¿El triunfo del reguetón?

Carlo D. Aguilar Chiñas

Al abrir la plataforma de Spotify hoy 06 de octubre de 2021, aparece en los nuevos lanzamientos: Lo Siento BB:/ (whit Bad Bunny y Julieta Venegas), esto seguramente porque el algoritmo conoce que este género de música no me es intrascendente, y de vez en cuando es necesario un “perreo para llegar al subsuelo”. Lo que llamó mi atención fue que se me hizo extraña esta colaboración, si regresamos en el tiempo los inicios de Julieta Venegas con el disco “Aquí” lanzado el 25 de marzo de 1997 (Recordando que Julieta tiene 50 años), con su canción “De mis pasos” que la empezó a posicionar el mundo musical del pop latino.

Algunas de las colaboraciones musicales de Julieta son con: Los de abajo interpretando SKA, Cartel de Santa con Hip-hop/rap, La Sonora Santanera y la música tropical mexicana, Bronco cantando música regional mexicana grupera, Andrés Calamaro, Mercedes Sosa, El Buki y Miguel Bosé.

Al recordar con quien ha cantado “Chulieta me Niegas” como le decían en un programa de Telehit y de Exa FM donde el hijo del “Caballo Rojas”, Beto, era coconductor, vino a mi mente uno de los momentos cúspides de la época de mi prepa, los premios “MTV LA 2006”, la primera gala de estos reconocimientos que se celebraba  fuera de Estados unidos.

La ceremonia fue presentada por Molotov y Ana de la Reguera, la participación musical principal estuvo a cargo de Shakira interpretando “No”, inmediatamente cambiaron de escenario entrelazando las canciones y continuaron Kinky y Julieta cantando a dueto “A dónde van los muertos” y “Me voy”, se les unió haciendo una entrada sorpresa el Big Boos, Dady Yankee,  fue mi primer recuerdo de Julieta cantando reguetón. De eso ya pasaron 15 años.

El primer sencillo de Dady Yankee que lo catapultó a la fama fue “Gasolina”, escrita en 2001, grabada en 2002 y publicada en 2004, logró ser la primer canción urbana nominada a los Premios Grammy, este año 2021 la revista Rolling Stone ubicó esta canción en el número 50 de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. 

Hace 10 años en junio de 2011 el canal 22 con su programa “Esquizofrenia” en su capítulo Hipstertitlan y otras comarcas, describe el fenómeno del reguetón como la antítesis del ‘hipster’, mencionando que el reguetón proviene de los barrios marginados o populares, pero que empieza a existir un reguetón fresa, es decir en la colonia Condesa y la Roma ya se podía ir a bailar reguetón en los cirulos sociales mejor posicionados.

El reguetón cumple 20 años y sigue posicionado con sus variantes y sub variantes, pero continúa lanzando nuevos éxitos, lo cual nos lleva a la pregunta inicial, es este el Triunfo del reguetón si en sus filas han caído grandes intérpretes de otros géneros que nunca hubiéramos pensado como:

•          Madonna, Maluma – Medellín.

•          Shakira, Maluma – Clandestino.

•          Alejandro Sanz, Nicky Jam – Back In The City.

•          Luis Fonsi – Despacito ft. Daddy Yankee.        

•          Sebastián Yatra – Runaway ft. Jonas Brothers.         

•          Maná & Nicky Jam – De pies a Cabeza.          

•          BAD BUNNY x DRAKE – MÍA.

•          Ricky Martin – Vente Pa’ Ca ft. Maluma.

•          Banda el Recodo, Las Fresas ft. Wisin.

Abur…

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“Nevermind”: 30 años de que un aroma, se convirtió en el icono del espíritu adolescente

Ismael Ortiz Romero Cuevas

El pasado 24 de septiembre, se cumplieron tres décadas del lanzamiento del disco que quizá es el más influyente del último medio siglo: “Nevermind”, la obra maestra del entonces recién aparecido grupo, “Nirvana”. Dos años antes, con la salida de su primer álbum llamado “Bleach”, la banda liderada por Kurt Cobain había tenido un debut impresionante en Reino Unido donde fue todo un suceso, pero no en los Estados Unidos, donde prácticamente se considera a “Nevermind” como el debut a gran escala del grupo. 

