El escalofriante retorno de Danny Torrance


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Recuerdo la primera vez que vi la cinta “El resplandor”, aquella obra maestra del horror dirigida por Stanley Kubrick y que protagonizaban en el lejano 1980, el inigualable Jack Nicholson al lado de Shelley Duvall y Dany Lloyd. Obviamente no vi la cinta hasta que estaba yo quizá en la edad de la pubertad, cuando alguna vez fui a aquél video club que anunciaban Gael García Bernal y Diego Luna de niños, tan de moda a principios de la década de los noventa. Recuerdo que aquella vez pude ver la mítica película en la noche, ya que todos se habían dormido y mi mamá me permitió llevarme la única video grabadora que teníamos a mi recámara para conectarla en la televisión que tenía allí. En la oscuridad de mi cuarto, fui testigo por vez primera de una película de la que hasta ese momento, sólo sabía por referencias de algunos de mis familiares adultos que me hablaban de lo espeluznante que les había parecido. A diferencia de lo que le pueda parecer a la generalidad de la gente, el horror siempre ha sido uno de mis géneros predilectos, y mientras casi todas mis referencias se concentraban en lo espantoso de las escenas sangrientas, de fantasmas, de asesinatos y demás, obviamente llevados por el cliché de lo que se suponía tendría que ser una genuina cinta del género, yo descubría una de las películas más fascinantes de que al menos yo tenga memoria. Obviamente el horror es algo vital para que la ficción funcione, sin embargo, “El resplandor” cuenta con recursos mucho más valiosos que el mismo género. Nos brinda una fotografía magistral, actuaciones memorables, planos abiertos vacíos que nos provocan mucha ansiedad, una iluminación atípica para una cinta de terror pues al contrario de lo que marca el estereotipo, ésta es una cinta muy luminosa y obviamente nos muestra la obsesión de Kubrick por la simetría. Aquella, fue una experiencia descomunal para mí, tanto que hasta hoy, es una de mis películas favoritas aunque al miso Stephen King no le haya gustado.

Años más tarde, pude leer el libro y me di cuenta del motivo por el que a King no le había gustado nada la visión de Kubrick para con su novela. El cineasta omitió pasajes sumamente importantes y cambió a las aterradoras esculturas de animales, por el hoy legendario laberinto, así como la relación de algunos personajes que resultan relevantes en el libro y no en la película; además de que el texto termina de una forma totalmente diferente a lo presentado en la gran pantalla. Para mí, fue lo de menos, había gozado de manera portentosa tanto la película como el libro, pensando en que es justamente por esa razón que los créditos iniciales de cualquier película que se inspira en una ficción dice: “basada en la novela de…” y eso le da libertad al estudio y a los escritores de crear una historia con los mismos personajes aunque diste mucho de lo que el autor plantee. También hay que ponernos a pensar que quizá para el cine moderno no hay límites para filmar cualquier historia gracias a los efectos creados de manera digital, hace 40 años eso era más limitado y filmar “El resplandor” tal y como King lo escribió hubiera sido técnicamente imposible pues anteriormente, lo que se filmaba realmente estaba ahí, no había efectos y mucho menos CGI.

“El resplandor” siempre ha sido una de las novelas más queridas por los fans de King. Cuando se editó en 1977 no se sabía qué reacción produciría, sin embargo, se convirtió en ‘best seller’ a las pocas semanas a la venta, lo que supuso desde entonces que  tendría una secuela. A pesar de todas las presiones de los fans e incluso de la editorial, Stephen King se había negado a escribir la continuación de la aclamada historia. Fue en 2011, cuando se supo que al fin, el escritor se encontraba trabajando en una secuela directa de la novela, lo que emocionó a millones de fanáticos del literato y del libro. Y en 2013, la fantasía se hizo realidad y “Doctor Sueño” salía a la luz convirtiéndose en un éxito en ventas y ganando ese mismo año, el premio “Bram Stoker” a la mejor novela. Tras el éxito, en 2015, se confirmó que Warner Bros., trabajaba ya en una versión cinematográfica de la historia.

