¿Por qué Madonna? ¡¿Por qué?!


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Que Madonna haya decidido grabar un dueto con Maluma de verdad que es una tragedia. Cierto, no me gusta el reggeaton aunque luego me tachen de intolerante o de cerrado a algunos género musicales. Pero para todas esas personas que me han dicho eso cuando hablo pestes del reggeaton quiero decirles con todo respeto y cariño que tengo una razón muy válida para que no solo no me guste ese género, sino lo deteste: denigra a las mujeres de una manera como nunca se ha hecho en ningún otro género musical; vamos, ni siquiera aquella mítica canción llamada “Peso sobre peso” de Chava Flores (aquella que reza: “Mira Bartola, ahí te dejo estos dos pesos…”) es tan irreverente con las mujeres como cualquier canción reggeatonera que ahora los millennials andan cantando como si se tratara de algo completamente normal. No es para presumir ni mucho menos, pero en otros ámbitos de mi trabajo, he hecho labor por el respeto a los derechos de las mujeres en todos los sentidos, vamos, me enorgullece decir que fui criado por una madre feminista; entonces, cualquier intento de humillarlas en cualquier sentido no solo se me hace reprobable, sino asqueroso.

Que me guste todo lo que ha hecho Madonna en sus últimos años de carrera, tampoco me ha parecido una gloria, es más, no ha sido ni la sombra de lo que lograba en los años ochentas y noventas con discos gloriosos como “Like A Virgin”; “True Blue”; “Like A Prayer”; “Erotica”; “Bedtime Stories” o “Ray Of Light”; materiales que sin temor a equivocarme marcaron una época y eran vanguardia en todo sentido, había una gran producción detrás, grandes creadores, canciones que verdaderamente eran una pieza de arte y una artista que valía y defendía la controversia que generaba en cada tema; desde hacer pop un tema español y tener a Benicio del Toro de extra en “La isla bonita”, grabar un video completamente desnuda, hacer el amor con un santo de piel negra insinuando que podría ser San Martín de Porres o salir a hacer un espectáculo victoriano sin precedentes con el tema “Vogue” contenido en la banda sonora de “Dick Tracy” en la entrega de premios MTV en 1990, donde en tan solo seis minutos y medio enloqueció y detuvo al mundo, y no lo digo de manera figurada. Solo Madonna tenía licencia de hacerlo, solo ella podía forjar ese tipo de escándalo que nunca puso ni siquiera en duda su arte, su delantera y su concepto. En algún momento, fue simplemente única y por eso se le nombró la reina del pop.

Creo que no va a haber nunca una artista de la talla de Madonna. Siempre evolucionando y marcando pautas. Su cambio de Warner Music a Interscope Records en 2012, significó una caída en la calidad de sus entregas según los críticos, pues fue entonces cuando llevada por la moda, la artista dejó de ser innovadora para realizar trabajos que más bien estaban guiados por el sonido comercial y de moda desde esos años. Y aunque no ha sido un fracaso del todo su paso por ese sello propiedad de Universal Music, la Madonna propositiva, desvergonzada, creadora y poco convencional ha quedado atrás para convertirse en una cantante menos elaborada, quizá para que las nuevas generaciones la entiendan; sin embargo, su público duro, el que siempre la hemos seguido y admirado sí extrañamos sus arriesgadas propuestas que nos sorprendían, a veces las despreciábamos, pero siempre terminábamos reconociendo la calidad de su música.

Hoy, no pretendo decir que lo que ha hecho con Maluma sea malo, simplemente que no concebimos, o al menos yo, que una artista de su tamaño se rinda y se entregue a un ritmo insulso y sin sentido, que sea contaminado por zafiedades como el intento de artista que es el colombiano. Es más, pienso que al menos su público más devoto, le hubiera perdonado más rápido un dueto con Justin Bieber que con Maluma.

