Paréntesis 🎭 – Página 20

80 años de Batman, el súper héroe que todos los súper héroes quieren ser

Ismael Ortiz Romero Cuevas

¿Qué les puedo decir de Batman que no sepan ya? Su historia ha sido retratada, copiada, llevada a diferentes universos en los comics y ha tenido versiones buenas, grandiosas y malas en el cine. Seamos honestos, Batman es más que un súper héroe, es toda una inspiración; alguien que nos enseña que podemos sacar fortaleza de la tragedia y el miedo.

Su fatídica historia ha sido uno de los acontecimientos más oscuros de las viñetas y del cine y es justamente el séptimo arte, el que ha vuelto al murciélago, alguien tan estimulante y aterrador que todas las cintas de súper héroes (aunque lo nieguen), tratan de emular sus hazañas y sus logros. Y es que ningún héroe salido de las historietas, ninguno, ha podido llegar a ser tan legendario y descomunal como Bruce Wayne en el traje del murciélago.

Fue en 1939 cuando apareció por primera vez en aquellas historietas llamadas Detective Comics (siglas de DC Comics). A lo largo de los años, el personaje sin embargo, se ha ido puliendo de una manera hasta como lo conocemos hoy en día. Por ejemplo, en un principio, Batman sí asesinaba a sus enemigos. Los escritores pensaban que al presentar un súper héroe sin poderes, debía cometer asesinatos para que la gente no pensara que era un justiciero inútil; sin embargo, esto se contraponía con su apatía de utilizar armas de fuego, pues fue una la que le arrebató a sus padres e hizo infeliz su infancia.

También, es sabido que en las ilustraciones, cada héroe tiene su antítesis. Así, en una compleja historia llevada a cabo en una realidad alterna, existe “Owlman” (hombre Búho), que es la versión maligna del encumbrado murciélago, miembro de la organización contraria a la Liga de la Justicia, el Sindicato del Crimen. De hecho, existe una teoría hecha por fanáticos que afirman que la serie “Gotham”, en realidad cuenta los orígenes de Owlman y no de Batman, pues en esa serie, Bruce Wayne (David Mazouz), crea empatía con algunos de los villanos y en algún capítulo de la tercera temporada, el chico afirma que su animal favorito es el búho. Esto, reforzó más la teoría sin embargo, no ha sido ni confirmada ni desmentida por WB Televisión ni Fox, la cadena que la emite en los Estados Unidos.

Otro dato curioso de mi héroe favorito es que en la serie de Detective Comics número 241, el tradicional traje gris con morado o negro del murciélago cambia y se convierte en una especie de Batman Arcoíris, ya que utiliza trajes de colores provocadores pero por una razón muy humana. En esa versión de los cómics, Robin es herido en uno de sus brazos al grado de que estuvo a punto de perderlo; por ello, Batman decide llevar trajes llamativos para que los villanos centren su atención en él y no en el joven maravilla.

En 1981 y 1995, en las historietas hubo un crossover DC-Marvel, cosa que esperamos que en el cine no suceda ¡por piedad!; sin embargo, eso sí pasó en los comics. En el primero, Batman derrota a Hulk (no podía ser de otra forma), cuando el Guasón convence al verde vengador de que Batman es su enemigo, derivando en una batalla cuerpo a cuerpo donde obviamente, la estrategia y la inteligencia resultan vencedoras, pero además, Batman también persuade a Hulk que no son enemigos. En el segundo cruce de universos, Batman hace equipo con el Hombre Araña para derrotar al Guasón y a Carnage. Aunque como siempre, Batman primero patea traseros y también lo hizo con ‘Spidey’, después concluye de que tienen que unir fuerzas para derrotar al enemigo.

Uno de los eventos más conocidos y que la verdad, sí deseamos ver en el cine es la versión de “Flashpoint Paradox”, donde Flash, que también tiene la habilidad de viajar en el tiempo, regresa al pasado para evitar que su madre sea asesinada por Reverse Flash. Sin embargo, este acontecimiento provoca muchos contrasentidos que alteran la realidad como la conocemos. Una de ellas, fue que en el mítico callejón del crimen, es Bruce Wayne de niño quien fue asesinado; induciendo esto a que Thomas Wayne, se convierta en Batman, pero además, siendo un vigilante mucho muy sanguinario con los enemigos y Martha Wayne, al no soportar la muerte de su hijo, pierde la razón convirtiéndose en el Guasón. ¿A poco no suena tentadora esta historia para un giro del casi extinto DCEU?

