“Dark” y su alucinante música


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Si ya vieron la serie “Dark”, original de Netflix, no me van a dejar mentir estimados lectores, que nos enfrentamos a uno de los mejores dramas televisivos no solo de la plataforma, sino de la historia de la televisión. Sus complejos personajes, sus intrincadas situaciones, la belleza en su estética y el sorprendente parecido del elenco en sus versiones de niños, jóvenes, adultos o ancianos según sea el caso, nos sigue martillando la cabeza. En definitiva, es un fenómeno que vale muchísimo la pena ver, sobre todo por el esfuerzo intelectual, de atención y de abatimientos que requiere. Una historia que sorprende en cada uno de los episodios puesto que en todos, hay una sorpresa intrigante que parece complicar más la historia. Y la segunda temporada no fue cosa menor, supuso un arrojo aún mayor y un ejercicio de memoria titánico; por cierto, esta segunda temporada de “Dark”, ha sido calificada con el 100% de aprobación en Rotten Tomatoes. 

Y la música que ha utilizado la serie, no se queda atrás, en la primera temporada tuvo grandes melodías que prácticamente completaban la narrativa de la historia y en la segunda entrega, no se queda atrás. Así que aquí les presento cinco temas utilizados en “Dark” y que me parecieron imperiosamente contundentes e ineludibles para la historia, además de bellos: 

1.- Canción: “It’s Happening Again”

Cantante: Agnes Obel

Disco: Citizen Of Glass (2014)

Nuevamente “Dark” nos sorprende con un tema de la cantautora danesa Agnes Obel. En el tercer capitulo de la primer temporada, el tema “Familiar” de la misma cantante, enmarcaba la telaraña de las tres familias en las que gira la historia. En esta ocasión, en el episodio uno de la segunda temporada, cuando la desesperanza parece atacar a los personajes principales y se descubren tremendos secretos, el tema “It’s Happening Again” que se contiene en el mismo disco que “Familiar”, nos advierte que nada está resuelto y que algo, está pasando otra vez. 

2.- Canción: “The World Retreats”

Cantante: David O’dowda

Disco: The World Retreats EP (2015)

Qué forma de representar una atmósfera oscura, solitaria, angustiante y que evoca la soledad de algunos personajes principales y que se enmarca con este tema del cantautor británico David O’dowda y que lleva por título “The World Retreats”. En el cuarto episodio de la temporada dos de esta alucinante serie, este grandioso track con un ambiente melancólico y misterioso, nos lleva a angustiarnos junto con Bartosz (Paul Lux); y vernos sumidos en la soledad de Magnus (Moritz Jahn) y Martha (Lisa Vicari); en la incertidumbre de Franziska (Gina Stiebitz) y Elisabeth (Sandra Borgmann); así como del angustioso destino que le espera a Noah (Mark Washke). Un tema extraordinario, capaz de contextualizar de forma única, situaciones alucinantes. 

3.- Canción “God’s Whisper”

Cantante: Raury

Disco: American Honey (2016)

Una canción que enmarca situaciones capitales dentro de la trama. Un tema original del cantautor estadounidense de nombre Raury, y que así como presenta este tema que habla del susurro de Dios, antes presentó también un tema al que tituló “Devil’s Whisper”. La canción “God’s Whisper” se contiene en el álbum llamado “American Honey” y en la serie, acompaña a imágenes que podrían definir el porvenir de los personajes aunque se encuentren en el pasado y que en definitiva, no están dispuestos a vivir de rodillas incluso, a situaciones que podríamos ver en la temporada tres, que ya se encuentra en producción. Un tema, estupendo. 

4.- Canción: “My Body Is A Cage”

Cantante: Peter Gabriel

Disco: Scratch My Back (2010)

El momento del clímax y la escena más emocionante del episodio ocho, el último de la segunda temporada, es contextualizado con este tema espectacular del genial Peter Gabriel. No diré más; si no han visto la serie, tienen qué ver por qué esta portentosa pieza se vuelve definitiva en los acontecimientos finales. Este track se contiene en el álbum “Scratch My Back” del cantautor británico, editado en 2010. 

5.- Canción: “Godbye”

Cantante: Apparat 

Disco: The Devil’s Walk

No puedo dejar de mencionar el tema de entrada de la serie. Un tema decisivo para quedar subyugados de la historia e intrigados con lo que pasará, además de que es original del DJ y compositor alemán de nombre Sascha Ring, mejor conocido como Apparat de quien por cierto, su cumpleaños es el 27 de junio, día en que según la serie, es la fecha del apocalipsis. 