Así, que no nos queda de otra más que brindar hoy por temas de Madonna como “Like A Virgin”, “La isla bonita”; “Papa Don’t Preach”; “Express Yourself”; “4 Minutes”; “Music”; o verdaderas piezas de arte como “Vogue”; “Rain”; “Bad Girl”; “Take A Bow”; “Frozen”; o “The Power Of Godbye”. Porque hay mucho, pero mucho más de Madonna que sí vale la pena y mucho que material para desecho. De hecho, pienso que lo único de desecho que ha realizado, es justamente “Medellín”. ¿Por qué nos hiciste esto Madonna? Antes eras ‘chida’.

Cuando Batman se hizo púrpura


Ismael Ortiz Romero Cuevas

El pasado domingo 21 de abril, se cumplieron tres años del fallecimiento de uno de los cantautores más prolíficos de la década de los 80 y 90: Prince. Aquél quien nos dejara patente de su magnífico talento y genialidad en más de 30 álbumes, todos pasando por la sofisticada y compleja forma de componer así como de interpretar del cantante, también famoso por su gran rango vocal.

Sin embargo, permítanme recordarlo hoy con uno de sus discos quizá más criticados, pero que no le quitaban mérito a su inventiva y la forma prodigiosa de componer: la banda sonora de “Batman” de 1989, a propósito también de que este año, la cinta dirigida por Tim Burton llega a las tres décadas de existencia.

El disco llevó por título únicamente “Batman” y contenía nueve temas, todos compuestos por el mismo Prince, excepto uno, llamado “The Arms Of Orion”, que coescribió al lado de Sheena Easton. El material se grabó por un acuerdo entre su casa discográfica de aquél entonces, Warner Bros. Records y WB Pictures, conviniendo con Prince que fuera una banda sonora compuesta e interpretada por un mismo artista en lugar de hacer una especie de recopilatorio o juntar varios cantantes para el contenido. Se dice, que ese álbum lo grabó en menos de tres semanas, recurriendo a composiciones que ya tenía previamente y que solo adaptó para que encajaran en el disco: “Scandalous”; “Electric Chair” y Vicki Waiting”. Asimismo, la discográfica y el estudio cinematográfico, le dieron acceso a diálogos que se contenían en la película sobre todo de El Guasón (Jack Nicholson); Batman / Bruce Wayne (Michael Keaton) y Vicki Vale (Kim Basinger) para que formaran parte de las pistas musicales.

La crítica especialista en el lejano 1989, recibía con comentarios demoledores el trabajo hecho por Prince para la cinta del hombre murciélago, argumentando que el cantante no se alejaba de su estilo rebuscado y que no entendía la oscuridad y seriedad con la que debía ser tratado un héroe como el caballero de la noche. Otros decían que las canciones sonaban demasiado solemnes y elaboradas para una cinta de fantasía y de un personaje sumido en la tragicomedia, quizá esperando que la entrega fuese algo así como un reflejo de la serie de 1966 con Adam West y Burt Ward. Lo cierto es que la crítica (especializada y demás calificativos que evoquen su conocimiento en la materia) nunca entendió el trabajo que Prince presentaba para enmarcar la primera gran súper producción con la que el encapotado de Ciudad Gótica llegaba a las pantallas de cine. Al paso del tiempo, el álbum “Batman”, hecho por Prince, se ha convertido en una especie de pieza de culto y muy complicado de conseguir de manera física. Nuevamente, por eso agradecemos a plataformas como iTunes y Spotify que lo tengan integro en su catálogo y que muchos nostálgicos (como su servidor) o nuevas generaciones tengan senda para escuchar un material que aunque la crítica vapuleó, fue un éxito avasallador entre los fanáticos y además, fue de gran ayuda para promocionar la película, pues ya en esos años, Prince gozaba de una gran reputación como músico, productor, arreglista y cantante, es decir, por eso sabíamos que no iba a poner su nombre en cualquier producto.