Y en las viñetas, Batman se ha convertido en el dios de la sabiduría y ha muerto 12 veces a lo largo de los diferentes giros argumentales y universos creados a partir de los súper héroes. Eso, es algo que hace que no se nos olvide que ante todo, Batman es un humano. Y por eso, estoy seguro, que todos los súper héroes (y muchos mortales) quisieran ser Batman. Y creo queridos lectores que me han faltado más de mil datos sobre este fascinante personaje que nos ha cautivado a más de uno, así que si se saben más, no duden en compartirlos; por lo pronto no nos queda más que decir: ¡Felices 80 al súper héroe de todos los súper héroes!

20 años de “13”, el anormal disco de Blur

Ismael Ortiz Romero Cuevas

Siempre he dicho que la gente que gustaba del britpop más comercial, encontraba en Oasis a los más grandes exponentes; sin embargo, la gente que buscaba música mejor confeccionada, con aportes artísticos y con letras más perspicaces, obviamente gustaba de Blur o de Radiohead.

En marzo de 1999, fue lanzado el disco llamado “13”, sexto trabajo de estudio de la banda de britpop Blur, experimentando sonidos con los que no habían trabajado antes. Esto, significó que los fanáticos de la agrupación liderada por Damon Albarn, se mostraran un poco renuentes a ese material, sin embargo, eso no significó que el disco fuera todo un éxito, llegando al número uno en las listas de ventas del Reino Unido y al puesto número dos de la lista de popularidad británica, al cinco en España y al top 10 de Billboard con su primer corte promocional llamado “Tender”, que describe la ruptura amorosa de Damon Albarn con la cantante Justine Frischmann, líder de la banda Elastica, también del género britpop.

En el disco anterior a “13” llamado simplemente “Blur”, el grupo se aleja completamente del sonido pop que los había caracterizado en los inicios de su carrera, tomando una directriz más enfocada al rock-pop y rock alternativo. En ese entonces, tanto Albarn, como el guitarrista de la banda, Graham Coxon, estaban muy dispuestos a abandonar el género del britpop, justamente porque ya había demasiados exponentes en aquellos años noventa, donde además, la supremacía de Oasis era más que incuestionable. Cuando los chicos presentaron las canciones que integrarían “13”, los ejecutivos de la entonces poderosa casa discográfica EMI no estuvieron nada contentos, pues estaban seguros que sería un estrepitoso fracaso y los dejaron grabarlo, solo por los grandiosos éxitos que habían tenido años atrás, eso sí, con la advertencia de que si el material no funcionaba, se fueran buscando otra casa discográfica. Eso no sucedió y tanto “Blur” como “13”, tuvieron gran aceptación del público noventero que encontraron en la propuesta del grupo, un sonido juvenil y al mismo tiempo elegante, pero que además, retrataba lo revolucionario y poco convencionales que deseaban ser los jóvenes de la generación X.

“13”, también marcó un cambio contundente para Blur en muchos sentidos. El grupo había estado trabajando con el experimentado productor Stephen Streets, que para mayores referencias fue quien llevó al éxito a grupos como The Smiths y The Cranberries; de hecho, en los noventa Street fue llamado el quinto Blur por la cercanía de a la banda y porque era quien pulía las creaciones de Albarn y Coxon para que se grabaran en sus álbumes; sin embargo, para “13”, fue despedido de manera unánime por todos los integrantes. Y así como esa decisión fue tomada entre todos, también fue como eligieron a quien sería su nuevo productor siendo el elegido William Orbit; así es, el productor que le hizo a Madonna el disco con el que regresó de su receso por su embarazo y alumbramiento: “Ray Of Light”. Y así, los seguidores confundidos al principio, pero conquistados después, hicieron de “13” uno de los álbumes más exitosos de la agrupación. Pero, las diferencias y rencillas al interior comenzaron a hacer estragos y es justamente con este material, cuando el distanciamiento entre Albarn y Coxon comienza a ser más evidente y quizá, irreconciliable. Como breviario cultural, es justamente Grahan Coxon quien presenta a Damon Albarn con Jamie Hewlett, convirtiéndose en grandes amigos, pues incluso Albarn se fue a vivir al departamento de Hewlett tras el rompimiento con Frischmann y es justo en ese momento, cuando se esparce el rumor que ambos artistas estaban trabajando en un extraño proyecto para una banda virtual. Así es; ahí nació Gorillaz.