Pero, rememorar la historia de “Nevermind” ya está demás, porque todos nos la sabemos al revés y al derecho, gracias a que es considerado el estandarte de la generación X y a que ha sido uno de los álbumes de mayor influencia de la década de los noventa, además de que MTV y un sinfín de revistas especializadas en música se han encargado de contárnosla en diversas ocasiones y de maneras distintas. El significado de este material va mucho más allá de ser un simple disco de doce temas, como apareció de manera original; sino que representa pensamientos e ideas de aquella juventud que evolucionaba hacia la modernidad, treinta años atrás. 

En 1991, Michael Jackson presentaba el que quizá fue su último gran álbum llamado “Dangerous” y Madonna era más identificada con la década pasada, pues aún no lanzaba otros grandes emblemas noventeros como “Erotica” y “Bedtime Stories”, y fue entonces que llegó “Nirvana” con “Nevermind”, un disco que contenía temas con un sonido creado a partir de las influencias de Cobain como el grupo “Pixies”, David Bowie o la banda “Kleenex”, así como el ingenio de Dave Grohl y el talento de Krist Novoselic, que resultaba en música novedosa y en letras que enmarcaban perfecto la rebeldía e inconformidad con la que vivían los adolescentes en esos años. 

El pop no tenía propuestas novedosas y el R&B apenas se abriría mercado, por lo que fue el ‘grunge’ el que pasó de inmediato al gusto joven, representando vanguardia no solo en los gustos musicales de la lozanía moderna de inicios de los noventa, sino en la forma de relacionarse y de imponer sus deseos más allá del bienestar común; es decir, la generación X, logró su apogeo escuchando e inspirándose en “Nirvana” y en sus letras que, más que reflexivas resultaban un grito impetuoso de furia y representaban la necesidad de ser tomados más en serio por una sociedad que por costumbre, solía aislar a los adolescentes e imponerles solo el obedecer y ser políticamente correctos. “Nirvana” con “Nevermind” se convirtió en representante de una nueva forma de pensar, de actuar y de entablar relaciones interpersonales de la juventud; es decir, se convirtió en un emblema de esa generación que estaba llena de dudas y ávida de representar un progreso.

La juventud estadounidense es quien tuvo una mayor influencia de parte de los músicos integrantes de la agrupación, pues el estilo de vida que retrataban y criticaban era el que representaba el norteamericano promedio, pero tampoco podemos negar que fue el sonido que caracterizó a esa generación que buscaba de manera desesperada de pertenecer a algo y de identificarse con alguien. Y esa juventud es la que justamente hizo que el ‘grunge’ dejara los círculos ‘underground’ para colocarlo en las listas de popularidad del mundo. 

El año de su publicación, es decir, en 1991, la crítica especializada no fue nada benévola con “Nevermind” pues algunos de esos especialistas lo encontraron poco novedoso y hasta monótono, con letras llenas de inconformidad, de enojo y “con ideas que expresaban solo personas retraídas”, decían algunas de las más severas. Pero fue el tiempo, como siempre, el que lo colocó en un podio de material de culto, siendo considerado en este momento, uno de los mejores discos de toda la historia de la música y símbolo de una progenie. El fenómeno que sucedió con “Nevermind” y con “Nirvana” en ese tiempo, es algo que no se ha repetido en la industria de la música, pues ese éxito es algo que ni ellos mismos pudieron superar, ya que su siguiente álbum llamado “In Utero” no fue recibido ni por el público ni por la crítica como se esperaba, teniendo ventas muchísimo más modestas en comparación de “Nevermind”. 

Este disco de “Nirvana” se ha adjudicado hasta la fecha, ventas de más de 40 millones de unidades, siendo también uno de los más exitosos de la historia, teniendo además un número importante de relanzamientos y ediciones especiales prácticamente por el motivo que sea. Este disco, es no solo emblemático, sino histórico porque representó evolución, modernidad y tuvo esa fiereza con olor a espíritu adolescente que se aderezaba con esa emblemática portada (por la que hoy hay un pleito legal inverosímil), que pedía a gritos que se les tomara en cuenta. 