El pasado viernes, a todos nos sorprendió el adelanto de la cinta “Doctor Sueño” y que está basada en la exitosa novela, además de que ahora sabemos y nos llena de esperanzas, será dirigida por Mike Flanagan, sí, el mismo que hizo que nos estremeciéramos con la serie “La maldición de Hill house” producida por Netflix; igualmente porque que vemos al gran actor Ewan McGregor interpretando a Danny Torrance. El turbulento avance nos muestra al protagonista comunicándose con una niña, que tiene los mismo poderes que Danny (que en el libro, de adulto se hace llamar Dan); además de que contiene estupendas referencias a la cinta de 1980. De verdad, que hizo que al menos yo, sí me emocionara de sobremanera.

La historia de “Doctor Sueño” se centra de Danny Torrance, el niño protagonista de “El resplandor” que atormentado por su pasado y porque aún es perseguido por los fantasmas del hotel Overlook, se convierte en un nómada alcohólico tratando de huir de lo sucedido; pero encuentra un trabajo estable en un asilo de ancianos ubicado en New Hampshire donde, mediante su don, ayuda a los octogenarios moribundos a alcanzar la paz y además, cuenta con la ayuda de un gato que puede predecir qué persona morirá dentro del recinto. También ahí conoce a Abra Rafaela Stone, una niña que posee también el resplandor pero de una forma descomunal y por ello, es contactada por la secta llamada “Nudo verdadero”, conformada por personas sumamente sanguinarias que hacen sacrificios humanos de quienes poseen el poder de resplandecer. Así, Danny, ahora llamado Dan, tendrá que rescatar a Abra de la cofradía que la persigue, llegando a un final con un giro argumental inesperado. Y mientras el argumento de la cinta no se ha revelado, el avance parece mostrarnos que al parecer, esta vez la historia sí será fiel a la novela y se sabe, se estrenará en noviembre de este 2019.

Directoras nominadas (y ganadora) del Oscar


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Para muchos, pensar en la nominación al Oscar a Mejor Director es pensar en cineastas como Steven Spielberg, Jonathan Demme, Peter Jackson, Martin Scorsese o mas recientemente la triada mexicana tan de moda: Alfonso Cuarón, Alejandro González Iñárritu y Guillermo del Toro; pero, ¿nos hemos puesto a pensar cuántas cineastas mujeres han sido nominadas y ganadoras de un Oscar? Pues para empezar no son muchas, en toda la historia, solo han sido cinco mujeres directoras quienes han competido en la categoría y una sola la ganadora. Y aunque varios amantes del cine clamamos porque Ava DuVernay (Selma-2014) y Patty Jenkins (Mujer Maravilla-2017) estuvieran por lo menos nominadas, eso no sucedió.

Así que estimados lectores, les invito a que hagamos un recorrido y en su defecto, conozcamos a las cineastas que han hecho historia en esta entrega de premios al estar nominada en una de las grandes categorías del premio de la Academia, y aunque muchas de ellas han hecho trabajos en verdad impresionantes, no han sido tomadas en cuenta.

1.- Lina Westmüller

Película: “Pasqualino: siete bellezas”

Año de nominación: 1977

A pesar de que la primera entrega de la codiciada estatuilla se realizó en 1929, fue 48 años después que una mujer con el oficio de directora llegó a la entrega de premios nominada en esta categoría y se trató de Lina Westmüller, una realizadora italiana con una película de manufactura también del país de la bota; en efecto, había realmente pocas posibilidades de llevarse el trofeo y así fue. El mérito fue estar compitiendo en la competida y selecta categoría. Esa noche, fue John G. Avildsen quien se alzó ganador por dirigir la cinta “Rocky”.