En este momento, es quizá muy fácil catalogar a “13” como una verdadera obra maestra de Blur si entendemos lo que fue, sin embargo, en su momento se consiederó un trabajo demasiado osado, estupendo para muchos de sus seguidores e incomprensible para otros que afirmaban que Blur, ya no sonaba a Blur. Sin embargo, es quizá “13”, el disco que refleja lo mejor de la agrupación; nos presentan temas llenos de esperanza como el estelar “Tender”, divertidos, extraños y con sarcasmo como el famoso “Coffee And TV” o el melancólico “Distance Left To Run”. De alguna manera, agradecemos esa diferencia no sé si irreconciliable o no de Albarn con Coxon, pues pese a que ambos tenían sentidos distintos para este trabajo, nos dejaron uno de los más emblemáticos discos de finales de los noventas y que siempre, pero siempre, será un deleite escucharlo. Así pasen 20 años más.

¡Que viva Aretha para siempre!

Ismael Ortiz Romero Cuevas

Ayer, 25 de marzo hubiese sido el cumpleaños número 77 de la grandiosa Aretha Franklin. La única, la que nos erizaba la piel cada que la escuchábamos cantar. La primera mujer en tantos ámbitos. La que inspiró a leyendas, la que hizo llorar de la emoción a Barak Obama; la que nos estremecía con su sola presencia.

Hacer un recorrido por la carrera de Aretha Franklin, podría dar para un libro apasionante, para una bioserie (ahora que están tan de moda), o una biopic plasmando todo lo que representó para la cultura afroamericana, para la música, para el soul, para el feminismo y para la historia. Y es que sus premios y reconocimientos incluyen entre otros: Dos doctorados en música por las universidades Berkley College Of Music y la de Pennsylvania; fue la primera mujer en entrar al Salón de la Fama del Rock And Roll en 1987; la segunda mujer en entrar al UK Music Fame OF Hall en 2005; el presidente Bill Clinton le entregó la Medalla Nacional de las Artes en 1999 y en 2005, George W. Bush le otorgó la Medalla de la Libertad; el estado de Michigan nombró su voz como “Tesoro Natural”; ganó más de 20 premios Grammy siendo la cantante con más preseas que ninguna otra; fue la primera mujer afroamericana en aparecer en la portada de la revista Time y en 2008, la revista Rolling Stone, la nombró “la mejor cantante de todos los tiempos”, superando a vocalistas como María Callas, Montserrat Caballé, Mariah Carey o Whitney Houston. Sí, Arteha fue una leyenda y rompió esquemas en todos los sentidos.

No entraré en detalles de la carrera de Franklin porque me faltaría espacio y a ustedes queridos lectores, tiempo para recorrer una trayectoria de más de 60 años en la música y en el arte. Basta con que la recordemos como siempre fue: poderosa, carismática y cantando de una forma magistral.

Permítanme contarles una anécdota de cómo conocí a Aretha Franklin. Mi padre, era una persona apasionada de la música y en algún momento, cuando yo era niño, me habría mostrado algo hecho por Aretha Franklin, sobre todo porque en el año 1987, cuando yo tendría quizá unos siete u ocho años, se escuchaba mucho aquella canción que interpretó a dúo con George Michael llamada “I Knew You Were Waiting (For Me)”, obvio, recuerdo que mi padre me mostró en LP, un trabajo de Aretha Franklin con una portada muy extraña, que ahora sé, se trataba del disco “Hey Now Hey (The Other Side Of The Sky)” que le había producido nada menos que Quincy Jones en 1973 y que contiene uno de sus temas más emblemáticos: “Angel”. En ese tiempo, de verdad que no representó gran cosa para mí, en realidad lo vi con muy poco interés pese a que me explicaban lo grandiosa que era ya en esos días. Fue hasta mi adolescencia, cuando me comenzó a interesar mucho más la música y sobre todo, el rock, el pop y el R&B, con artistas como TLC, Brandy, Mariah Carey, Brian McNight, Boyzz II Men y otros tantos. Al investigar del género, todos caían en una sola artista como su gran influencia: Aretha Franklin. La grandiosa Aretha Franklin. Comencé a escuchar música de ella; lo que se podía en aquellos años cuando la internet no era tan veloz como hoy en día y ni rastros de que existiera YouTube. Bajé dos canciones de ella en el Napster de mediados de los noventas, donde además, me tardé dos días en poder tener completas las piezas que recuerdo que fueron: “Respect” y “Chain Of Fools”, dos de sus canciones más icónicas.