“Batman” fue el último disco que Prince grabaría en la década de los ochentas, y es una especie de material conceptual, pues se supone que aunque él interpreta todas las canciones, los vocalistas principales son los personajes protagónicos de la cinta, además de que el narrador es “Gemini”, un alter ego que el cantante presentó para este material, para el cual, se maquillaba con la mitad de la cara pintada de blanco y los labios rojos como El Guasón y la otra mitad con traje negro y el logo amarillo de Batman. La primera pista del disco es el tema “The Future” que acredita como vocalista principal a Batman; sigue “Electric Chair” que menciona a El Guasón como su intérprete; continúa “The Arms Of Orion” a dueto con Sheena Easton (tercer single) y que son Bruce Wayne y Vicki Vale quienes la cantan; prosigue “Partyman”, segundo single del álbum y que interpreta El Guasón; la quinta pista es “Vicki Waiting”, un tema en el que el vocalista principal es Bruce Wayne; continúa “Partyman” que interpreta El Guasón; el track número siete es “Lemon Crush” cantado por Vicki Vale; continúa el cuarto single del álbum y mi tema favorito llamado “Scandalous” mismo que Prince compuso al lado de su padre John L. Nelson y que canta de nueva cuenta el mismo Batman. El disco culmina con “Batdance”, primer single del álbum y tema que junta tanto a Batman, El Guasón, Vicki Vale, Bruce Wayne y a Gemini como narrador, además de samplear el tema compuesto por Neal Hefti para la serie de los sesentas. “Batdance” alcanzó el primer puesto de la lista de Billboard Hot 100 por cuatro semanas; además de que por esta canción, Prince consigue el Grammy en 1990 a la Mejor Interpretación Masculina R&B.

El soundtrack fue incomprendido en su momento y gran parte de la crítica negativa se le debe a Tim Burton, quien dijo que para “Batman” realmente tuvo muy poca libertad creativa y que aunque se declaraba fan de Prince, no le había gustado ni el tono de las canciones, ni como fueron utilizadas en la película. Reconoció que gran parte de la expectativa y comercialización de la historia fue responsabilidad del álbum de Prince, pero que no estaba del todo contento. Asimismo, los derechos del personaje son tan complejos, que al presentar este disco como parte de la narrativa de Batman, la figura legal del estudio y del súper héroe, le impidieron al cantautor tocar los temas, aunque hayan sido creaciones suyas, en cualquier concierto, presentación o recopilatorio de éxitos si no se tenía permiso especial por parte de Time Warner, Warner Bros. Pictures y DC. A Prince nunca le interesó hacer el papeleo de derechos para incluir cualquier tema de este soundtrack en su repertorio o recopilatorios. Después de todo, tenía muchos más éxitos y emblemas de la música.

Siempre es bueno rendir homenaje a cualquier artista con un talento indiscutible, recordando alguno de sus trabajos y para mí estimados lectores, uno que me parece memorable (que además tiene muchísimos más) es este disco de Prince. Incomprendido hace 30 años y hoy, vuelto una pieza de culto. A tres años que el príncipe púrpura dejara este mundo, no está por demás recordar cuando pese a la oscuridad con la que Batman fue retratado en aquella cinta, no podemos dejar de añorar el tono violeta con el que Prince lo enmarcó.

La despedida de la novia del feeling


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Tener 88 años de edad y pensar en una gira de despedida para una carrera extraordinaria, solo puede ser idea de la grandiosa Omara Portuondo, aquella cantante cubana que tuvo sus orígenes interpretando algunas canciones conocidas como “estándares del jazz” al lado nada menos que de otro grande la música: César Portillo de la Luz y con José Antonio Méndez y Frank Emilio Flynn con quienes conformó el primer grupo al que perteneció más o menos a la mitad de la década del 40 y al que llamaron “Loquibamba Swing”.