2.- Jane Campion

Película: “El piano” (The Piano)

Año de nominación: 1994

Pasaron otros 17 años para que otra mujer fuera tomada en cuenta y competir en la distinguida categoría. En 1994, la cineasta neozelandesa Jane Campion presentaba una de las películas más bellas y valientes de la que el cine tenga memoria: “El piano”. Campion ya tenía muy buena reputación gracias a sus dos primeros trabajos: “Sweetie” y “Un ángel en mi mesa”, así, la historia de Ada en “El piano” la llevó directo a la cumbre al reconocerle lo grandioso de la historia de Ada (Holly Hunter) y el piano que es abandonado en la playa. Sin embargo, ese año Steven Spielberg estuvo imparable con “La lista de Schindler” y se llevó el galardón como Mejor Director.

3.- Sofia Coppola

Película: “Perdidos en Tokio” (Lost In Translation)

Año de nominación: 2004

La historia de dos extraños que se encuentran en Tokio y viven un idilio casi de cuento de hadas, llegó diez años después de Campion, a Sofia Coppola a ser nominada en la categoría. “Perdidos en Tokio” estuvo llena de críticas positivas y además que presentaba, en opinión de muchos críticos, la más gloriosa actuación de Bill Murray, además de que más de uno, nos enamoramos de la bellísima Scarlett Johansson. Pero, ese año la suerte no estuvo del lado de la sobrina de Francis Ford Coppola, pues fue Peter Jackson con “El señor de los anillos: El retorno del rey” quien obtuvo el Oscar.

4.- Kathryn Bigelow

Película: “Zona de miedo” (The Hurt Locker)

Año de nominación: 2010

“Bueno, el momento ha llegado” dijo Barbra Streisand al presentar el premio a la categoría a Mejor Director en 2010. Y es que si bien es cierto, la misma Streisand no alcanzó ni siquiera la nominación como cineasta, ella fue la elegida para entregar el galardón. Ese año, Kathryn Bigelow sí obtuvo la estatuilla dorada por su extraordinario filme bélico “Zona de miedo”, derrotando incluso a James Cameron, su ex marido, quien ese año era el gran favorito con “Avatar”. Esta ha sido la única vez en más de 90 años que se realiza la ceremonia del premio de la Academia, que una cineasta mujer se alza con el trofeo.

5.- Greta Gerwig

Película: “Lady Bird”

Año de nominación: 2018

“Lady Bird” fue un respiro estupendo. Tan sarcástica, tan dramática, tan cómica, tan mágica, tan visceral. Greta Gerwig nos entregó un trabajo estupendo con esta cinta que nos recorrió todas las emociones de golpe. El año en que ella compitió, fue Guillermo del Toro quien ganó el premio por “La forma del agua”, pero también, fue el año en que la inigualable Frances McDormand, quien obtuvo su segundo Oscar a Mejor Actriz, hizo que todas las mujeres nominadas se pusieran de pie en la ceremonia y la acompañaran en un discurso que nos puso la piel chinita. A pesar de que Del Toro sin temor a equivocarme era esa vez el gran favorito, creo que nadie nos hubiéramos molestado sin Gerwig se llevaba la estatuilla.

¿Cómo ven? A poco no necesitamos, es más, nos urge mucho, pero mucho más talento femenino en la realización de las cintas.

“Godzilla II: El rey de los monstruos”: otra vez público contra crítica


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Una de las partes más entretenidas de los estrenos cinematográficos de una franquicia que tiene muchos fanáticos en el mundo, no es meramente la película, sino la polémica que se crea a partir de lo que muchos apasionados defienden y consideran digno de su personaje favorito contra la crítica, que por lo general pondera más aspectos técnicos o valores de producción que algo que puede gustarle a los seguidores.