Ahora que leyeron y espero, hayan escuchado las canciones, se darán cuenta que en verdad, todo está conectado y que el principio, puede ser el fin, pero también puede ser el principio.

08 de agosto, una fecha karma para The Beatles


Ismael Ortiz Romero Cuevas 

Un día como hoy, puede parecer un día normal para cualquiera de nosotros. Un 08 de agosto puede transcurrir de la manera más normal de la que nos pudiéramos imaginar, sin embargo, un día como hoy pero de hace algunos años, es decir, entre 1966 y 1969, esta fecha se convertiría en una especie de fecha karma para el cuarto de Liverpool, pues un 08 de agosto, le sucedieron cosas especiales a la banda conformada por Paul McCartney, John Lennon, Ringo Starr y George Harrison. 

Comenzaré rememorando aquél álbum llamado “Revolver”, ese disco que con el que la banda tiene una especie de maduración musical pues experimenta con géneros como el hard rock, rock psicodélico o el pop barroco representados con grandes temas como “Eleanor Rigby”, “Yellow Submarine” o “Taxman”. Y aunque la fecha oficial de lanzamiento de “Revolver” es el 05 de agosto de 1966, fue el 08 de agosto de ese mismo año, que el material llegó a nuestro continente, causando un revuelo descomunal. El álbum alcanza el número uno en ventas en los Estados Unidos a los pocos días de haberse presentado. 

“Revolver” también es conocido por contener melodías compuestas por Lennon que fueron inspiradas en sus “viajes con LSD” y que derivaron en experimentos llenos de letras oscuras y con arreglos con sofisticadas guitarras y elaboradas melodías que en efecto, hacen que el oyente se enfrasque en un viaje incomprensible, pero a la vez disfrutable. En este disco también se incluye uno de los temas más notables de MacCartey: “Eleanor Rigby”, primer single del citado material y que es hasta la fecha, uno de los temas más conocidos de la banda. “Eleanor Rigby” fue lanzada en la cara A del sencillo que también incluía a “Yellow Submarine” logrando la primera posición en las listas británicas y el 11 en Billboard Hot 100. Asimismo, el submarino amarillo fue interpretada por Ringo Starr ya que fue escrita por Lennon y McCartney expresamente para él y fue el único tema que él ejecutó que llegó al número uno en Reino Unido. 

Y fue esa conmoción que causó el disco “Revolver” en los Estados Unidos, lo que causó que John Lennon lanzara aquella declaración con la frase que muchos consideraron como el comienzo del declive. Un 08 de agosto de 1966, Lennon dice “en este momento, somos más famosos que Jesucristo”. Esta declaración provoca que días después de haberla pronunciado, la South African Broadcasting Corporation, empresa de radio comunicación sudafricana, prohibiera y vetara todos los álbumes de The Beatles al considerar más que una falta de respeto, una blasfemia lo declarado unos días antes por Lennon. 

Cada 08 de agosto, miles de fanáticos llegan al cruce de Grove End Road y la calle Abbey Road donde se encontraban los míticos estudios EMI, para emular la fotografía que es la imagen del disco “Abbey Road”, que sin temor a equivocarme, creo que es la portada de un disco más famosa de la historia de la música. Y es que esa imagen, fue tomada un 08 de agosto, pero de 1969. La fotografía ha sido emulada por miles de personas a lo largo de los años, incluso por el mismo McCartney en 1991. Para la fotografía, tomada por Ian McMillan, se detuvo el tráfico pues siempre ese cruce ha sido uno de los de mayor afluencia en la capital británica, lo que hizo que el fotógrafo tuviera un tiempo muy limitado para la toma de imágenes, logrando únicamente seis y una de ellas fue la portada del afamado trabajo. 

