Guillermo del Toro, rumbo al Oscar

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

Estimados lectores, gracias por la espera y por estar al pendiente de este espacio, por motivos de trabajo no pude regresar a escribir en la fecha prometida, pero aquí estoy, más vale tarde que nunca. 

Y sin duda, en este descanso por las navidades, una de las grandes sorpresas fue “Pinocho”, la película ‘stop motion’ que dirigió Guillermo del Toro que resultó no solo un éxito en Netflix, plataforma que al final compró los derechos de distribución, sino que representó también un cúmulo de emociones que fueron el deleite del público. No hay más qué decir, “Pinocho de Guillermo del Toro”, es arte puro y lo demuestran sus 17 años de desarrollo, sus actuaciones de voz, su iluminación y su bellísima banda sonora. 

No fue sorpresa entonces, que en la temporada de premios, que arranca cada año con la entrega de los Globos de Oro, la película resultara ganadora en la categoría de “Mejor película animada” y nominada en la de “Mejor canción” y “Mejor banda sonora”, donde fue derrotada por Justin Huerwitz por la música de la cinta “Babylon” y por “Naatu Naatu” de “RRR” respectivamente; también ganó el Critic Choice Award 2023 en la misma categoría, algo que la pone como una serie contendiente al máximo galardón del cine: el Oscar. 

Considerando no solo las entregas de premios anteriores, sino el trabajo de animación tan detallado en la película de Del Toro, la Academia debería considerar en nominarlo también en la categoría de Mejor Director en conjunto con su co-director Mark Gustafson, pues la tarea realmente magistral de hacer animación a través de títeres resulta tan interesante como la película misma. Esta obra se puede ver en el especial de Netflix llamado “Pinocho de Guillermo del Toro: cine tallado a mano” que resulta también toda una experiencia y seguramente te va a pasar como a mí, que ya de por sí admiraba al gran Memo, ahora lo hago mucho más. 

Y es que la película va más allá de una animación soberbia, la historia de Pinocho que nos cuenta el mexicano dista mucho de la que conocíamos y que nos presentó Disney hace más de ocho décadas. “Pinocho de Guillermo del Toro” además de emotiva es profunda en sus mensajes, dejando de manifiesto que más que una oda a la vida, puede ser también un canto a la muerte, que a su vez, resulta parte de la vida misma, logrando con esto, un desarrollo de personajes colosal, que no nos esperábamos en una historia que la hemos creído de niños por más de ochenta años. Y es que como ya es costumbre del gran Del Toro, el giro argumental de su “Pinocho”, nos deja pensando si realmente es una película infantil o una historia para adultos, pues su argumento combinado con la música hace que nos emocionemos al por mayor. Yo por lo pronto, terminé llorando de la emoción y de apreciar la belleza que imprimen los directores en una cinta de animación que resulta nada convencional. 

Estoy seguro al igual que varios especialistas que Del Toro alzará la estatuilla del Oscar a “Mejor película de animación”, pero también cuenta con todos los elementos para llevarse la de Mejor Director, aunque la competencia en esta, sí la tendrá difícil, sobre todo porque ella seguramente también estarán Steven Spielberg compitiendo por la cinta “Los Fabelman” y James Cameron por “Avatar: el legado del agua”, siendo ellos, los dos favoritos. Ahora no nos queda más que esperar para que eso se haga realidad, pero mientras lo hacemos, no dejemos de disfrutar “Pinocho de Guillermo del Toro” en Netflix. 

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El posible regreso de Harry Potter al cine

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

Ayer lunes, comenzó a circular con insistencia un rumor en las redes sociales. Y ese supuesto, planteaba que los nuevos ejecutivos de Warner-Discovery, planeaban el regreso de los personajes de la saga principal de la franquicia de “Harry Potter” a la gran pantalla y se decía también que la historia que traería de vuelta al entrañable personaje sería nada menos que “Harry Potter y el legado maldito”, drama que fue concebido originalmente como obra de teatro. 