Hacer una lista de esos enfrentamientos entre público y críticos sería tema para un Paréntesis completo, pero hablemos del estreno de un bluckbuster este fin de semana y que hizo que las reseñas fueran de lo más entretenidas. Resulta que llegó a las salas de cine “Godzilla II: Rey de los monstruos” y los fanáticos encontraron en ella una película que sigue los esquemas del cómic que hizo leyenda al gigantesco lagarto. Es cierto, una batalla entre los más hercúleos ‘kaijus’ no puede tener lógica desde su concepción, vamos, ni siquiera tantita pues estamos hablando de seres que solo habitan en la imaginación humana. Sin embargo, para los críticos eso no es suficiente; quieren ver una cinta plagada de datos verdaderos, con base científica, con una historia lógica, con personajes consistentes y que el drama humano se anteponga a la fantasía; aunque eso, vaya en contra de la misma naturaleza de la película. Hacer lógico algo que de origen es ilógico, sería algo así como tratar a los fanáticos (y que al final de cuentas pagan el boleto) como tontos. Los seguidores de cualquier cinta fantástica no quieren ver eso en pantalla; buscan que la historia se apegue lo más que se pueda a los elementos que la hicieron épica.

Y mientras la prensa especializada otorgó en Rotten Tomatoes una calificación de 41% de aprobación, los fanáticos la calificaron con un contundente 87% de comentarios positivos. Tenemos que reflexionar que los especialistas se centran en elementos técnicos y de producción, los comentarios del gran público favorecen a la cinta haciendo entender a todos que la gente que paga para entrar a ver la película sí está disfrutando y mucho la batalla de las colosales bestias que buscan conquistar al planeta.

Es cierto; el drama humano poco le importa a la película dirigida por Michael Dougherty, cineasta y productor que se ha centrado en hacer más cine de horror y fantástico, notándose que tiene muy claro su objetivo: la batalla. La historia deja con muy bajo perfil el drama familiar estelar interpretado por Kyle Chandler, Vera Farmiga y Millie Bobby Brown. Asimismo, presentando a grandes actores como Sally Hawkins, Ken Watanabe o Charles Dance de quienes sus personajes comienzan teniendo un planteamiento sumamente interesante y que al paso de la película, se nota que ya no se sabe qué hacer con ellos. Y es entonces cuando al desperdiciarse un cast con nominados al Oscar y primeros actores, sabemos por dónde irá el rumbo de la historia. Pero hay que ser honestos también, la gente no fue a ver prodigiosas actuaciones, fue a ver cómo los monstruos aplastaban al mundo.

Ayer lunes, las reseñas que se leían eran precisamente la forma en cómo “Godzilla II: rey de los monstruos” fue un fracaso en la taquilla y Rotten Tomatoes mencionaba lo mala que era la película que por cierto, ya tiene la unción del público que nuevamente se fue contra la publicación que ha calificado como “grandiosas” a las películas de la casa Marvel, historias con mucho menos lógica que la misma del lagarto gigante según muchos usuarios. A la gente le encantó ver en la pantalla del cine a Godzilla, King Ghidora, Mothra y Rodan. El público también gozó de las escenas de acción, de la atmósfera un tanto noir, de la devastación de las ciudades, el dramatismo y las magnánimas batallas. Por cierto, hubo muchas expresiones de sorpresa al mencionarse a King Kong como uno de los titanes y que “Monarch”, la industria que los tiene ubicados, tiene una sede en la isla Calavera, lugar donde habita el enorme gorila. Esto es una clara referencia a la siguiente cinta de la franquicia: “Godzilla vs. Kong”, la cual Warner ha afirmado que veremos en 2020.

La crítica, siempre dice una cosa pero lo que sucede con la nueva entrega de Godzilla, nos hace entender (como ya lo ha hecho con infinidad de otras películas) que siempre quien realmente manda es el público y ellos, ya le han dado el visto bueno a la cinta que muestra la gran batalla de los titanes, que se emocionaron de sobremanera al ver los épicos personajes, pisoteando las grandes ciudades.  

