar el estilo único de Julio. El primer ‘single’ de nombre “Crazy”, es un tema que hasta la fecha, es todo un himno del romanticismo y la sensualidad, que se antoja escuchar a la luz de las velas y con la persona amada. Tanto el disco como la canción tuvieron un gran éxito en el mundo entero en el año de su publicación, colocando el tema como un éxito en el selecto mercado de Julio, pero además, logrando altas ventas en países como Nueva Zelanda; Estados Unidos; Países Bajos; Alemania; Reino Unido; Dinamarca o Canadá donde alcanzó múltiples discos de platino, sin olvidar mencionar a México y Brasil donde Julio es un gran consentido del público y representó también ventas de millones de copias. “Crazy”, es un tema obligatorio para todo romance. 

2.- “All Of You” (Dueto con Diana Ross)

Autores: Cynthia Weil y Tony Renis

Productor: Richard Perry

Álbum: 1100 Bel Air Place (1984)

Discográfica: CBS 

En la década de los ochenta, Julio ya gozaba de un reconocimiento internacional y se encontraba dispuesto a conquistar el mercado estadounidense, para ello, comenzó a aprender inglés y el lanzamiento de su primer disco en ese idioma, llegó en 1984 cuando lanzó “1100 Bel Air Place”, que también incluía colaboraciones con Willie Nelson y The Beach Boys. La grabación de este tema con la gran Diana Ross, representó un gran salto en la carrera de Julio, que aunque ya contaba con un alto nivel de prominencia en el mercado mundial, este track simbolizó su ingreso a las grandes ligas en todo lo alto. Un tema icónico del pop a nivel mundial y reconocido como una de las mejores grabaciones de Julio. 

3.- How Can You Mend A Broken Heart?

Autores: Barry y Robin Gibb

Productores: Albert Hammond y Robbie Buchanan 

Álbum: Romantic Classics (2006)

Discográfica: Columbia Records / Burgundy

El álbum “Romantic Classics” exalta en todo su esplendor el estilo y ‘feeling’ del gran Julio Iglesias, quien ponía de manifiesto que cualquier tema a su modo, se convertía en un canto a la sensualidad y a la “cachondería”. Este disco contiene temas emblemáticos de las décadas de los sesenta, setenta y ochenta, pero que las arreglaron al más puro estilo de Julio y lo hicieron lucir simplemente espectacular. “How Can You Mend A Broken Heart?”, un tema clásico de los Bee Gees, fue lanzado como segundo corte de “Romantic Classics” y fue un éxito rotundo en gran parte del mundo, pues Iglesias hizo que su manera de interpretarlo se antepusiera a la versión original, adaptándolo de manera prodigiosa. Para bailar de cachetito. 

4.- “Caballo viejo / Bamboleo”

Autores: Jahlul Bouchikhi; Nicolás Reyes; Ramón Arcusa; Simón Díaz y Tonino Baliardo

Productor: Ramón Arcusa 

Álbum: Raíces (1989)

Discográfica: Columbia Records

A finales de los ochenta, Julio se atrevió a realizar un experimento estupendo y para ello, lanzó el disco “Raíces”, que contenía una colección de temas románticos de diferentes países. Los ‘tracks’ son presentados como una especie de ‘midleys’, conteniendo solamente seis pero que llevan por nombre: “Latino”; “México”; “Brasil”; “Italia;”; y “Francia” y cada uno de estos se componía de cuatro o cinco canciones emblemáticas de cada país, donde además, Iglesias se lució cantando en idiomas como francés, italiano y portugués. La situación es que cada uno de los temas presentados como canciones, sobrepasaba los seis o siete minutos de duración, cosa que comercialmente, sobre todo con las radiodifusoras de la época, no era viable para su programación; entonces al productor se le ocurrió versionar y fusionar la canción “Caballo viejo” y “Bamboleo” en un solo track para no romper con el estilo y lanzarla como primer y único ‘single’; con una duración de cuatro y medio minutos aproximadamente, le daba oportunidad de ser programada en radio y comercializar el disco. Esta versión de Julio fue un gran éxito en todo el mundo y en el video oficial de la canción, aparece nada menos que con Brooke Shields. 