Y ese plan en no sería extraño, pues como sabemos, la franquicia de “Animales fantásticos” que es parte de ese mismo universo, funcionó poco en el cine, fue un fracaso en críticas y no representó grandes ganancias en la taquilla, a pesar de que la misma J. K. Rowling fue quien escribió el guion para la trilogía (“Animales fantásticos y dónde encontrarlos”, “Los crímenes de Grindelwald” y “Los secretos de Dumbledore”) y  David Yates, el mismo director de las últimas películas de Harry Potter quien las realizó, sin embargo, eso no fue suficiente para que el público aceptara con entusiasmo las aventuras de Newt Scamander (Eddie Redmayne) y sus criaturas. Fue más la inversión que hizo el estudio en producir estas películas que lo que recuperó, por ello, el fin de semana pasado, la nueva administración de Warner Bros., anunció que esta saga quedaba oficialmente cancelada. 

Pero si algo saben tanto el estudio como la autora, es que la franquicia podría aún representar grandes ganancias y además, el público agradecería de manera prácticamente indiscutible el que Harry y sus amigos, retornen en una nueva cinta, pues finalmente, hay una generación completa que creció leyendo las novelas y luego, viendo las películas, por lo que se estaría vaticinando prácticamente un éxito asegurado, pues se sabe, el público que evolucionó con esta saga cinematográfica, estaría gustosa de regresar a ver a los personajes al cine y ahora, mostrar el motivo a la nueva generación de su éxito y aceptación. 

Ante tales proyecciones, el nuevo CEO de Warner Bros. – Discovery, David Zaslav, ha afirmado desde que asumió el mandato del todopoderoso estudio, que saben que Harry Potter es sinónimo de éxito por el amor que los fanáticos le profesan al personaje, y que están dispuestos a continuar con sus historias, aunque no sea con “Animales fantásticos” que no vio gran éxito en la taquilla, además de que estuvo rodeada de complicaciones desde el comienzo, primero, por la situación legal de Johnny Depp (Geller Grindelwald) y que tuvo que ser reemplazado por Mads Mikkelsen en las dos cintas posteriores, luego la pandemia por la Covid-19 y para rematar, la salud mental y comportamiento errático de Ezra Miller (Credence Barebone), uno de sus protagonistas y que puso en riesgo el plan de promoción de la última entrega de esta trilogía. De plano, esta franquicia estuvo llena de dificultades. 

Y por ello, el estudio ha visto en “Harry Potter y el legado maldito” un área de oportunidad interesante, justamente porque esa historia se liga directamente con los libros y las películas que encumbraron ambos formatos y se desarrolla 19 años después de los acontecimientos de “Las reliquias de la muerte”; y es que en ella están los personajes de los que el público tiene referencias, la historia es conocida por prácticamente todo el mundo y es bien sabido, por el éxito de la puesta teatral en Londres y Broadway, que tendrían casi garantizado un triunfo de taquilla y ganancias aseguradas. Sin embargo, aún hay un pequeño paso que dar, convencer a J. K. Rowling de que venda los derechos de “…el legado maldito” para cine, pues la autora en realidad tenía puestas todas sus esperanzas en la saga de “Animales fantásticos”. Sin embargo, la relación de negocios entre Rowling y Warner siempre llega a buen puerto pues han tenido esa reciprocidad por más de dos décadas y el estudio sabe, que Rowling no está peleada con el dinero. 

La esperanza de poder ver en el celuloide la historia que fue concebida originalmente para teatro, ha emocionado a los fanáticos más fieles de la historia, quienes ya inundan las redes sociales, presionando a Warner para que haga realidad este rumor que comenzó a circular ayer con fuerza. Y sí, ojalá pronto veamos esta gran historia en el cine. 