El mundo no necesita un ‘live action’ de â€œAladdin”


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Siempre he dicho que meterse con una historia entrañable, clásica y de la que ni el mundo ni los fans necesitan una nueva versión es muy arriesgado, demasiado, para ser precisos. Primero porque no se van a poder evitar las comparaciones con la original y segundo, porque a veces esas historias resultaron tan grandiosas, que es mejor dejar el clásico donde está, con la aprobación y cariño de todos. Esto lo sabe la casa Disney que no solo se conforma con hacer historias de súper héroes, revivir la saga de “La guerra de las galaxias” o comprar 20th Century Fox y adueñarse de “Avatar”, “Alien” o “Los Simpson” por ejemplo, sino que desde hace unos años, le ha dado por llevar al ‘live action’ historias que la gente ya tenía en una especie de orlo como cintas insuperables, de culto, notables, intocables y sobre todo amadas. No siempre le ha salido bien y mientras la gente se impresionó con esas versiones de “El libro de la selva” o “La bella y la bestia”, no sucedió lo mismo con “Cenicienta” o “Dumbo” por mencionar algunas. Y esta vez le tocó a “Aladdin”, la historia de “Las mil y una noches” que llevó a los dibujos animados en 1992 y que este año se atrevió a realizarla con actores de carne y hueso.

Seré muy honesto con ustedes queridos lectores, desde que supe que la cinta sería dirigida por Guy Ritchie noté que nada bueno se vislumbraba. No es que tenga aversión hacia el director británico, pero digamos que su estética resulta un tanto extraña y a veces demasiado brusca para el espectador promedio. Debo reconocer también que no todo lo que ha hecho el cineasta ex esposo de Madonna ha sido malo y como muestra tenemos a “Snatch: Cerdos y diamantes” del año 2000; “RocknRolla” en 2008 y las dos cintas de “Sherlock Holmes” que protagonizó Robert Downey Jr., en 2009 y 2011; pero también hay que recordar que tiene películas malísimas y también como prueba están: “Insólito destino” que protagonizó Madonna, su entonces esposa en 2002; “Revolver” de 2005 y más recientemente “Rey Arturo: la leyenda de la espada” de las que el director en verdad, debería avergonzarse. Y con esa visión, brusca para la pantalla, Disney se atrevió a contratarlo para hacer la versión real de uno de sus clásicos más queridos.

El ‘live action’ de “Aladdin” aún no llega a los cines, sin embargo algunos críticos y especialistas ya tuvieron la oportunidad de verla y la verdad es que no le fue tan bien como se esperaba. Le fue mejor que a “Dumbo” que solo alcanzó una calificación del 47% en Rotten Tomatoes, pero la casa del ratón Mickey esperaba que fuera calificada de mejor forma. Especialistas y críticos mencionaron que realmente la versión real de “Aladdin” no tiene nada de sorprendente, no es arriesgada, no tiene grandiosas actuaciones y no se distingue de la historia original de dibujos animados que en su momento ganó dos premios Oscar. Dijeron también que algunos elementos fundamentales y queridos por el público fueron modificados y que además, Ritchie hizo un muy mal uso de la historia. Los críticos y especialistas en general dividieron sus opiniones, pero se inclinaron más hacia lo negativo. Con esto, la casa Disney debería ponerse a reflexionar y en cierto modo, re direccionar sus proyectos hacia las historias de animación y emotivas, que son su fuerte; porque con estas reseñas y argumentos, podemos decir que el mundo no necesitaba un ‘live action’ de “Aladdin” ni que la interpretación del genio (que en la versión de dibujos animados de 1992, la interpretación fue hecha por Robin Williams), fuera terriblemente desmerecida por Will Smith; por cierto, la participación en esta cinta del ex Príncipe del Rap y otrora taquillero actor, confirma que se ha convertido en una especie de mal karma para el cine, pues desde hace algún tiempo, ninguna cinta donde participa ha sido elogiada por la crítica o resultan un fracaso en taquilla (nada más recordemos “Escuadrón suicida”).