Después, formó un cuarteto vocal junto a su hermana Haydée, Elena Burke y Moraima Secada, grupo al que llamaron “Las d’Aida” y que grabaron un solo disco para la compañía RCA Víctor. Con este cuarteto que formaron aproximadamente en 1952, Omara  y compañía compartieron escenario con Edith Piaf, Benny Moré, Pedro Vargas, Rita Montaner y fueron teloneras nada menos que de Nat King Cole cuando él se presentó en el legendario cabaret “Copacabana” en la isla de Cuba.

Hablar de la carrera de Omara en realidad nos llevaría un sinfín de letras, de anécdotas y de canciones, sin embargo, siempre se ha mantenido en activo al considerar que la música es parte de su vida y ha sido testigo fiel de acontecimientos musicales, culturales e históricos en todos los ámbitos. Como aquél de 1997, cuando al lado de enormes exponentes del son y más ritmos latinoamericanos, conformaron el grupo llamado “Buenavista Social Club”, en honor a aquél lugar donde muchos de ellos se reunían a cantar y bailar en sus años más gloriosos. En ese, año, el Buenavista (como lo conocimos de cariño) de verdad que enloqueció al mundo, presentándose en con su formación original en Amsterdam y Países Bajos, además de que se filmó un documental que fue nominado al Oscar en 1998. Y aunque la popularidad de muchos de los integrantes de esa formación original (Compay Segundo; Manuel “Puntillita” Licea; Ibrahim Ferrer; Rubén González y Pío Leyva) fue efímera por su pronto deceso, otros se mantuvieron activos hasta hace pocos años como Eliades Ochoa; Manuel “Guajiro” Mirabal; Ry Cooder; Papi Oviedo; Juan de Marcos González y obviamente, Omara, quizá la más popular de todos. Y lo es no porque fuera la voz principal de aquella agrupación que cautivó al planeta entero, sino porque su sentimiento al cantar, convierten cada trozo musical en una pieza llena de arte y sentimiento.

Y cuando, nadie esperábamos ya noticias de la admirada Portuondo por su avanzada edad, esta semana nos ha sorprendido con el anuncio de que hará una gira mundial (sí, de veras mundial) para despedirse ya definitivamente de los escenarios. Una decisión complicada sin lugar a dudas para alguien que considera la música, el jazz, el bolero y el son cubano parte de su vida. Porque ¿quién no ha experimentado sentimientos grandiosos escuchando a la gran diva cubana? A la diva del Buena Vista Social Club y a la intérprete que marcó una época y traspasó la barrera generacional, desde la época dorada del son cubano, boleros, cabaret, centros nocturnos, discos en acetato y discos compactos, hasta la progenie que escucha música en plataformas digitales. Omara Portuondo ha sido pieza fundamental en cualquiera quien se jacte de que le guste la música.

La novia del feeling, anuncia que su gira iniciará el próximo 19 de abril en Los Ángeles, California y tiene conciertos programados en Nueva York, Chicago, Holanda, Hungría, Singapur, Corea del Sur, Canadá y Francia, entre otros países, en algunos de los cuales se presentará por última vez. Para el mes de noviembre, tiene previstas actuaciones en América del Sur en escenarios de Argentina, Chile y Uruguay. La gira se extenderá además, hasta el año 2020, cuando la gran Omara esté a punto de llegar a los 90 años. Su repertorio estará conformado por canciones clásicas que ha interpretado a lo largo de más de 70 años de carrera, incluyendo los que cantó con Buena Vista Social Club. Con más de 30 discos en su haber y muchas colaboraciones grandiosas y casi históricas, el espectáculo llevará por nombre “Omara es Cuba” y se dice, tendrá una duración de más de dos horas.

Por todo lo que representa y por los años que vio pasar y que ella hizo suyos con su música, su canto y su sentimiento, no nos queda más que ofrecer un aplauso de pie esperando ser testigos del histórico adiós de una de las cantantes más queridas y legendarias de la música en español. De la gran Omara Portuondo.