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México: así nos cantan en el extranjero 

Ismael Ortiz Romero Cuevas

Es 16 de septiembre. Y desde el año pasado, hemos festejado de manera atípica esta fecha por la situación en la que nos obliga a estar la emergencia sanitaria derivada de la Covid-19. Sin embargo, no podemos negar que esta festividad nos pone el espíritu mexicano muy en alto, pues, porque al final de cuentas no podemos negar que todos en este país tenemos alma de mariachi. 

Sin embargo, algo que al menos a mí siempre me ha tenido con cierta incertidumbre, es saber cómo nos ven en el extranjero y si existen canciones que hablen de México que han sido creadas en otros países y resulta que sí, y hoy, les traigo cinco canciones extranjeras, no necesariamente en otro idioma, que hablan de nuestro bello México: 

1.- “Y nos dieron las diez”

Artista: Joaquín Sabina

Álbum: Física y química (1992)

Autor: Joaquín Sabina

Productores: Antonio García de Diego; Pancho Varona y Joaquín Sabina

Discográfica: Sony Music / Ariola Records 

Unos dicen que la canción está situada en uno de los barrios pop más concurridos de Madrid: Malasaña; otros, que el pueblo con mar es nada menos que Puerto Vallarta o Acapulco; lo cierto, es que inspirado en las canciones y en el México que describía José Alfredo Jiménez en sus letras y la forma en como las inmortalizaba Chavela Vargas, una de las musas de Sabina, creó “Y nos dieron las diez”, que es un tema que ha estado asociado con México prácticamente desde su publicación, incluso, el gran Julio Iglesias la incluyó en su último material discográfico llamado “México”, porque al tema, no se le puede quitar la etiqueta de que está ubicado en una de las bellas playas nacionales que también, podrían ser Puerto Escondido o Huatulco. La canción es una de las más escuchadas del maestro Sabina en toda su carrera y en este tiempo, rebasa los 27 millones de reproducciones en Spotify. 

2.- “Baila Morena”

Artista: Julio Iglesias

Álbum: La carretera (1995)

Autores: Roberto Livi y Rafael Ferro

Productor: Ramón Arcusa

Discográfica: Sony Music / Columbia Records

Una manera muy sensual de describir la belleza de la mujer mexicana es este tema del gran Julio Iglesias, cuando en 1995, presentaba su vigésimo séptimo disco llamado “La carretera” que ponía de manifiesto la calidad en las producciones del español, quien alcanzó un gran éxito en el mundo con este álbum. “Baila morena” fue elegido como segundo ‘single’ del material y en el video promocional, aparece la sensual Thalía como la chica a quien le canta. No se puede negar la cercanía que el enorme Julio Iglesias tiene con nuestro país y el cariño que le tiene, por ello en cada uno de sus trabajos, aunque sean en otro idioma, le rinde una especie de homenaje y este ‘track’ es sin duda, uno de los más exitosos y conocidos. 

3.- “México”

Artista: Hombres G

Álbum: Voy a pasármelo bien (1989)

Autores: David Summers y Daniel Mezquita

Productor: Hombres G

Discográfica: Warner Music / DRO East West España

Los españoles ven a México como un lugar donde la fiesta y el color no se acaba. Y eso, pasa en el tema “México” de la banda madrileña, donde narra la emoción y fascinación que ellos sintieron al estar en la ciudad de Monterrey, en nuestro país. Describen los deslumbrantes días de calor, así como la luna, al decir que la noche tiene luz propia; y es tanta la emoción, que el protagonista del tema menciona que tomará tequila para emborracharse por estar en esta tierra. Esta es de las canciones menos conocidas de “Hombres G”, que muy a su estilo, rindieron tributo a nuestro país. 

4.- “Come Fly With Me”

Artistas: Frank Sinatra y Luis Miguel

Álbum: Duets II (1994)

Autores: Jimmy Van Heusen y Sammy Cahn

Productores: Hank Cattaneo; José Quintana; Kiko Cibrián y Phil Ramone

Discográfica: EMI / Capitol Records

La canción no habla precisamente de México, pero sí menciona que uno de los lugares que pisará el protagonista de la canción, en ese vuelo romántico dentro de un avión privado que se hará con el ser amado, es justamente la bahía de Acapulco y versa: “Just say the words and we’ll beat the birds down to Acapulco Bay” (Simplemente dilo y venceremos a los pájaros en una carrera hasta la bahía de Acapulco), lugar de playa que es reconocido mundialmente como un paraíso. Aunque “Come Fly With Me” es uno de los temas más reconocidos de Sinatra, la versión de este tema fue la que se incluyó en el último álbum de estudio de su carrera: “Duets II” y que interpreta al lado del mexicano Luis Miguel, a quien en esos años, le preparaban para una carrera a de dimensiones mundiales, pero que simplemente no quiso comenzar de nuevo, pese a este enorme empujón que significaba el estar dentro del disco de Sinatra. 