Las reseñas son poco halagadoras y dicen que la mayor carencia de esta versión del ladrón que se enamora de la princesa es que parece no tiene propósito alguno. Mencionan que la música se encuentra ahí, los valores de producción también, incluso los actores que protagonizan, Mena Massoud como Aladdin y Naomi Scott como Jasmine, que fueron severamente criticados cuando se presentaron y aparecieron en los adelantos, han recibido por lo menos un par de comentarios positivos; pero los comentarios en general es que la cinta se derrumba ante una gloriosa versión original. En efecto, el mundo no necesitaba un ‘live action’ de “Aladdin”. Esta versión llegará a los cines mañana 24 de mayo, con una calificación en Rotten Tomatoes de 67% de aprobación. Ahora, a esperar que la taquilla haga su trabajo.

El escándalo provocado por elegido para ser Batman (otra vez)


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Dedicado a mi padre, a 19 años de su fallecimiento.

Parece que lo que resta de este 2019 no dejaremos de hablar de Batman en el cine por el motivo que sea. Primero, por la renuncia en enero pasado de Ben Affleck para interpretar al héroe de DC Cómics cuando los fanáticos tanto del cine, como de las historietas ya habían aceptado que el actor, guionista, productor y cineasta ganador de dos premios Oscar, interpretó al encapotado de una manera grandiosa. Justo por esa aceptación y gusto que ya tenía el gran público por la actuación de Affleck, es que casi de manera natural se esperaba que protagonizara su historia en solitario. Finalmente, los problemas emocionales y de salud impidieron al protagonista, productor y director de la aclamada cinta “Argo” a continuar en el Universo Extendido DC.

Desde antes que se estrenara “Liga de la justicia”, se supo por vía de Warner Bros., que Affleck sería el encargado de escribir, dirigir y protagonizar la nueva cinta del vigilante de Ciudad Gótica y que se le conoce hasta la fecha como “The Batman”, pero fue por la misma carga de trabajo del actor y su propia lucha contra las adicciones que tuvo que abandonar ese proyecto. Se supo también que el guión que Ben había escrito para “The Batman” era complejo, oscuro e inspirado en el cine ‘noir’ y obviamente grandioso; y si algo sabemos es que por muy compleja que sea la trama, Ben Affleck tiene el talento para resolverla de una forma lógica y madura, como ejemplo palpable tenemos “Argo”, película escrita, producida y dirigida por él y que en 2013 se alzó con el Oscar a Mejor Película. Al paso de los años, la gente aceptó que Affleck es quizá el mejor Batman que ha tenido el celuloide, por eso, la tragedia cuando anunció su retiro del personaje a inicios de este año.

A partir de ese momento, se comenzaron a barajar distintos nombres para interpretar al Caballero de la Noche. Insistentemente sonaron Armie Hammer, Aaron Taylor-Johnson, Alexander Ludwig, Nicholas Hoult y hasta el mexicano Diego Boneta, todos con grandes posibilidades y a la vez ninguna. La nueva cinta del murciélago cayó en manos de Matt Reeves, director de cintas bastante dignas como “Cliverfield: Monstruo” en 2008 y la versión estadounidense de “Déjame entrar” en 2010, fue también quien dirigió las dos últimas películas de la nueva trilogía de “El planeta de los simios” con resultados asombrosos. Y en él caería la responsabilidad de elegir al actor que interpretaría a Batman en la nueva cinta y después de que Affleck colgara la capa, además dejando un estándar muy alto. El jueves se supo que (y casi se confirmó) que el actor británico Robert Pattinson es quien seguramente sea Batman y Bruce Wayne en las nuevas aventuras del murciélago en el cine. Las redes se le fueron a la yugular al estudio, al director y al mismo actor. Los fanáticos esperaban y casi aseguraban que Armie Hammer sería el elegido, sin embargo, la historia en “The Batman” será con un protagonista más joven, por lo que Hammer no cabría.