20 años de “13”, el anormal disco de Blur


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Siempre he dicho que la gente que gustaba del britpop más comercial, encontraba en Oasis a los más grandes exponentes; sin embargo, la gente que buscaba música mejor confeccionada, con aportes artísticos y con letras más perspicaces, obviamente gustaba de Blur o de Radiohead.

En marzo de 1999, fue lanzado el disco llamado “13”, sexto trabajo de estudio de la banda de britpop Blur, experimentando sonidos con los que no habían trabajado antes. Esto, significó que los fanáticos de la agrupación liderada por Damon Albarn, se mostraran un poco renuentes a ese material, sin embargo, eso no significó que el disco fuera todo un éxito, llegando al número uno en las listas de ventas del Reino Unido y al puesto número dos de la lista de popularidad británica, al cinco en España y al top 10 de Billboard con su primer corte promocional llamado “Tender”, que describe la ruptura amorosa de Damon Albarn con la cantante Justine Frischmann, líder de la banda Elastica, también del género britpop.

En el disco anterior a “13” llamado simplemente “Blur”, el grupo se aleja completamente del sonido pop que los había caracterizado en los inicios de su carrera, tomando una directriz más enfocada al rock-pop y rock alternativo. En ese entonces, tanto Albarn, como el guitarrista de la banda, Graham Coxon, estaban muy dispuestos a abandonar el género del britpop, justamente porque ya había demasiados exponentes en aquellos años noventa, donde además, la supremacía de Oasis era más que incuestionable. Cuando los chicos presentaron las canciones que integrarían “13”, los ejecutivos de la entonces poderosa casa discográfica EMI no estuvieron nada contentos, pues estaban seguros que sería un estrepitoso fracaso y los dejaron grabarlo, solo por los grandiosos éxitos que habían tenido años atrás, eso sí, con la advertencia de que si el material no funcionaba, se fueran buscando otra casa discográfica. Eso no sucedió y tanto “Blur” como “13”, tuvieron gran aceptación del público noventero que encontraron en la propuesta del grupo, un sonido juvenil y al mismo tiempo elegante, pero que además, retrataba lo revolucionario y poco convencionales que deseaban ser los jóvenes de la generación X.

“13”, también marcó un cambio contundente para Blur en muchos sentidos. El grupo había estado trabajando con el experimentado productor Stephen Streets, que para mayores referencias fue quien llevó al éxito a grupos como The Smiths y The Cranberries; de hecho, en los noventa Street fue llamado el quinto Blur por la cercanía de a la banda y porque era quien pulía las creaciones de Albarn y Coxon para que se grabaran en sus álbumes; sin embargo, para “13”, fue despedido de manera unánime por todos los integrantes. Y así como esa decisión fue tomada entre todos, también fue como eligieron a quien sería su nuevo productor siendo el elegido William Orbit; así es, el productor que le hizo a Madonna el disco con el que regresó de su receso por su embarazo y alumbramiento: “Ray Of Light”. Y así, los seguidores confundidos al principio, pero conquistados después, hicieron de “13” uno de los álbumes más exitosos de la agrupación. Pero, las diferencias y rencillas al interior comenzaron a hacer estragos y es justamente con este material, cuando el distanciamiento entre Albarn y Coxon comienza a ser más evidente y quizá, irreconciliable. Como breviario cultural, es justamente Grahan Coxon quien presenta a Damon Albarn con Jamie Hewlett, convirtiéndose en grandes amigos, pues incluso Albarn se fue a vivir al departamento de Hewlett tras el rompimiento con Frischmann y es justo en ese momento, cuando se esparce el rumor que ambos artistas estaban trabajando en un extraño proyecto para una banda virtual. Así es; ahí nació Gorillaz.