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Regresa Cavill como Superman

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

El pasado fin de semana, se estrenó la nueva película de DC Films y Warner Bros., “Black Adam”, protagonizada por Dwayne “The Rock” Johnson, Pierce Brosnan, Aldis Hodge y Noah Centineo entre algunos actores más y como era de esperarse, este lanzamiento estuvo lleno de polémicas por lo contradictorio de las críticas en páginas especializada, pues mientras MetaCritic la calificó con un 4.1/5 e IMDb con 7.1/10, Rotten Tomatoes la estimó con 39% de aprobación de parte de los críticos y un 90% por parte de la audiencia, lo que avivó la reyerta sobre que la página de los tomatazos siempre beneficia a la casa Marvel, pues recordaron que los críticos que opinan en ese portal han dado excelente puntuación a producciones que la audiencia ha repudiado, como “She-Hulk” con un 85% de comentarios positivos contra 34% del público o “Capitana Marvel” con 79% de especialistas en contraste con un 45% del público. 

Pero sin duda, la polémica en ese sentido no fue todo lo que acompañó a esta súper producción del universo DC, sino que fue la escena post créditos que tuvo una sorpresa, que en realidad era un secreto a voces: el regreso de Henry Cavill como Superman a las producciones de la casa Warner. Como sabíamos, la pasada administración del gigantesco estudio, desechó por completo el universo creado por Zack Snyder y despidió a gran parte del elenco que el cineasta había contratado para encarnar a los súper héroes, conservando solo a Gal Gadot como la Mujer Maravilla, a Margot Robbie como Harley Quinn, a Ezra Miller como The Flash (que hoy se tambalea) y a Jason Momoa como Aquaman. Ben Affleck anunció su retiro como Batman a inicios de 2018 y el estudio anunció que había despedido a Henry Cavill como Superman a principios de 2019, poco antes del estreno de “¡Shazam!”, además de la escandalosa y polémica renuncia de Ray Fisher como Cyborg, después de los malos tratos que sufrió por parte de Joss Whedon en los ‘reshots’ de “Liga de la justicia” de 2017; es decir, todo lo que se había concebido en un inicio como un universo extendido y con contenido más adulto (tipo “Game Of Thrones”) prácticamente se daba por terminado. La esperanza se desvaneció por completo, cuando en 2020, Christopher Nolan, uno de los productores ejecutivos de este universo y uno de los más aclamados cineastas de los últimos 20 años, anunciaba su renuncia a Warner Bros. para unirse a Universal Pictures. Es decir, desde 2018, no había manera de que el universo DC, llegara a buen puerto como se había ideado desde el inicio. 

Un ápice de esperanza se dio, cuando en 2020 se anunció que el entonces inexistente corte de Snyder de “Liga de la justicia” llegaría a la plataforma de HBO Max en 2021; sin embargo, no pasó más. AT&T tuvo que vender Warner Bros. a Discovery ese año, para que poco a poco, las peticiones de los fans fueran escuchadas, pues los fervientes seguidores de los más grandes súper héroes de los comics no estaban contentos con el giro que WB le estaba dando a su universo, dándole mucha importancia a súper héroes de apoyo, olvidando a su amada trinidad, además de que planeaban introducir a “Supergirl” y “Batichica” en sustitución de Superman y Batman, no está mal, pero la gente quería ver a los grandes. 

Poco a poco, la petición de los fans está siendo escuchada por los nuevos ejecutivos del estudio. Todo comenzó cuando Jason Momoa anunció en julio pasado en su cuenta de Instagram que Ben Affleck aparecería como Batman en la segunda película de Aquaman, titulada “Aquaman y el reino perdido”. Después de los escándalos provocados por el delicado padecimiento de salud mental de Ezra Miller y el retraso de un año del estreno de “The Flash”, se supo que Andy Muschietti, el director de la cinta se encuentra haciendo ‘reshots’ de la misma y que también Batman interpretado por Ben Affleck tiene gran peso en ellos, no sabemos si quitarán a Batman de Michael Keaton o qué pasará. Se dio a conocer también que Gal Gadot tendrá un cameo como la Mujer Maravilla en la segunda cinta de Shazam y se rumoreaba con insistencia que Henry Cavill estaría en la cinta “Black Adam”. El estudio lo negó, el actor lo calló, “The Rock” dijo absolutamente nada al respecto, aun cuando Google nos confirmaba en la búsqueda que el Superman de Cavill formaba parte del elenco de la película. Pero lo creímos hasta que lo vimos, porque Warner ha jugado tantas veces con los sentimientos de su público, que el escepticismo ya es la constante; y así fue, Superman apareció y uno que otro aplauso se hizo escuchar en la sala de cine, pues recordemos que los héroes de DC no causan el furor que provocan en los adolescentes las cintas de Marvel. 