5.- “We Turn Red”

Artista: Red Hot Chili Peppers

Álbum: The Getaway (2016)

Autores: Anthony Kiedis; Brian Burton; Chad Smith; Flea y Josh Klinghoffer 

Productor: Danger Mouse 

Discográfica: Warner Music / Warner Bros. Records

En 2016, la banda californiana regresó a los escenarios y como primer ‘single’ de su nuevo material de nombre “The Getaway” presentaron el tema “We Turn Red”, un corte que si bien no habla del todo de nuestro país, sí le rinde homenaje en una emocionante estrofa que dice: “Mexico you are my neighbor. Home of the let’s be braver. Give me all your sick and your tired; races that we admire.” (“México, eres mi vecino. Hogar de los que quieren ser más valientes. Dame a todos tus cansados y enfermos. Las razas que admiramos.”), haciendo referencia a la relación entre México y los Estados Unidos, sobre todo en el tema migratorio, donde nuestros connacionales acuden al país del norte, en busca de un mejor futuro. 

Estos temas sin duda son algunos en los que los artistas extranjeros han rendido una especie de homenaje a nuestro país, que es querido en casi todo el planeta. Sirva esto también para desearles un feliz día de la independencia. 

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Cuando tomaron a Mariah de saco de boxeo

Ismael Ortiz Romero Cuevas

El sábado fue 11 de septiembre, una fecha en que la historia del mundo cambió para siempre por el atentado a las Torres Gemelas que ocupaban el World Trade Center en Nueva York. Pero también, fue la fecha que Virgin Records, sello propiedad de la entonces todopoderosa casa disquera EMI, había señalado con anticipación para el lanzamiento del que sería el nuevo material discográfico y octava grabación de estudio de Mariah Carey, “Glitter”, que sería también el primero con esa empresa discográfica y además, que servía como banda sonora de la primera película protagonizada por Carey que llevó el mismo nombre, producida por dos gigantescos estudios cinematográficos: Columbia Pictures y 20th Century Fox.

El atentado en NY pudo ser el factor principal por el que el que el disco y la película resultaron un fracaso total en críticas y éxito. Pero este día, quiero que nos enfoquemos en el material discográfico, porque al final de cuentas, Mariah es una cantautora y productora, no actriz, y lo de ella, siempre ha sido hacer música; la película sí es un infortunio, pero se ha convertido en esas cintas que son tan malas que se convierten en buenas. La situación es que lo que debió haber sido un lanzamiento fastuoso de un disco del que se tenían grandes expectativas, se tuvo que suspender una semana por los atentados. La cinta por su parte sí fue estrenada ese fin de semana en todo Estados Unidos, pero como era de esperarse, la gente estaba temerosa de salir. 

El álbum “Glitter” fue el primer disco en el que Carey experimentaba con nuevos sonidos y se alejaba casi totalmente de su estilo pop y R&B, ya que se centró en el estilo “post-disco” de inicios de la década de los ochenta, algo que a la prensa especializada no le gustó del todo y lo criticaron con comentarios muy coléricos. Aunado a eso, unos meses antes durante el lanzamiento del ‘lead single’ del disco, el tema “Loverboy”, Mariah se presentó en el programa “Total Request Live” de la cadena MTV, donde tuvo un comportamiento muy extraño y errático; días después, fue internada en una clínica de salud mental donde se le trató un colapso nervioso sin que se dieran a conocer las causas. En nuestro país sobre todo, se dijo que había sido porque Luis Miguel había terminado con ella, pero no fue así, la relación con el mexicano había culminado hacía más de un año y en ese momento, Mariah era novia del beisbolista Derek Jeter; también se dijo que había sido porque “Loverboy” no había alcanzado la cima del Billboard Hot 100, situándose en el segundo puesto siendo esta la primera vez en la carrera de Mariah, que el corte promocional principal de uno de sus discos no lograba la primera posición de la prestigiada lista. 