“Abbey Road” es el último trabajo de The Beatles que ejecutaron juntos y los más fervientes seguidores de la primer boy band de la historia, lo consideran una especie de testamento. Asimismo, la forma de vestir de George, Paul, Ringo y John ha estado rodeada siempre de un sinfín de mitos. Y aunque la historia “oficial” dice que el vestuario tiene qué ver con la imagen que cada uno tenía en ese año, otros afirman que en realidad se trata de una representación del funeral de McCartney y que por eso, viene descalzo, que ringo es el sepulturero, que Lennon, representa a una especie de sacerdote o rabino y George a la gente común que acude a dar el último adiós. Otro mito nos dice que lo que la fotografía representa la lejanía que en ese tiempo ya tenían los cuatro integrantes de la mítica banda, pues cada uno es retratado con vestuario completamente diferente entre sí. Lo que sí es verdad, es que en ese tiempo y con ese álbum, los escarabajos ya poco tenían en común y McCartney aparece descalzo porque en realidad él vivía muy cerca de ese estudio y acudió a la sesión fotográfica con sus famosas sandalias, por lo que al director de imagen de EMI en ese entonces, John Kosh, se le ocurrió que podría ser una buena idea presentar al famoso músico descalzo; asimismo, Kosh quiso retirar el ya emblemático VW Sedán amarillo que aparece al fondo, sin embargo, el dueño de ese automóvil, que vivía en un departamento junto al estudio, se negó a quitarlo, por lo que no tuvieron de otra más que dejarlo en la imagen; recordemos que en ese tiempo aún no existía la edición digital.  “Abbey Road” fue lanzado en septiembre de ese año en Reino Unido y en octubre en nuestro continente; y aunque contiene piezas emblemáticas como “Come Together” o “Oh! Darling”, hay que reconocer que fue Harrison quien puso la guinda a ese disco con quizá los dos mejores temas del álbum: “Something” y “Here Comes The Sun”. 

Como ven, sucesos sumamente importantes acontecieron un 08 de agosto con The Beatles, y al ser ellos quienes fueron protagonistas de estos sucesos, derivaron en momentos históricos para la música. Por ello, un día como hoy, es una fecha karma para el aún sumamente famoso cuarteto de Liverpool.

Cuando Eric Clapton y B. B. King coincidieron en un disco


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Fue en el año 2000, cuando se editó un material discográfico como pocos: “Riding With The King”, que unía el talento nada menos que del gran Eric Clapton y el sin igual B. B. King. Este no era el primer encuentro que los legendarios músicos tenían, pues aunque habían coincidido una gran cantidad de veces en el escenario, sí fue esta la primera y única vez que grababan un disco juntos.  Clapton y King tocaron juntos por primera vez, en un bar de Nueva York llamado “Cafe Au Go Go” en 1967, cuando Clapton apenas tenía 22 años y era integrante del power trío llamado “Cream”. Desde entonces, el británico comenzó además una gran amistad con el ya legendario King y también en aquella época, comenzaron los planes para grabar algo juntos. 

Fue hasta 1997, es decir, 30 años más tarde de ese primer encuentro, cuando al fin entran al estudio de grabación para realizar una colaboración. El tema se incluyó en el disco de duetos de King llamado “Deuce Wild” y donde colaborarían en el tema llamado “Rock Me Baby”. Al término de esa contribución y de que el álbum salió al mercado, ambos músicos no pararon en halagos mutuos. Eric Clapton se declaró gran admirador de la música blues y del estilo de B. B. King, quien siempre le imprimía un toque de pasión a cada pieza. Asimismo, King dijo que se había encontrado con una persona que para él tenía el número uno en dos listas: en el rock y como persona. Es entonces cuando comienzan de manera más seria a planear lo que pudiera ser un disco conjuntando los talentos.

El fruto de todos eso años de amistad y admiración culminó el segundo semestre de inicios del milenio. Ambos cantantes, ambos guitarristas, ambos tan leyendas presentaron el material “Riding With The King” algo así como montando con el rey en alusión a aquella grandiosa portada de ambos arriba de un descapotable. La critica se deshizo en halagos hacia este material que dejó sorprendido a prácticamente todo el planeta; pues se notaba el estilo de los dos guitarristas y a cada track le imprimieron toda su personalidad. Como para todos quienes escuchamos el trabajo de ambos, notamos en seguida que el terreno tempestuoso realmente fue para Clapton, a quien King lo introdujo en el territorio musical que era de su completo dominio, donde además, también es notorio que ambos se divierten y desmenuzan la música de forma deliciosa, tomándose su tiempo; sabiendo que estaban haciendo arte con lo que más disfrutaban.