Fue hasta ayer lunes por la mañana y después del exitoso estreno de la cinta de uno de los más poderosos villanos del universo DC, que Henry Cavill vía su cuenta de Instagram nos hizo saber de manera oficial, que él está de regreso encarnando a Superman y que grandes cosas están por venir: “Quería esperar hasta el fin de semana a que todos vieran “Black Adam”. Lo que vieron, es una pequeña muestra de lo que está por venir. El amanecer de una esperanza renovada, gracias por su paciencia, les aseguro que será recompensada”, escribió y dijo en un breve video el actor británico. Y la esperanza que representa Superman, está de vuelta en su público, que lo considera la mejor versión en ‘live action’ del hijo de Criptón, que espera la segunda parte de “El hombre de acero” y que ahora sí, el tan ansiado universo extendido DC que sí se plantea en “Black Adam”, sea una realidad. Por el momento, los fans han sido escuchados y Henry Cavill, está oficialmente de vuelta como Superman. 

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Gracias Michael J. Fox por inspirarnos

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

No puedo negar que no me partió el alma ver a Michael J. Fox en la televisión, por el avanzado estado en que se encuentra su padecimiento de parkinson. El pasado sábado 08 de octubre y como gran cierre de la Comic-Con en la ciudad de Nueva York, se realizó el reencuentro de los protagonistas de la icónica trilogía “Volver al futuro”, reuniendo a la dupla protagónica que estoy seguro, superan por mucho a otras como Susan Sarandon y Geena Davis de “Thelma y Louise” o a Han Solo (Harrison Ford) y Chewbacca de “La guerra de las galaxias”.

En la transmisión televisiva se puede apreciar que cuando aparecieron él y Christopher Lloyd, los asistentes al panel de “Volver al futuro” se volcaron en aplausos para los actores, pero sobre todo, por la entereza que mostró J. Fox en su participación que duró aproximadamente una hora. El actor que encarnó al icónico Marty McFly, se mostró optimista, asegurando que su estado de salud es más delicado que antes, que su memoria a corto plazo también está siendo afectada por la enfermedad, pero que siente que el parkinson ha sido más una oportunidad porque le ha dado más de lo que le ha quitado, una de esas cosas es el cariño del público que según sus palabras, cada vez se lo demuestran más. Y mientras el inigualable Michael pronunciaba estas palabras, los espasmos que le provoca su enfermedad eran violentos y difíciles de disimular. Pero eso, no dejó que su ánimo decayera. 

El abrazo de él con Lloyd al inicio del panel no tardó en darle la vuelta al mundo el mismo sábado, cuando se celebró el reencuentro y fue motivo de emoción en todo sentido. Y eso es justamente lo que nos ha inspirado una de las parejas de héroes de acción más emblemáticas del séptimo arte, pues la entrañable amistad del “Doc” con Marty traspasó la pantalla y pareciera que todos los fanáticos del cine y no solo de la película, los sentimos como personas muy cercanas a nuestras vidas. La amistad, la entereza, la fortaleza de carácter, el deseo de seguir adelante, la solidaridad y el apoyo resultaron parte de esa presentación que, sin mencionarse de manera literal, estuvieron presentes en ese apretón que representó lo mejor de la vida no solo para la dupla protagónica, sino para todos sus fanáticos presentes en la NYCC, que ovacionaron de manera frenética ese momento.