Fue hasta el año pasado, cuando en medio de la pandemia por la Covid-19 y de manera virtual, Mariah festejó 30 años de carrera y como parte de esa celebración, se lanzó el libro “The Meaning Of Mariah Carey” (sin edición en español), donde se destapa lo que en verdad sucedió ese fatídico día, con ese disco que había sido una especie de mal ‘karma’ para Carey: estaba sufriendo de un boicot por parte de su antigua disquera, Sony Music, de donde aún era presidente su ex esposo, Tommy Mottola, para que “Loverboy” fuera un fracaso. Para ello, orquestaron una especie de veto en la radio, además de que el sello Columbia, antigua casa grabadora de Carey, le robó el ‘sampleo’ del tema “Firecracker” de “Yellow Magic Orchestra” que Mariah había puesto originalmente en “Loverboy” para utilizarlo en el tema “I’m Real” de Jennifer López, todo esto con la anuencia de Mottola, esta acción la obligó a regrabar “Loverboy” en un cortísimo periodo de tiempo para ser lanzado. EMI había ofrecido un contrato por más de 100 millones de dólares a Carey y la presionaba para que el disco, fuera un éxito sin precedentes, pero sin invertir en promoción, de igual manera, su vida personal pendía de un hilo. Por ello, pocos días después de haberse presentado en la mencionada emisión de MTV, Mariah fue ingresada en una clínica por un colapso nervioso y fue, cuando la diagnosticaron con trastorno bipolar. 

El 11 de septiembre de 2001, parecía que no solo se caían las Torres Gemelas, también la carrera de Mariah. La cinta fue un fracaso y el disco, no fue lo que se esperaba, Carey fue despedida de la peor manera por EMI y fue obligada a pedir disculpas públicas por el desastre del proyecto con el que se tenían las expectativas puestas hasta el cielo. “Pido una disculpa por vender solo tres millones de copias. Parece que para EMI no ha sido suficiente, aún cando hay artistas que no logran vender esa cantidad de discos en toda su carrera” decía la cantautora que se iba por la puerta de atrás del entonces gigante discográfico. La prensa con la autorización de la misma casa disquera, tomaron a Carey como una especie de saco de boxeo para desviar un poquito la atención de las fatídicas noticias del atentado; la gente quería pensar en otra cosa y el distractor perfecto, fue el “fracaso” de la gran Mariah, quien hasta esos años, solo se le conocían éxitos monumentales dentro de la industria. Querían ver caer a la diva.  

Un año más tarde, Mariah firmaría un contrato mucho más modesto con Island Def Jam, sello propiedad de Universal Music y con quien en 2005, tuvo el ‘revival’ más impresionante del que se tenga memoria, presentando “The Emancipation Of Mimi” y demostrando de qué estaba hecha, regresando al número uno del Billboard Hot 100 y vendiendo de nueva cuenta millones de discos en el mundo, demostrando que lo que quisieron hacer con ella y con “Glitter” en realidad fue solo un tropiezo leve en su carrera, por no llegar al número uno, por solo vender tres millones de discos y por no ajustarse a los estereotipos de una cantante de pop de inicios del milenio. En realidad, el fracaso de “Glitter” se debió a que fue lanzado al mercado en la fecha equivocada: 11 de septiembre de 2001. 

Y nuevamente es el tiempo el que pone en su sitio las cosas y sus situaciones. En 2018, en redes sociales comenzó un movimiento orquestado por los fans de Carey en todo el mundo, llamado: ‘Justice For Glitter’ (justicia para “Glitter”), haciendo que la etiqueta se volviera tendencia por más de una semana en Twitter. Eso, provocó que la cantante comenzara a trabajar en los derechos y convenios con plataformas para ser lanzado. Fueron Apple Music y iTunes los primeros en tener el material dentro de su catálogo en noviembre de 2018, alcanzando en unas pocas horas, el primer lugar de ventas; dos días después apareció en Spotify, donde también el disco se convirtió en uno de los más reproducidos en la plataforma. 