“Riding With The King” cuenta con doce tracks que van desde grandes éxitos de B. B. King, pasando por algunos covers, versiones de algunos temas grabados por Clapton y una versión del tema clásico del swing, “Come Rain Or Come Shine” que por cierto, King no quería grabar por considerar que era algo demasiado meloso. El tema que da título al disco, “Riding With The King”, fue escrito en 1983 por Jonh Hiatt bajo una anécdota un tanto curiosa: un día, su productor Scott Mathews le contó a Hiatt que había tenido un sueño donde tomaba un avión y que se encontraba a bordo al lado de Elvis Presley. Así, Hiatt desarrolló la letra y la melodía. En este disco, es el tema con el que abren y que además, nos atrapa con su ritmo, energía y magistrales ejecuciones de ambos. 

El disco “Riding With The King” se posicionó en el puesto número uno de la lista estadounidense de álbumes de blues de aquél año 2000, además de que se colocó en el sitio número tres de la lista general de ventas de Billboard 200, siendo la única vez que un material de este género llega tan alto. Fue además, número uno en países como Estados Unidos, Australia, Noruega, Alemania y Dinamarca, además de que entró al top 10 de ventas en prácticamente todo el mundo. No es raro decir que consiguió el premio Grammy en 2001, a Mejor Álbum de Blues Tradicional. Se puede decir, que este disco se considera el último gran éxito a nivel comercial de King hasta su deceso en 2015. 

“Riding With The King” es una experiencia estupenda para escuchar, pues este material es constancia de lo que sucede cuando dos leyendas se unen para realizar algo que no solo les apasiona, sino porque además nos hicieron participes de uno de los álbumes más fenomenales que se haya grabado en la industria de la música. Así, siempre tendremos constancia de la maestría de ambos. “Riding With The King” solo sirve para deleitarnos de todo a todo. Solo eso y nada más. 
https://www.youtube.com/watch?v=sJK78Y3zoQk

Los cinco discos latinos (no necesariamente en español) con las mayores ventas


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Hablar de música latina, la mayoría de las veces es pensar en un mercado meramente regional y que no es conocido en otras partes del planeta. La música en español, si bien no ha dominado ni las listas de ventas ni de popularidad en todo el mundo, sí ha podido estar presente en muchas partes del orbe y también, artistas latinos han hecho su esfuerzo y cantado en la lengua sajona y algunos de ellos, con resultados bastante favorables. 

Y aunque pensemos que en esta enumeración pueden estar cantantes como Gloria Estefan, Julio y Enrique Iglesias, Thalía, José José, Paulina Rubio, Celia Cruz o Juanes, déjenme decirles queridos lectores que al menos en sitio de honor de los cinco más vendidos no lo están. Así que les invito a conocer quienes lideran esta lista, no sin antes comentarles que los números que se reportan son aproximados y con cifras redondeadas. Enumeremos del 5 al 1: 

5.- Disco: “Ricky Martin” (1999)

Artista: Ricky Martin

Discográfica: Columbia Records

Ventas reportadas: 15 millones

No es el disco debut del boricua editado en 1991, sino su primer placa lanzada a nivel mundial con temas en español e inglés, donde se incluye uno de sus más grandes éxitos: “Livin’ la vida loca”, además del dueto con Madonna llamado “Be Careful”. Producido por Desmond Child, Emilio Estefan, Robbi Draco Rosa y Madonna, este disco es hasta la fecha el más vendido del cantante y fue certificado siete veces como platino, además de debutar en el puesto número uno de Billboard 200. Un clásico del pop latino. 

4.- Disco: “Recuerdos II” (1984)

Artista: Juan Gabriel

Discográfica: BMG Ariola 

Ventas reportadas: 16 millones

Este disco es hasta la fecha el más vendido en México y logró colocarse además, en las listas de popularidad de varios países, incluyendo Estados Unidos. El tema “Querida”, contenido en este material logró mantenerse por 18 semanas en el primer puesto de las listas latinas. Ni Luis Miguel, José José o Julio Iglesias, han logrado los números que logró el ‘Divo de Juárez’, con este insuperable material, que fue producido por Chuck Anderson, quien ya se encontraba en una especie de semi retiro cuando el querido JuanGa, lo convenció de que volviera a la producción de un disco, logrando sin duda, resultados colosales. 