Pero Michael J. Fox ha sido una figura que nos ha inspirado a muchos desde el momento que decidió hacer público su padecimiento, en 1998. Cuando eso sucedió, platicó que los primeros síntomas de su enfermedad comenzaron a aparecer en 1990, cuando él tenía apenas 29 años, pues mientras filmaba la película “Doctor Hollywood” notó un extraño espasmo en su dedo meñique de la mano izquierda. No le tomó mucha importancia al principio, pero al ser recurrente decidió ir a revisión. Después de muchos estudios, al año siguiente, cuando Fox apenas tenía 30 años, el diagnóstico se hizo oficial y cayó en una profunda depresión y se refugió en el alcohol, sin embargo, pronto decidió pedir ayuda. Los médicos le dijeron que, cuidándose podía continuar trabajando quizá diez años más, sin embargo, desafiando todo pronóstico continuó actuando con su diagnóstico en secreto; así filmó otras cintas célebres como “Por amor al dinero” (1993), “Mi querido presidente” (1995), “Muertos de miedo” (1995) y “Marcianos al ataque” (1996), así como en la exitosa serie de acción y comedia “Spin City” (1996-2001). 

Después de hacer público su diagnóstico, de haber vencido al alcoholismo derivado de su enfermedad y haber vivido en negación por siete años, Michael J. Fox dispuso establecer una fundación que está dedicada a brindar apoyo a la investigación del parkinson y que hasta 2012, había entregado más de 250 millones de dólares para ese propósito, siendo según la revista “Forbes”, la ONG que más había donado en ese rubro y el segundo mayor donante del continente, solo superada por el gobierno estadounidense. Y por eso creo que el actor canadiense es toda una inspiración, ha visibilizado el padecimiento y ha puesto de manifiesto las necesidades de las personas que viven con la enfermedad, además, porque nunca ha sido una limitante para continuar con su carrera y su vida, escribió un libro exitoso que cuenta su experiencia, además de que ha recibido tres Doctorados Honoris Causa: en marzo de 2010 en Medicina por parte del Instituto Karolinska por sus contribuciones a las investigaciones sobre la enfermedad de parkinson; otro en Leyes por la Universidad de Columbia Británica ese mismo año y en 2012 otro en Derecho por parte del Instituto de Justicia de Columbia Británica en reconocimiento a sus logros como actor, así como por su compromiso para aumentar el financiamiento para la investigación y el conocimiento de la enfermedad de parkinson.

Y así, el gran Michael J. Fox es un actor que es amado por el planeta entero y reconocido por protagonizar una de las trilogías cinematográficas más emblemáticas y amadas del mundo; su fortaleza en su vida personal y su esmero en salir adelante, se vuelven un ejemplo para muchas personas que se, o nos, quejamos de cosas insignificantes. Así, ese abrazo que Christopher Lloyd y J. Fox, se dieron en la NYCC, fue como si todo el mundo lo hubiera acogido con ese cariño. Porque Michael J. Fox, lo merece por inspirarnos. 

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30 años del «error» de Sinéad O’Connor

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

Era un 03 de octubre de 1992, cuando uno de los ‘late night’ más exitosos de los Estados Unidos tenía como invitada a la talentosa cantautora irlandesa, Sinéad O’Connor, que iba a presentar su laureado tercer álbum llamado “Am I Not Your Girl?” y que había tenido un éxito tremendo dos años antes con la canción “Nothing Compares 2 U”, cóver del también cantautor estadounidense Prince, pero además, porque promovía desde su imagen alternativa, la paz, la protesta contra los abusos, los derechos humanos y el feminismo. 

Todo transcurría con normalidad en el programa, hasta llegada la parte final, donde la cantante decidió y eso sí, con la aprobación de la producción y los escritores, interpretar a ‘capella’ y con algunas modificaciones en la letra, el tema “War” original de Bob Marley que, dicho sea de paso, no formaba parte del disco que iba a promocionar y con la que O’Connor tenía preparada una sorpresa. En la parte final de la canción, cuando menciona la frase: “And we know we shall win, as we are confident in the victory of good over evil” (Tenemos la confianza de la victoria del bien sobre el mal) y específicamente cuando pronuncia la palabra “evil”, saca y muestra a la cámara una fotografía del entonces papa Juan Pablo II y la rompe para terminar con la frase: “Fight the real enemy” (lucha contra el verdadero enemigo), en protesta por los abusos sexuales a niños de los que El Vaticano era cómplice. Su actuación culminó con un incómodo silencio y no mereció ningún aplauso de los asistentes.