Mariah no incluía ni una sola canción ni referencia a ese álbum en sus presentaciones en vivo, por considerarlo un episodio difícil en su trayectoria, sin embargo y gracias al éxito que obtuvo 17 años después de su lanzamiento, Carey incorporó al repertorio los temas “Loverboy” y “Never Too Far”, agradeciendo el movimiento “Justice For Glitter”. Tras el lanzamiento del disco en plataformas, también la crítica comenzó a revirar, considerándolo ahora, un material vanguardista, cuidadosamente producido y además adelantado a su época, pues las producciones musicales con base en los sonidos de la década de los ochenta, comenzó a ponerse de moda después del 2017. Casi dos décadas después, la misma prensa y críticos que señalaron a “Glitter” como un mal producto, tuvieron que reconocer a Mariah, su creadora, como una verdadera visionaria y al disco, ponerlo en el podio que merece como uno de los más grandes álbumes de la primera década del milenio. Eso sí, ese reconocimiento vino casi dos décadas después. 

Este 11 de septiembre, “Glitter” llegó a los 20 años de existencia de los cuales más de la mitad, se consideró como la vergüenza de Carey, sin embargo, ese tiempo en que estuvo prácticamente en la sombra, lo convirtieron en un disco de culto. 

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Cinco grandes canciones que aparecen en películas de súper héroes

Ismael Ortiz Romero Cuevas

No cabe duda de que, las películas de súper héroes se han adueñado de la taquilla a nivel mundial. Si eres como yo, un ‘friki’ de corazón, seguramente tampoco te importará si la cinta es con personajes de DC o Marvel, lo que nos interesa, es disfrutar de este género cinematográfico que al menos a mí, me hace recordar épocas de mi niñez. 

Las películas de súper héroes, también se han distinguido últimamente, por poseer grandes bandas sonoras, compuestas por respetados y laureados músicos, pero también por revivir canciones de viejas épocas. Y es justamente esas piezas, que hoy quiero que rememoremos y aquí les dejo cinco grandes canciones, que aparecen en películas de súper héroes: 

1.- “Careless Whisper”

Artista: Wham!

Álbum: Make It Big (1984)

Autores: George Michael y Andrew Ridgeley

Productor: George Michael

Discográfica: Sony Music / CBS Records

Aparece en la película: Deadpool (2016)

La genialidad de “Deadpool” es innegable y su humor ácido mucho más. Y parte de ese sentido del humor es que el personaje con todo y lo rudo que es, no deje de ser cursi y meloso y cuando aparece “Careless Whisper” al final de su primera cinta, de la banda británica “Wham” se convierte en un momento hilarante pero muy cautivante a la vez, convirtiendo la escena ya en un clásico moderno del cine. No sé ustedes, pero a mí me parece que la primera cinta es tremendamente superior a la secuela que, aunque no deja de ser genial, no tiene ese encanto de la primera, que nos hace disfrutar mucho al paso de los años aunque la hayamos visto cien veces. 

2.- “Escape (The Piña Colada Song)”

Artista: Rupert Holms

Álbum: Partners In Crime (1979)

Autor: Rupert Holmes

Productores: Rupert Holmes y Jim Boyer

Discográfica: PolyGram / Geffen Records

Aparece en la película: Guardianes de la galaxia Vol. 1 (2014)

“Guardianes de la galaxia” es una película que no tiene desperdicio en ninguna parte. La trama es emocionante, el elenco es perfecto, la acción es interminable, los efectos especiales hicieron que se nos volara la cabeza, la partitura es magistral y la selección de temas que integran el casete de Peter Quill, alias Starlord (Chris Pratt) llamado “Awesome Mix Vol. 1” son simplemente una joya. Las canciones clásicas que aparecen, hicieron que el disco que las contiene, se convirtiera en el ‘soundtrack’ y disco recopilatorio más vendido de los últimos años; y una de las canciones que aparecen dentro de la cinta es justamente “Escape (The Piña Colada Song)”, que es un clásico de la música y ha sido puesto en un sinfín de películas, pues hasta “Shrek” la utilizó, pero fue la cinta de los forajidos galácticos, la que logró que este tema original de Rupert Holmes, tuviera un ‘revival’ monumental. ¿A poco no es una rolototota?