En este momento, es quizá muy fácil catalogar a “13” como una verdadera obra maestra de Blur si entendemos lo que fue, sin embargo, en su momento se consiederó un trabajo demasiado osado, estupendo para muchos de sus seguidores e incomprensible para otros que afirmaban que Blur, ya no sonaba a Blur. Sin embargo, es quizá “13”,  el disco que refleja lo mejor de la agrupación; nos presentan temas llenos de esperanza como el estelar “Tender”, divertidos, extraños y con sarcasmo como el famoso “Coffee And TV” o el melancólico “Distance Left To Run”. De alguna manera, agradecemos esa diferencia no sé si irreconciliable o no de Albarn con Coxon, pues pese a que ambos tenían sentidos distintos para este trabajo, nos dejaron uno de los más emblemáticos discos de finales de los noventas y que siempre, pero siempre, será un deleite escucharlo. Así pasen 20 años más.

¡Que viva Aretha para siempre!


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ayer, 25 de marzo hubiese sido el cumpleaños número 77 de la grandiosa Aretha Franklin. La única, la que nos erizaba la piel cada que la escuchábamos cantar. La primera mujer en tantos ámbitos. La que inspiró a leyendas, la que hizo llorar de la emoción a Barak Obama; la que nos estremecía con su sola presencia.

Hacer un recorrido por la carrera de Aretha Franklin, podría dar para un libro apasionante, para una bioserie (ahora que están tan de moda), o una biopic plasmando todo lo que representó para la cultura afroamericana, para la música, para el soul, para el feminismo y para la historia. Y es que sus premios y reconocimientos incluyen entre otros: Dos doctorados en música por las universidades Berkley College Of Music y la de Pennsylvania; fue la primera mujer en entrar al Salón de la Fama del Rock And Roll en 1987; la segunda mujer en entrar al UK Music Fame OF Hall en 2005; el presidente Bill Clinton le entregó la Medalla Nacional de las Artes en 1999 y en 2005, George W. Bush le otorgó la Medalla de la Libertad; el estado de Michigan nombró su voz como “Tesoro Natural”; ganó más de 20 premios Grammy siendo la cantante con más preseas que ninguna otra; fue la primera mujer afroamericana en aparecer en la portada de la revista Time y en 2008, la revista Rolling Stone, la nombró “la mejor cantante de todos los tiempos”, superando a vocalistas como María Callas, Montserrat Caballé, Mariah Carey o Whitney Houston. Sí, Arteha fue una leyenda y rompió esquemas en todos los sentidos.

No entraré en detalles de la carrera de Franklin porque me faltaría espacio y a ustedes queridos lectores, tiempo para recorrer una trayectoria de más de 60 años en la música y en el arte. Basta con que la recordemos como siempre fue: poderosa, carismática y cantando de una forma magistral.

Permítanme contarles una anécdota de cómo conocí a Aretha Franklin. Mi padre, era una persona apasionada de la música y en algún momento, cuando yo era niño, me habría mostrado algo hecho por Aretha Franklin, sobre todo porque en el año 1987, cuando yo tendría quizá unos siete u ocho años, se escuchaba mucho aquella canción que interpretó a dúo con George Michael llamada “I Knew You Were Waiting (For Me)”, obvio, recuerdo que mi padre me mostró en LP, un trabajo de Aretha Franklin con una portada muy extraña, que ahora sé, se trataba del disco “Hey Now Hey (The Other Side Of The Sky)” que le había producido nada menos que Quincy Jones en 1973 y que contiene uno de sus temas más emblemáticos: “Angel”. En ese tiempo, de verdad que no representó gran cosa para mí, en realidad lo vi con muy poco interés pese a que me explicaban lo grandiosa que era ya en esos días. Fue hasta mi adolescencia, cuando me comenzó a interesar mucho más la música y sobre todo, el rock, el pop y el R&B, con artistas como TLC, Brandy, Mariah Carey, Brian McNight, Boyzz II Men y otros tantos. Al investigar del género, todos caían en una sola artista como su gran influencia: Aretha Franklin. La grandiosa Aretha Franklin. Comencé a escuchar música de ella; lo que se podía en aquellos años cuando la internet no era tan veloz como hoy en día y ni rastros de que existiera YouTube. Bajé dos canciones de ella en el Napster de mediados de los noventas, donde además, me tardé dos días en poder tener completas las piezas que recuerdo que fueron: “Respect” y “Chain Of Fools”, dos de sus canciones más icónicas.