El programa regresaba para despedirse y Sinéad ya no estaba en esa parte de la emisión. Justo después de esa actuación, la cadena NBC, donde aún es transmitido “Saturday Night Live” (SNL) en lo que llaman su “novena era”, recibió cientos de llamados de la audiencia comentando que se sentían ofendidos por lo que O’Connor acababa de hacer, pero lo que realmente detonó que la NBC ofreciera disculpas de manera pública e iniciara una campaña de mala publicidad hacia Sinéad, fue porque se dice, hubo amenazas por parte de la cúpula de la iglesia católica y los grupos conservadores poderosos que presionaron a la cadena con que si eso no ocurría, sacarían del aire al canal. Por ello, a la siguiente semana el actor Joe Pesci, que presentó el monólogo de apertura, mostró la misma foto del papa diciendo que la había “pegado con cinta adhesiva” y que, si ese acto hubiera sido durante su presentación, “la (a O’Connor) habría abofeteado”. 

Sinéad entonces fue presa que insultos por parte de diversos medios de comunicación estadounidenses; la imagen le dio la vuelta al mundo cuando el internet aún no era masivo, pues se repartieron copias del video a diversas cadenas televisoras del mundo y donde no era transmitido SNL, con la consigna de criticar de manera negativa lo que O’Connor había hecho al aire, varias estaciones de radio se negaron a tocar su música y se organizaban en los Estados Unidos, quema masiva de sus discos y casetes. Esa mala publicidad, ser tildada de “loca”, ser señalada por diversas cadenas de atentar contra los valores cristianos, contra la familia y demás “buenas costumbres”, terminaron por hundir y acabar con la carrera en descomunal ascenso de Sinéad O’Connor que, por cierto, había recibido comentarios halagadores sobre ese nuevo disco que rescataba grandes clásicos de la música en versión ‘jazz’ y que presentó en esa fatídica emisión.

La carrera de Sinéad estaba terminada sobre todo en los Estados Unidos y el resto de nuestro continente por esta acción. El reconocimiento ganado por su anterior álbum, “I Do Not Want What I Haven’t Got”, y las excelentes reseñas que recibió en ese nuevo trabajo “I Am Not Your Girl?”, de nada le sirvieron para levantar las ventas de ese material discográfico, tampoco el Grammy ganado y sobre todo, el reconocimiento de especialistas que siempre había tenido a lo largo de su entonces corta carrera. Todo se fue por la borda, la triunfante carrera de la irlandesa había acabado en esta parte del mundo. 

Aún con eso, siempre hubo una parte de su público que la apoyó y siguió consumiendo su música y sus creaciones. Hubo gente que aplaudió la valentía de la cantautora para rebelarse ante una institución tan poderosa como la iglesia católica y a una empresa televisora de las más influyentes del planeta. Años más tarde se conocería la historia de la cantante, donde se cuenta que ella misma fue una víctima de abuso por parte de integrantes de la iglesia. 

En 1992, los tiempos eran otros y lo que decía y mostraba la televisión era prácticamente la realidad que mucha gente, (porque mucha no), aceptaba; la censura era una acción cotidiana si se atentaba contra los intereses monetarios de las empresas y la violencia contra las mujeres se exponía sin ningún tapujo; algo que afortunadamente se está acabando gracias a las redes sociales. Sin embargo, el daño hecho a Sinéad fue irreparable. Años más tarde, ella se disculpó por el acto y le ofreció esas salvedades también al Papa, argumentando que ahora ella también era una mujer de fe, sin embargo, tampoco pudo levantarse. Ahora, O’Connor sigue siendo una artista con un moderado éxito en Europa y prácticamente inaudible en América, sin embargo, su valiente acto pudo generar mucha conciencia en los jóvenes de aquellos años y que no fue reconocido hasta años más tarde por todos y sobre todo, por gran parte de su público, hoy señores cuarentones o cincuentones que, hace tres décadas, vitorearon en silencio el arrojo de una chica que defendió sus ideales a costa de su carrera.