3.- “The Times They Are A-Changin”

Artista: Bob Dylan

Álbum: The Times They Are A-Changin (1964)

Autor y productor: Bob Dylan

Discográfica: Warner Music / Reprise Records

Aparece en la película: “Watchmen” (2009)

La película “Watchmen”, que en México se conoció como “Los vigilantes” nos regaló varios momentos épicos del cine de súper héroes y dio perspectiva para que se creara el estilo del DCEU, que hoy son algo así como películas de culto. Y es que Zack Snyder, el director de ambos proyectos, no es un cineasta a quien le agranden las historias simples y las lleva a la pantalla grandes aunque muchas veces son incomprendidas en un primer momento, porque justamente lo mismo que con el DCEU, le pasó con “Watchmen”, que el año de su estreno causó poco interés y fuera vapuleada por la crítica, pero que al paso de los años, sea reconocida como una de las mejores películas de súper héroes que se ha filmado, no solo por su excelente producción inspirada en el cine negro de los cuarentas, sino por su fidelidad a la novela gráfica. Y la secuencia de entrada es uno de esos grandes momentos de la cinta, que además es aderezada por la pieza “The Times They Are A-Changin”, original del hoy ganador de Premio Nobel de Literatura, Bob Dylan. 

4.- “Distant Sky”

Artista: Nick Cave & The Bad Seeds

Álbum: Skeleton Tree (2016)

Autor y productor: Nick Cave

Discográfica: Bad Seed LTD. (Independiente)

Aparece en la película: “Liga de la justicia corte de Zack Snyder” (2021)

Mientras Lois Lane (Amy Adams) trata de seguir la vida sin Clark Kent / Superman (Henry Cavill), visita el monumento a los caídos donde se honra también al hombre de acero. Y en ese acto, a parte de ver un ‘cameo’ del director Zack Snyder, escuchamos que suena esta melancólica pieza de Nick Cave y que enmarca de una manera inigualable la escena. “Liga de la justicia corte de Zack Snyder”, es una cinta que se estrenó gracias a los fanáticos de estos personajes y que querían ver la pieza que ideó el director para el grupo de súper héroes más grandes de la historia y aunque en cierto modo, cuenta con mucha y potente acción, el tono en general de esta película de más de cuatro horas de duración, es justamente la melancolía y la desesperanza, resultando en todos los sentidos, en una de las más eminentes películas del género que se conozca. ¿Por qué demonios Warner Brothers pensó que esta cinta no sería genial, dejando que se estrenara esa porquería que re filmó Joss Whedon en 2017? Hasta ahorita, solo ellos saben. La briosa partitura creada por Hans Zimmer y Junkie XL es una verdadera maravilla que aderezada con las canciones que suenan a lo largo de la cinta, hacen una combinación portentosa. Escuchen esta pieza y díganme si no.  

5.- “Something In The Way”

Artista: Nirvana

Álbum: Nevermind (1991)

Autores: Dave Grohl; Krist Novoselic y Kurt Cobain

Productores: Nirvana y Butch Big

Discográfica: PolyGram / Geffen Records

Aparece en la película: Avance de “The Batman” (2020)

No hemos visto más de “The Batman” que será dirigida por el genial Matt Reeves y protagonizada por Robert Pattinson, que el avance que, sin duda nos dejó queriendo más. Hace poco hubo una proyección de prueba para ejecutivos, clientes del estudio y algunos críticos reconocidos, filtrando que habían presenciado una pieza del séptimo arte espectacular del género. En el avance, podemos ver violencia, influencias también del cine ‘noir’ y la gran guinda, que suena el estupendo y clásico tema de “Nirvana”, “Something In The Way”, que nos deja queriendo mucho más de la nueva historia del encapotado de Ciudad Gótica en el cine. 

Las películas de súper héroes nos regalan momentos intensos y épicos. Y las grandes canciones, se han vuelto un distintivo de este género. Qué buen pretexto para ver una de estas cintas, ahora que está cerca el fin de semana. 