5.- “Summer Wind” (Dueto con Frank Sinatra)

Autores: Johnny Mercer y Heinz Meier

Productor: Nelson Riddle

Álbum: Duets de Frank Sinatra (1993)

Discográfica: Capitol Records

Al final de la carrera de Sinatra, se lanzaron sus dos discos de duetos, mismos que fueron duramente criticados por el ensamble de manera electrónica de las voces tanto de Sinatra como de los cantantes que lo acompañaban. Los críticos se quejaron del que llamaron un disco completamente artificial que carecía de la espontaneidad que se buscaba cuando dos estrellas se reunían en un estudio de grabación. Sin embargo, “Duets” es el disco más exitoso en la carrera de Sinatra, vendiendo tres millones de copias tan solo en los Estados Unidos y siendo el único disco del mítico cantante en lograr el triple platino. Entre los temas que componen “Duets”, se encuentra la versión de “Summer Wind” que interpretó al lado de Julio y que fue un gran éxito en el mercado internacional. 

Los aportes de Julio Iglesias a la música han sido tremendos y es hasta este momento, el cantante hispanoparlante más exitoso de la industria; y aunque estoy consciente de que faltaron más temas emblemáticos del español, que sirva esto para recordarlo al cumplir 77 años de vida. Mi Twitter: @iorcuevas. 

Esperando cantar “Parklife” de nuevo


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Una de las noticias que de verdad me emocionó este fin de semana, fue leer en la revista “Music Week” que Damon Albarn, líder de la banda “Blur” y que nos emocionó a todos en la década de los 90, está pensando en hacer un rencuentro con sus compañeros para poder cantar de nueva cuenta sus éxitos. Y aunque no confirmó ni desmintió nada, esa sola declaración, hizo que los más fervientes seguidores de a la agrupación emblema del ‘brit pop’, tuvieran una pequeña luz de esperanza.  

Los seguidores de la música de esta agrupación, tiene muy clara la primavera del 2015, cuando después de tantos rumores, “Blur” lanzaba al mercado su álbum de rencuentro, “The Magic Whip” y el planeta entero se detuvo a deleitarse con el nuevo material que Damon Albarn; Graham Coxon; Dave Rowntree y Alex James nos entregaban y en el que se encontraban juntos en una grabación, desde el disco “13” en 1999. Con esa placa, todos quienes han sido seguidores de la banda, se regocijaron con el álbum que representó conciertos y una presentación en ‘petit comité’ para 300 seguidores seleccionados mediante un concurso. Fue un rencuentro emocionante. 

En la nueva entrevista que Albarn concedió el pasado 16 de septiembre al portal especializado “Music Week”, comentó que es muy probable, sin confirmar, que la reunión se lleve a cabo y que sería en cuanto lo permita la emergencia sanitaria mundial; pero no para grabar un nuevo material discográfico. Según sus propias palabras y en respuesta a pregunta expresa sobre si pensaba que la reunión de 2015 era la última del grupo, dijo: “Espero que esa no sea la última. Espero poder reunirme con los demás miembros para realizar un concierto, no es algo que esté sucediendo en este momento, pero me encanta hacer este tipo de presentaciones”. “Si nos reunimos”, agregó, “sería solo porque es un placer absoluto hacerlo, no veo la hora de poder cantar “Parklife” con ellos de nuevo.”

Sin duda, “Blur” ha sido una banda que marcó el gusto de muchos adolescentes que vibraban con ellos en la década de los noventa. Primero, porque fueron los pioneros en un movimiento de música que después fue mejor recibido; de hecho, ellos llegaron primero al ‘brit pop’ que “Oasis”. El sonido característico, así como las letras que mostraban como parte de la ira adolescente enmarcada en el viejo continente, los llevaron a ser referente en todo sentido. Cuando en 1999, el movimiento del pop británico iba de salida, dieron un salto al sonido pop-rock alternativo, causando la ira de muchos fans, pero también el reconocimiento de muchos otros, asimismo, las palmas de la crítica especializada que encontraba en el disco “13” una evolución en el sonido y la madurez en sus letras, que comenzaban a ser mucho más oscuras y profundas. 

La influencia de “Blur” en la historia moderna de la música es innegable, y pese a que como en todas las agrupaciones de este tipo, lidiar con temperamentos es algo común, la música y sobre todo, el saber que son unas figuras clave en el desarrollo del pop a nivel mundial ha hecho que Albarn y Coxon, olviden sus diferencias y se reúnan para complacer a su séquito de seguidores. De concretarse esta reunión que comentó Damon, sería la tercera vez que se haga desde su separación oficial. 

La música de “Blur” es siempre, un respiro del sonido comercial que ha imperado desde siempre en el mercado musical y es también, asomarse a un viaje musical artístico, rebelde y exuberante, que nos hace delirar cada que recordamos piezas como “Song 2”; “Coffee And TV”; “Tender” o “The Universal”. Con ansias muchos, esperamos que la nueva reunión de “Blur”, se concrete. Mi Twitter: @iorcuevas.