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Celebrando a Stephen King: cinco de las mejores adaptaciones cinematográficas de su obra

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

Ayer, miércoles 21 de septiembre el afamado y aclamado escritor de novelas generalmente de horror, Stephen King, llegó a los 75 años de existencia. Y aunque los críticos literarios y académicos han desdeñado su obra por considerarla completamente comercial, el éxito de King es innegable y las ganancias por sus obras se cuentan ya por millones de dólares. Asimismo, él es uno de los autores que con más frecuencia ha adaptado el séptimo arte y aunque, en la gran pantalla no todo ha salido bien, sí ha habido versiones que se han llevado reconocimientos y palmas por el tratamiento que se les han dado a esas historias y hoy, como celebración a este autor que nos ha espantado a varias generaciones, les invito a que recordemos cinco de las mejores adaptaciones cinematográficas de novelas de Stephen King, según la crítica:

5.- “Misery” (1990)

Director: Rob Reiner

Protagonistas: James Caan, Kathy Bates, Richard Farnsworth y Lauren Bacall

Productoras: Castle Rock Entertainment y Nelson Entertainment

Distribución: Metro Goldwyn-Mayer / Columbia Pictures

Calificación en IMDb: 7.8/10

Calificación en Rotten Tomatoes: 90%

Disponible en: Amazon Prime Video y Cinépolis Klic

La película que le dio el Oscar y el Globo de Oro como Mejor Actriz a Kathy Bates es justamente “Misery”, pues la intérprete nos brinda una actuación tan grandiosa como espeluznante en su interpretación de Annie Wilkes. La novela de King vio la luz en 1987 y tres años más tarde, Castle Rock Entertainment se hizo con los derechos para la adaptación cinematográfica que, aunque es cardiaca y realmente aterradora, se queda corta a lo que describe King en el libro que por ejemplo nos narra como Annie Wilkes obliga a Paul Sheldon a que tome sus pastillas con agua sucia o que le corta el pie con un hacha y le cauteriza el muñón con un soplete en vez de fracturárselo como en la película. La cinta ha tenido mayor influencia en la cultura popular que el libro y ha sido mencionada en diversas canciones, series y hasta en Los Simpson. “Misery” es una aterradora obra maestra. 

4.- “Carrie” (1976)

Director: Brian de Palma

Protagonistas: Sissy Spacek, Piper Laurie, William Katt, Amy Irving y John Travolta

Productora: Two Pines Entertainment 

Distribución: United Artists

Calificación IMDb: 7.8/10 

Calificación Rotten Tomatoes: 93%

Disponible en: Amazon Prime Video, YouTube Premium y Cinépolis Klic 

“Carrie” fue la primera adaptación de una novela de Stephen King que se hizo para a la gran pantalla y fue todo un éxito en críticas y en la recepción, pues representó grandes ganancias para el desaparecido estudio United Artists. Además, esta película también representa el debut de John Travolta en el mundo del celuloide. Hasta este momento, la mítica escena del baile donde Carrie (Sissy Spacek) es bañada con sangre de cerdo, se encuentra catalogada como una de las más memorables de la historia del cine, pues Brian de Palma, combinó hábilmente las tomas en plano cerrado haciendo énfasis en los gestos, la elegancia de la cámara lenta y esa buena dosis de suspenso que en realidad es un homenaje a Hitchcock, es decir, tan predecible pero imposible de evitar. “Carrie” es un clásico del cine de todos los tiempos. 

3.- “Cuenta conmigo” (1987)

Director: Rob Reiner 

Protagonistas: Wil Wheaton, River Phoenix, Corey Feldman, Jerry O’Connell, Kiefer Sutherland y Richard Dreyfuss

Producción y distribución: Columbia Pictures

Calificación en IMDb: 8.1 /10 

Calificación en Rotten Tomatoes: 93%

Disponible en: Cinépolis Klic 

El martes también hablé de esta película pero por la canción que la acompaña, sin embargo, no podemos negar que la cinta es todo un icono no solo de la década de los ochenta, sino del cine en general. Esta es una historia que se basa en el cuento corto “El cuerpo” de Stephen King, y aunque el escrito tiene un trasfondo más macabro, la película resulta una oda a la amistad y a la solidaridad, siendo una de las cintas mayormente aclamadas por la crítica basada en un relato de nuestro autor homenajeado. Esta es una de las películas más recordadas del desaparecido actor River Phoenix, además de que le valió la nominación al Globo de Oro a Rob Reiner como Mejor Director y la nominación al Oscar para Raynold Gideon y Bruce A. Evans en la categoría de Mejor Guion Adaptado. Una gran película. 