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ABBA regresa y el mundo, se pone feliz

Ismael Ortiz Romero Cuevas

Desde el fin de semana pasado, no se habla de otra cosa en prácticamente todos los espacios de los medios de comunicación que del regreso de ABBA, el grupo sueco conformado por Agnetha Fältskog; Björn Ulvaeus; Benny Andersson y Anni-Frid “Frida” Lyngstad, que durante una década (1972-1982), cautivó al mundo con su música y que las iniciales de su nombre, formaron el que quizá es el palíndromo más famoso de la historia junto con “Anita lava la tina”. 

La noticia no solo es sorpresiva, sino que fue recibida con gran beneplácito en el mundo entero, pues el cuarteto aún cuenta con un número de fanáticos que se cuentan por millones en el planeta y siguen estando vigentes después de casi cuatro décadas de su separación, es decir, llevan mucho más tiempo de no estar conformados como grupo que lo que duró su carrera y aún con eso, siguen siendo del gusto popular prácticamente en todas partes. 

Y fue sorpresivo el regreso porque, aunque es muy conocida la historia de su separación, sabemos que Agnetha, la vocalista principal, no culminó en buenos términos su relación ni con la disquera ni con los demás integrantes, por lo que ella había sido la principal causante de que no se diera un reencuentro, mismo que se planeaba desde hace más de 15 años, cuando se presentó la puesta teatral, “Mamma Mia”, que cuenta una historia basada en su música y que después fue una película protagonizada por la mismísima Meryl Streep. La situación es que trabajar en pareja y más en el complicado ambiente del espectáculo, no resulta fácil y menos, cuando cada uno de ellos ya era prácticamente una estrella en lo individual, pues recordemos que Anni-Frid y Benny conformaban una pareja que se comprometieron en 1978, al mismo tiempo en que Agnetha y Björn anunciaban su separación. Y aunque en su momento dijeron que su ruptura como pareja no afectaría la relación ni el trabajo del grupo, se sabe que es en ese punto donde comienza la disolución de ABBA. 

La agrupación sin duda trascendió a todos sus problemas y a su separación, pues dejaron en el mundo un sinnúmero de éxitos inmortales en la música pop y disco, siendo el tema “Dancing Queen” quizá su ‘track’ más emblemático, teniendo otros cortes más como “Fernando”; “Money, Money, Money”; “I Have A Dream”; “Gimme! Gimme! Gimme!”; “Waterloo”; “The Winner Takes It All”; “Knowing Me, Knowing You” o “Chiquitita” por nombrar algunos otros grandes éxitos mundiales, asimismo, durante casi toda su carrera, consiguieron colocar temas en el puesto número uno del “UK Charts Singles”, el prestigioso conteo británico y entrar al top 10 del Billboard Hot 100, siendo “Dancing Queen” su único sencillo en llegar al primer sitio de la lista estadounidense. 

ABBA también se ha distinguido a lo largo de los años, en ser una especie de máquina de hacer dinero. Björn Ulvaeus y Benny Andersson siguen siendo los dueños de los derechos de las canciones y del nombre del grupo, y su disquera, el emblemático e independiente sello sueco Polar Music, vendía los derechos a diferentes casas disqueras en el mundo, así, se negociaba el nuevo álbum de ABBA prácticamente en cada país del mundo donde se editaba y las disqueras que los distribuían eran diferentes, por ejemplo, en México y Estados Unidos sus discos salían con la etiqueta PolyGram, mientras que en España eran Columbia de Sony Music y en Reino Unido se comercializaba bajo el sello EMI y el algunos, bajo sellos y disqueras independientes. Eso hacía que sus ganancias fueran carretonadas de dinero tanto para su casa discográfica como para ellos como integrantes; y esto continuó aún después de su separación. 

Lo que se pueda decir de ABBA, realmente es intrascendente ante la gran noticia de su regreso, algo que pensamos que no sucedería nunca más. Y para asegurarnos de que su regreso es con todo, ya podemos escuchar en prácticamente todas las plataformas digitales sus dos nuevos ‘singles’: “I Still Have Faith In You” y “Don’t Shut Me Down”, que ha entusiasmado al público y a los críticos. Esta noticia, fue una bocanada de aire fresco y de alegría en este tiempo en el que parece, nos estamos acostumbrando a las tragedias, así que es momento de poner una ‘playlist’ del grupo sueco que seguro, hará que nos pongamos de buenas, porque seamos honestos ¿quién no se sabe por lo menos una canción de ABBA?

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