Fue en 1998, cuando la cadena VH1, tuvo la grandiosa idea de hacer un concierto llamado “Divas Live”, donde por primera vez y en un mismo escenario se juntarían las mujeres más exitosas de la industria en aquellos años: Celine Dion, Mariah Carey, Gloria Estefan, Shania Twain y obviamente Aretha Frankin, siendo ese concierto un acontecimiento sin precedentes y donde me tocó, a mis 17 o 18 años, disfrutar por primera vez a Aretha en un escenario. Fue de lo más impresionante que he visto, aunque haya sido en televisión: verla cantar, emocionarse, emocionar al público como nunca antes había visto en mi entonces corta vida, verla dar cátedra arriba del escenario a las otras cuatro “pesos pesadísimos” de la música; fue indescriptible; fue portentosa. Desde entonces, fui gran seguidor de Aretha. Supe que todas las referencias de la música, me llevarían a ella.

Y ayer lunes, fue su primer cumpleaños que sus seguidores y la música, celebramos sin ella. Su partida consistió en una gran pérdida para la música en todos los sentidos. Porque su presencia, aporte, voz y carisma siempre serán indispensables; porque Aretha nos enseñó a todos los amantes de la música que el arte puede ser un símbolo, pues no solo poseía su brioso talento, su vigorosa voz y su desbordante carisma, sino que usó su popularidad para convertirse en bandera de la lucha racial en los Estados Unidos y una de las primera figuras públicas en apuntalar la liberación femenina en todos los sentidos. Por tantas cosas, ¡Aretha siempre serás la reina de reinas!

Las 20 mujeres más exitosas de la música


Ismael Ortiz Romero Cuevas

El pasado viernes 08 de marzo, celebramos el día internacional de las mujeres. Un día en que conmemoramos la lucha de ellas por la igualdad y se recuerda, las vejaciones de las que han sido objeto por defender sus derechos. Y no podemos dejar de mencionar que son las mujeres también, quienes han marcado vanguardia en el mundo de la música así como en diferentes ámbitos. Creadoras, marcando pautas y estableciendo influencias en otros cantantes. Sin duda, ellas nos han puesto a reflexionar y a vibrar con la música. Y aquí estimados lectores les dejo a las 20 cantantes, que algunas además son compositoras, productoras y arreglistas más exitosas en la industria de la música:

1.- Madonna.-  Ha vendido más de 275 millones de discos en el mundo. Tiene 39 temas colocados en el Top 10 en Billboard, más que ningún otro artista.

2.- Mariah Carey.– Ha vendido más de 240 millones de discos en todo el mundo. Ha colocado 18 temas en la primera posición en el conteo Billboard Hot 100, siendo superada sólo por The Beatles que alcanzaron 20 primeras posiciones y ha superado a Elvis Presley y Michael Jackson, lo que la convierte en la artista con vida más exitosa en la historia de la prestigiada lista y la única mujer en lograrlo. Es de Mariah Carey la canción más exitosa de todos los tiempos, pues “One Sweet Day” a dúo con Boys II Men permaneció 16 semanas consecutivas en el primer puesto de la lista en 1995; hasta este día, ningún cantante ha podido superar ese récord.

3.- Celine Dion.- Ha vendido 195 millones de discos en todo el mundo. Ha colocado cuatro temas en el número uno de Billboard Hot 100 y es la cantante más exitosa en la historia en su natal Canadá. El tema “My Heart Will Go On”, de la cinta “Titanic”, se mantuvo ocho semanas en el número uno de la lista de Billboard.