3.- Disco: “Romance” (1991)

Artista: Luis Miguel

Discográfica: WEA Latina

Ventas reportadas: 17 millones

Producido por el maestro Armando Manzanero, el propio Luis Miguel y con arreglos de Bebu Silvetti, “Romance” fue el álbum responsable de dar un giro completo a la carrera de ‘Mickey’ y consolidarlo como súper estrella. Originalmente, se pensaba incluir algunas canciones inéditas en el disco que escribiría Juan Carlos Calderón, sin embargo, al reconocerse incapaz de hacerlo, la disquera lo despidió. Los singles de “Romance” alcanzaron el puesto uno de los charts latinos: “Inolvidable”, “No sé tú” y “Contigo en la distancia”. Éste es el álbum más vendido de Luis Miguel hasta la fecha. 

2.- Disco: “Laundry Service / Servicio de lavandería” (2001-2002)

Artista: Shakira

Discográfica: Epic Records / Sony Music Latin

Ventas reportadas: 19. 2 millones 

Primer material de la colombiana a nivel mundial y bilingüe, además de que es la única mujer en esta cotizada lista. Epic Records fue el encargado de lanzar el disco “Laundry Service” con temas en inglés y que serviría para posicionar a la cantautora en un plano global, meses más tarde, pero ya en 2002, fue Sony Music Latin la disquera que editó la versión en español que llamaron “Servicio de lavandería”. Y aunque las ventas que reportan es en conjunto por ambos materiales, la discográfica considera que es una especie de álbum doble, pues contienen las mismas canciones pero en idioma diferente. 

1.- Disco: “Supernatural” (1999)

Artista: Santana

Discográfica: Arista Records

Ventas reportadas: 30 millones 

La banda liderada por Carlos Santana lleva 20 años en el sitio de honor. Y aunque el disco de catorce tracks solo contiene cuatro en español incluyendo el single “Corazón espinado” a dueto con la banda mexicana Maná, el material fue una co producción mexicana-estadounidense, por lo que es por ello que se considera como el disco latino con mayores ventas de todos los tiempos. “Supernatural” es un álbum donde se le unen otros artistas a Santana como Dave Mathews, Rob Thomas, The Product G&B, Laurin Hill, Everlast, Maná y Eric Clapton por mencionar algunos. El disco fue ganador de nueve premios Grammy y tres Grammy Latino. Asimismo, el sencillo “Smooth” que interpretaron junto a Rob Thomas estuvo en el puesto número uno de Billboard Hot 100 por doce semanas y fue desbancada por “Maria Maria”, contenida en el mismo material que se adueñó del primer puesto por diez semanas. Obtuvo quince discos de platino por ventas y es uno de los infaltables en cualquier colección. 

¿Qué les pareció? Creo que estos cinco son discos espectaculares. ¿Tienen alguno de ellos en su colección?

Una década sin Michael


Ismael Ortiz Romero Cuevas

De verdad, pensé mucho en escribir sobre Michael Jackson y su décimo aniversario luctuoso. Lo pensé porque supuse que todo el mundo hablaría, escribiría, recordaría el suceso en todos lados y tal parece que lo olvidaron. Leí, vi y escuché muy pocas reseñas sobre el ídolo pop y lo que había significado en la industria; quizá llevados por las investigaciones policiacas y todo lo que representa o lo que Jackson se supuso fue en vida que ahora es algo políticamente incorrecto recordarlo, pues según, hizo mucho daño a los niños que forzadamente lo rodeaban. Lo cierto es que esos escándalos, ciertos o no, nunca pusieron en duda su talento. 

Hace diez años, cuando fue su deceso, las redes sociales estaban en pañales. El 25 de junio de 2009, Twitter y Facebook no tenían el alcance que tienen hoy, pienso que no porque no tuvieran la capacidad sino porque aún no sabían el potencial que alcanzarían a lo largo de los años. Es más, algunos ni siquiera tenían (o teníamos) cuenta aún en Twitter o en Facebook; y ya ni hablamos de WhatsApp, Instagram, Tinder o Snapchat que ni siquiera existían. Por lo tanto, cuando nos enteramos de la noticia que detuvo al mundo, no fue hasta que llegamos a casa cuando pudimos encender el televisor o la radio para enterarnos de los acontecimientos. En efecto, el autollamado “Rey del pop” había fallecido en las circunstancias más extrañas. 