Pero haciendo memoria, lo mismo ha sucedido con casi todos los actores que han interpretado al súper héroe emblema de la casa DC. Desde Michael Keaton cuando fue elegido por Tim Burton, pues nadie creía que un actor de comedias románticas sería un Batman legendario al paso de los años. Sucedió lo mismo con Val Kilmer, quienes aseguraban que su elección no era nada atinada, pues se alejaba de cómo era representado el multimillonario y súper héroe, y en efecto, creo que Kilmer ha sido el Batman más antipático. En 2005, Christian Bale también fue desacreditado pero no por no creer que pudiera o no dar el ancho, sino que consideraron que interpretar a un personaje emanado de las viñetas era demasiado vulgar para un actor de método. Y no se diga con Ben Affleck a quien criticaron hasta por su sobrepeso. Así que las criticas a Pattinson de verdad que no son nada sorpresivas, pues a la legión de fanáticos es casi imposible darles gusto y nunca habrá un actor que sea digno de encarnar a cualquier súper héroe; y menos a Batman.

Lo que valdría la pena voltear a ver es que, si bien Robert Pattinson es mayormente conocido por su participación en “Harry Potter y el cáliz de fuego” y protagonizar la saga “Crepúsculo”, hay que reconocer que es uno de los mejores actores de su generación (destacando incluso más que el mismo Daniel Radcliffe), y ha conseguido trabajar con directores visionarios y vanguardistas como David Cronenberg, los hermanos Safdie, James Gray y además, se sabe que protagonizará la próxima cinta de Christopher Nolan. Y así como todos esos actores que mencioné anteriormente nos dieron a todos una tapada de boca épica, pienso que lo mejor sería dejar que Pattinson desarrolle el personaje y ver los resultados de su interpretación, pues por hacer juicios a priori, mucha gente después se ha tenido que retractar y reconocer, como en el caso de Bale y Affleck, que han sido quizá los mejores actores en interpretar al encapotado en el cine. Las negociaciones con Pattinson están ya muy avanzadas y es casi seguro que veamos a él en el traje del murciélago, esperando con las mejores expectativas la nueva cinta de Batman y ver la forma en que lo interpreta. Por otro lado, pienso que ese rechazo del público más fiel a las cintas de súper héroes debería halagarlo, pues los más grandiosos interpretes del vigilante comenzaron con la rechifla del respetable y no es por ser satírico, pero hay que recordar que hace unas décadas, ese mismo público elogió la elección de George Clooney para “Batman y Robin” en 1997, y hoy se avergüenzan de esos comentarios.

Los profesores en el cine


Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ayer celebramos el día de los profesores. Y aunque en nuestro país y particularmente en nuestro estado, estamos acostumbrados a que ellos conmemoran desquiciándonos a todos con marchas, plantones y protestas, déjenme decirles que no siempre fue así. Hubimos quienes nuestra educación básica la cursamos en escuelas públicas; y aunque parezca que eso no pasó, resulta que muchos de nosotros, sobre todo quienes ya tenemos más de 30 años de edad, recordamos con demasiado cariño a profesores que nos ayudaron a formar nuestro carácter, a encontrar nuestra vocación y a motivarnos pese a la historia de vida de cada quien. También fuimos quizá la última generación con quienes los profesores se les iba la mano con la disciplina y respeto, pues aún nos daban con una vara, el borrador, nos aventaban los gises o nos jalaban las patillas. Nadie se quejaba, era parte de la formación.

Los profesores en el cine, no han pasado desapercibidos y vamos a recordar algunas cintas que han puesto a los profesores, como los héroes que son:

1.- Simitrio (1960)

Director: Emilio Gómez Muriel

¿Quién no rió y lloró con esta película mexicana? Nos arrancó el corazón a varios y nos hizo ver que pese a que un grupito de cinco niños le jugaban bromas al profesor Cipriano (José Elías Moreno) que se encontraba casi ciego, somos testigos del liderazgo, de la vocación, paciencia, perseverancia y el gusto por su profesión. A lo largo de la historia, nos enternecemos con las bromas que le hacen los alumnos y la forma en que el profesor es capaz de sobreponerse. Obvio, Simitrio es uno de sus alumnos, sin embargo por tener que salir de urgencia con sus padres, falta unos días a la escuela. Por ello, le pide a José Ángel, otro de sus compañeros dé el recado al profesor, cosa que no hace y todas las travesuras las hacen en nombre de Simitrio. Es una cinta mexicana inolvidable.  