4.- Whitney Houston.- Vendió 170 millones de discos en el mundo y colocó 11 temas en la cima del Billboard Hot 100. Es la artista más galardonada de la historia de la música según Récord Guiness.

5.- Barbra Straisand.- Ha vendido 140 millones de discos a lo largo de su carrera. Ha colocado cinco temas en el puesto uno de Billboard Hot 100.

6.- Britney Spears.- Ha vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo y ha colocado cinco temas en la cima del Billboard Hot 100.

7.- Janet Jackson.- Ha vendido 100 millones de álbumes en su carrera y ha colocado 10 temas en el puesto uno del Billboard Hot 100.

8.- Olivia Newton-John.- Vendió hasta este momento 100 millones de discos. Ha estado en películas generalmente musicales, siendo su mayor éxito “Vaselina” al lado de John Travolta.

9.- Cher.- Con más de cincuenta años de carrera, ha vendido 100 millones de discos y ha colocado en el puesto uno, cuatro canciones, entre ellas, uno de los emblemas de finales de los 90’s, “Believe”.

10.- Tina Turner.- La grandiosa Tina ha vendido 100 millones de discos en todo el planeta. Es la única artista en llenar al tope en tres conciertos consecutivos, el Estadio Maracaná en Río de Janeiro, cuando era el más grande del mundo.

11.- Dolly Parton.- 100 millones de discos también, es lo que ha vendido esta grandiosa artista. Es la autora y cantante original del tema “I Will Always Love You”, del cual, hiciera un cóver Whitney Houston para la película El Guardaespaldas.

12.- Gloria Estefan.- La cantante latina más exitosa de la historia ha vendido 90 millones de discos a lo largo de más de 30 años de carrera y la primera latina en lograr la posición uno en la lista de Billboard Hot 100 con el tema “Don’t Wanna Lose You”, en 1989.

13.- Rihanna.- Ha vendido 80 millones de discos. Ha colocado 14 temas en la primera posición del Billboard Hot 100 y es la cantante actual más exitosa.

14.- Shania Twain.- La cantante country pop ha vendido más de 75 millones de discos en el mundo. Su álbum Come On Over, es el álbum country, más vendido de todos los tiempos al alcanzar los 40 millones de copias vendidas.

15.- Beyoncé.- Ha vendido 75 millones de discos y ha colocado cinco temas en la primera posición del Billboard Hot 100.

16.- Spice Girls.- El grupo femenino más exitoso de la historia de la música, son las Spice Girls, quienes vendieron en su momento de gran éxito, 70 millones de discos.

17.- Enya.- El new age tiene una digna representante con esta cantante irlandesa, que ha vendido en el mundo, 70 millones de discos.

18.- Shakira.- La segunda latina en este selecto grupo es la barranquillera quien ha vendido nada menos que 70 millones de discos en todo el mundo. La colombiana tenía hasta el 2017, el récord de reproducciones en el canal Vevo, pues su canción “Waka Waka” fue reproducida 100 millones de veces.

19.- Lady Gaga.- La artista neoyorkina tiene reconocidos 64 millones de discos en ventas. Es la artista que posee uno de los récords de permanencia en el puesto dos del Billboard Hot 100 con la canción “Poker Face”, al estar por nueve semanas en la segunda posición del prestigiado conteo. Hace unos días, ganó el Oscar a Mejor Canción por su tema “Shallow” para la película “Nace una Estrella”.

20.- Alanis Morissette.- La canadiense ha vendido más de 60 millones de discos en todo el mundo. Descubierta por Madonna, la canadiense ha ganado siete premios Grammy, un Juno y estuvo pre seleccionada a un Premio Oscar a Mejor Canción con el tema “Uninvited” de “Un Ángel Enamorado” en 1998.