Fue la muerte de Michael Jackson quizá el último acontecimiento de mayores magnitudes que han cubierto los medios electrónicos, antes de cualquier red social. Fue ese suceso el que quizá dio aún grandes audiencias a los canales televisivos, pues la cobertura en su mansión llamada “Neverland” por el cuento de Peter Pan, pasó de ser una simple noche de información más, a un seguimiento de noticias de días y días. Así, nos enteramos de algunos de los secretos que su recámara guardaba, de que era adicto a los analgésicos, que usaba peluca, que se maquillaba las manchas del vitíligo, que no tenía una nariz postiza y que poseía fotografías de niños y bebés dentro de ella, sin especificarse para qué las utilizaba. Nos enteramos también del papel que jugó el médico Conrad Murray, pues se encontró un maletín de objetos personales y médicos que pertenecían al galeno. Y mientras pasadas algunas horas, algunos medios eran más reservados en emitir algún tipo de información, fue el portal TMZ, desde entonces ya polémico, quien diera primero la noticia de la defunción.

Sin importar la forma, los sucesos y lo que pudo ser o no con respecto a la vida del intérprete de “Billie Jean”, no podemos negar que fue también quizá el último gran ídolo de multitudes, el que llenaba estadios con sus espectáculos, el que hizo verdaderos tours mundiales y visitaba prácticamente cada país del planeta; el que hizo de la música un espectáculo inolvidable. Lo que pueda yo escribir de Michael sale sobrando, pues faltarían líneas para celebrar el talento y la maestría con que ejecutaba cada movimiento y cada nota de sus canciones sobre el escenario; su vestuario, su forma de bailar, incluso sus cirugías plásticas fueron emblemas del entonces encumbrado cantante. De alguien que no conocía los límites.  

Podemos recordar sus años cuando estuvo al lado de sus hermanos en “The Jackson Five”, hasta sus años solista y sus álbumes más representativos de finales de la década del setenta, los dos emblemas de la música que presentó en la década de los 80’s, con “Thriller” y “Bad”, cuyos videos principales fueron dirigidos por cineastas de la talla de John Landis y Martin Scorsese respectivamente, hasta su último gran trabajo a principios de la década del noventa: “Dangerous”, con el que salió por última vez de gira y recorrió todo el mundo, incluyendo tres apoteósicos conciertos en el Estadio Azteca de la ciudad de México; fue en ese álbum, donde se incluyó también el tema “Will You Be There”, que fue el principal de la cinta “Liberen a Willy”, que protagonizó Kéiko, la ballena orca que habitaba en el parque “Reino Aventura” en la capital del país. 

No es que los posteriores trabajos de Michael no fueran buenos, sin embargo, pienso que justamente “Off The Wall” de 1979; “Thriller” de 1982; “Bad” de 1987 y “Dangerous” de 1991, fueron los que le dieron mayores satisfacciones e hicieron que alcanzara la verdadera celebridad; fueron los que lo convirtieron a Michael, en la última gran leyenda de la música. A 10 años de su desaparición, no podemos negar que su genialidad será eterna.  

Cinco grandes discos que cumplen 20 años en 2019


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Han pasado 20 años desde 1999. 20 años desde que esperábamos todos quienes formamos parte de la generación X que comenzara el nuevo milenio, aguardando quizá una era donde la utopía de una sociedad más justa comenzara, también con el temor de que los aparatos como el horno de microondas o la computadora de escritorio colapsaran al no reconocer los números para abreviar el nuevo milenio. En fin, nos imaginábamos un sinfín de historias, algunas con lógica y otras un tanto disparatadas; pero era parte de ser joven en aquellos años y era parte de que el internet aún no se encontraba casi en cada hogar como hoy.

1999, también nos trajo materiales discográficos grandiosos, incluso algunos no fueron tan exitosos en su momento, pero al paso de los años se convirtieron en verdaderas piezas de culto; así que comenzamos con:

1.- “Hours…” – David Bowie

Discográfica: Virgin Records

Este disco es el último que Bowie grabaría con el sub-sello propiedad de EMI Music. “Hours…” es una placa que al igual que “The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders Form Mars” no entró al Top 40 de la lista Billboard 200, alcanzando el puesto 47 y que ambos se convirtieron en materiales apreciadísimos y de culto al paso de los años. Nadie niega que “Hours…” fuera un estupendo disco, pero en el año en que estaban de moda las Spice Girls y Savage Garden, era complicado que Bowie entrara con su genialidad y sonido sofisticado en el gusto de los jóvenes noventeros. La crítica ovacionó este material de “su camaleónica majestad” argumentando que nadie había madurado de la forma tan refinada en que David lo hizo; aplaudían la osadía del británico a quien se le reconocía la grandeza de este trabajo. Con “Hours…” David Bowie se consagra como “gran maestro de la música”; lo magistral de este disco, se nota al escucharse como el artista disfruta de principio a fin este incomprendido trabajo. Por cierto, “Hours…” también fue el primer disco tanto de Bowie como de EMI en comercializarse en el entonces nuevo y desconocido mercado de las descargas legales de internet.  

2.- “Rainbow” – Mariah Carey

Discográfica: Columbia Records

Último material de Mariah con Columbia Records en su primera etapa con Sony Music y que vendió alrededor del mundo más de 20 millones de copias; además, contiene dos temas que llegaron al puesto uno en Billboard Hot 100: “Heartbreabker” y “Thank God I Found You”; este último tema, la diva neoyorkina se lo dedicaba a Luis Miguel que en ese entonces era su pareja, a lo que “El sol” le respondió también con la canción “Amarte es un placer” contenido en el disco del mexicano del mismo nombre. Mariah utiliza en este material prácticamente la misma fórmula de su anterior trabajo, con base pop pero empleando arreglos en R&B, Hip-Hop y baladas suaves. Colaboran con ella compositores consagrados como David Foster y Diane Warren y además, da oportunidad a Usher, Jay-Z y Snoop Dog (¡nada más!), entonces nuevos valores. Rainbow es un disco que sigue sonando muy actual al paso de los años.

3.- “Enema Of The State” – Blink 182

Discográfica: MCA Records

Para muchos de los seguidores de Blink 182, este fue el disco con el que la banda se entregaba al sonido más comercial y dejaban atrás la resonancia y apariencia ‘underground’. Con “Enema Of The State”, Blink 182 además de despedir a su baterista original Scott Raynor y sustituirlo por Travis Barker, realizaron una especie de reinvención del pop-punk, algo que podía ser bueno o malo según la percepción de cada quien. Con este material y canciones irreverentes, Blink 182 conocieron el verdadero éxito al conquistar nuevos fanáticos, además de la joya de video que nos dejaron del single “All The Small Things” que parodiaba y criticaba de una forma certera, la dominancia del pop en aquellos años.

4.- “Californication” – Red Hot Chili Peppers

Discográfica: Warner Bros. Records

La carrera de Red Hot Chili Peppers comienza en 1984, sin embargo, muchos fanáticos y críticos consideran su disco insignia precisamente a “Californication”, un material que nos sigue emocionando a muchos y transportando a épocas grandiosas, además de que es quizá la mejor época para la banda apuntándose un acierto por el regreso de John Frucsiante. Temáticas oscuras como insinuaciones de suicidio, temas sexuales, drogas, soledad e ira adolescente fueron los recurrentes en este material que conquistó a un público nuevo y que además, es considerado uno de los mejores discos de todos los tiempos. El Salón de la Fama del Rock lo colocó en el puesto 88 en su lista de “Los 200 álbumes definitivos que todo amante de la música debería tener”.

5.- “Play” – Moby

Discográfica: Independiente

Un ejemplo de perseverancia es este disco del neoyorkino Moby, que antes de andar con las tonterías esas de que si anduvo con Natalie Portman, hacía cosas bastante dignas. Y digo que es un ejemplo, porque el músico visitó varias discográficas como Sony Music, Warner, EMI, RCA y algunas otras con la maqueta de este material; los “conocedores” lo rechazaron por raro y Moby se fue a producirlo de manera independiente en su estudio casero montado en su departamento. En pocos meses, “Play” se convirtió en el disco independiente más vendido del año 1999-2000. El encanto de este material es que pudo ser el último de la carrera de Moby y se quedó para la posteridad como una grabación que sigue siendo vigente hasta este día gracias a la publicidad, ya que los mercadólogos siguen encontrando en “Play” el jingle perfecto para comercializar casi cualquier producto. ¡Bien Moby!

Seguro hay más estupendos discos que cumplen 20 años, así que ya saben que gustoso acepto sugerencias, mientras la dejamos aquí por hoy.