2.- “El resplandor” (1980)

Director: Stanley Kubrick

Protagonistas: Jack Nicholson, Shelley Duvall y Danny Lloyd

Productoras: Warner Bros. Pictures, Hawk Films y Peregrine Productions

Distribución: Warner Bros. Pictures

Calificación IMDb: 8.4/10 

Calificación Rotten Tomatoes: 85%

Disponible en: HBO Max, Cinépolis Klic y YouTube Premium 

Una de las adaptaciones más aclamadas en todos los aspectos, es sin duda “El resplandor”, una película que no solo es pavorosa en su historia, sino que es una belleza visual en todo sentido gracias a la maestría de Kubrick y ¿por qué no decirlo?, por su manía a la simetría, a los planos con una euritmia exacta, a la iluminación como personaje y a los cambios visuales en la pantalla que nos llevan a transiciones de escenas con colores saturados e intensos a iluminadas y con tonos claros. Y aunque la adaptación al cine dista mucho a la historia presentada en la novela, no podemos negar que ha sido todo un referente e influencia de cineastas, que han encontrado en “El resplandor” una pieza digna de estudio, mencionando aparte la desquiciada y maravillosa actuación de Jack Nicholson. Las libertades que el cineasta se tomó en la adaptación de la novela hicieron que King se enemistara con Kubrick de por vida, pues nunca le perdonó que haya omitido elementos clave del libro en la película. 

1.- “Sueño de fuga” o “Cadena perpetua” (1994)

Director: Frank Darabont

Protagonistas: Tim Robbins, Morgan Freeman, Bob Gunton, William Sadler, Clancy Brown, Gil Bellows, Mark Rolston y James Whitmore

Productora: Castle Rock Entertainment

Distribuidora: Warner Bros. Pictures 

Calificación en IMDb: 9.3/10 

Calificación en Rotten Tomatoes: 93%

Disponible en: Netflix, HBO Max, Cinépolis Klic y YouTube Premium

Simplemente una obra maestra. Sin embargo, el año de su estreno en cine resultó ser un rotundo fracaso, pues compitió en la taquilla con cintas como “Forrest Gump” y “Tiempos violentos”, además de que en los años noventa, las tramas con contexto carcelario no eran las más populares que digamos. Sin embargo, fue el tiempo el que puso a esta cinta en el sitio que merece; otro de los factores que se dice fue en parte responsable del fracaso, fue lo confuso de su nombre, pues en inglés lleva el título de “The Shawshank Redemption”, que en realidad no dice mucho de lo que nos ofrece. Fue el formato casero, en su momento en VHS y el DVD, los que ayudaron a que esta gran adaptación tomara el lugar que merece entre el público, que fue el que la colocó en el puesto número uno de la lista realizada por el sitio IMDb de las 250 mejores cintas de la historia, superando a “El padrino”. Esta no es una historia de horror, sino que enaltece el carácter y da una mirada un tanto optimista del drama vivido por Andy (Tim Robbins) y su condena injusta. Basada en la novela corta de King llamada “Rita Hayworth y la redención de Shawshank” publicada en 1982, “Sueño de fuga” obtuvo siete nominaciones al Oscar que incluyeron “Mejor película” y “Mejor actor”, perdiendo absolutamente todas las estatuillas. 

Stephen King es uno de los autores más prolíficos de la literatura y muchas de sus historias, nos han hecho estremecernos del miedo, además de que el cine, ha hecho grandes adaptaciones de su obra. Celebrando los 75 años del autor, hago este simple homenaje, esperando que este fin de semana que se acerca, podamos ver una de estas películas. 

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