2.- El profe (1971)

Director: Miguel M. Delgado

Con un guión de Mario Moreno “Cantinflas” y su actuación estelar, esta cinta no es de las mejores del mimo de México, pues al paso de los años, se ha convertido en una especie de pieza machista y conservadora. Busca retratar un problema social, sin embargo, el personaje de Sócrates García, poco a poco se convierte en un cliché y con mensajes ocultos de cuando el gobierno utilizaba la imagen del gran Cantinflas, para enviar mensajes de lo “moralmente correcto”. Tan simple como que en esos años, la educación era destinada únicamente a los varones o ¿ya se fijaron que en el grupo a quien le enseña El Profe, no hay una sola niña?

3.- Los coristas (2004)

Director: Christophe Barratier

Cinta francesa ubicada en 1949, en un internado en la postguerra. Recoge la experiencia de Clément Matthieu, un profesor de música recién llegado a un internado de chicos difíciles, donde el principal método pedagógico es la mano dura y la disciplina: “¡acción! ¡reacción!. El maestro Matthieu forma un coro con el objetivo de ganarse la confianza de los chicos e inculcarles valores que hasta el momento no habían encontrado, como la sensibilidad, humanidad y lealtad. Esta cinta, además de emotiva, cuenta con actuaciones estupendas, una fotografía impecable y una de las bandas sonoras más bellas que se han hecho para el cine. El director de esta cinta, también es músico, por eso, esta que fue su opera prima, tiene qué ver con la música. “Los coristas” fue candidata al Oscar a Mejor Película Extranjera en 2005, asimismo, la canción “Vois sur ton chaim”. Así, la llamada “Jaula de los ruiseñores” de este siglo es por demás, una cinta emotiva, poderosa y con elementos que evocan belleza por donde se le vea.

4.- La sociedad de los poetas muertos (1989)

Director: Peter Weir

En esta película, un excéntrico profesor cuestiona la enseñanza tradicional de un colegio elitista de Nueva Inglaterra, descubriéndoles la poesía, el significado del “carpe diem”, la importancia de la lucha por los sueños y destruyendo estereotipos, cambiando la vida de un grupo de alumnos. Con esta película, Robin Williams nos entrega una de sus actuaciones más grandiosas, que le valió una nominación al Oscar. Simplemente obligatoria.

5.- Mentes peligrosas (1995)

Director: Don Simpson

Un homenaje a todos los profesores principiantes y las poderosas profesoras, capaces de hacer que chicos vándalos consigan enamorarse de la literatura. Michelle Pfeiffer estelariza esta cinta que fue un éxito en taquilla a mediados de los noventas. La poderosa canción realizada por Coolio es hasta este momento un icono de la música y el cine. Además, creo que esta cinta predijo el Nobel para Bob Dylan, ¿ya recordaron por que´?

6.- Al maestro con cariño (1967)

Director: James Clavell

Estelarizada por el legendario Sidney Poitier y basada en la novela “To Sir, with love” de E.R. Braithwaithe, es una cinta que es uno de los grandes referentes del cine que se han inspirado en los profesores para ser mostrados como inspiradores. Otra de las cintas obligatorias para homenajear a los mentores.

Han faltado varias películas, así que ya saben que siempre quedo en espera de comentarios y sugerencias. Por lo pronto, que sirva esto para brindarles un sencillo homenaje a quienes seguramente, nos han entusiasmado en algún momento de nuestras vidas. Por ser guías, inspiración, ejemplo y fortaleza. A ustedes formadores de gente ávida de conocer, a ustedes queridos profesores que no se les olvida en lo absoluto.