Fue en 1998, cuando la cadena VH1, tuvo la grandiosa idea de hacer un concierto llamado “Divas Live”, donde por primera vez y en un mismo escenario se juntarían las mujeres más exitosas de la industria en aquellos años: Celine Dion, Mariah Carey, Gloria Estefan, Shania Twain y obviamente Aretha Frankin, siendo ese concierto un acontecimiento sin precedentes y donde me tocó, a mis 17 o 18 años, disfrutar por primera vez a Aretha en un escenario. Fue de lo más impresionante que he visto, aunque haya sido en televisión: verla cantar, emocionarse, emocionar al público como nunca antes había visto en mi entonces corta vida, verla dar cátedra arriba del escenario a las otras cuatro “pesos pesadísimos” de la música; fue indescriptible; fue portentosa. Desde entonces, fui gran seguidor de Aretha. Supe que todas las referencias de la música, me llevarían a ella.

Y ayer lunes, fue su primer cumpleaños que sus seguidores y la música, celebramos sin ella. Su partida consistió en una gran pérdida para la música en todos los sentidos. Porque su presencia, aporte, voz y carisma siempre serán indispensables; porque Aretha nos enseñó a todos los amantes de la música que el arte puede ser un símbolo, pues no solo poseía su brioso talento, su vigorosa voz y su desbordante carisma, sino que usó su popularidad para convertirse en bandera de la lucha racial en los Estados Unidos y una de las primera figuras públicas en apuntalar la liberación femenina en todos los sentidos. Por tantas cosas, ¡Aretha siempre serás la reina de reinas!

“The Umbrella Academy”: Entre aprobaciones y escupitajos

Ismael Ortiz Romero Cuevas

Siempre es muy difícil adaptar un cómic a una película o a una serie de televisión. Lo es porque generalmente los fanáticos más vigorosos de las viñetas, encuentran defectos sustantivos a los arreglos que se le tienen qué hacer a las historias para que puedan ser contadas en televisión o en el cine. Vamos, siempre terminan envueltas en polémicas hasta coléricas por lo que le hacen a sus personajes que aman en las publicaciones y que a veces (y según el público fiel), son destrozados por los realizadores o cineastas.

Este año, Netflix se arriesgó a hacer su propia serie de súper héroes que lanzó casi en conjunto con “Titans”, que recordemos es de la plataforma de DC-WB, y no de Netflix aunque en los créditos aparezca que sí, solo porque compraron los derechos para América Latina. Así, a mediados de febrero lanzó “The Umbrella Academy”, basada en los personajes de la historieta del mismo nombre, creada por Gerard Way (vocalista y líder de la extinta banda de rock y pop-punk “My Chemical Romance”) y Gabriel Bá, la cual cuenta la historia de una familia muy peculiar de niños especiales y con capacidades extraordinarias, que son criados por un excéntrico millonario para convertirse en súper héroes; sin embargo, es el conflicto familiar lo que sazona de una manera muy particular la historia. De entrada, suena bien que unos personajes con características especiales y súper poderes, sufran por cosas tan cotidianas como los simples mortales, sin embargo, si por algo “The Umbrella Academy” fue tan exitosa en los cómics, fue porque la historia era compleja y poco convencional.

Netflix encargó a Steve Blackman la realización del teledrama, un director que ya nos ha entregado historias sumamente dignas como “Fargo”, “Altered Carbon” o el drama médico “Addison”. Y eso fue el primer dilema entre los fanáticos, ya que estas tres exitosas series son tan diferentes entre sí, que no sabían en realidad qué esperar con la de los héroes disfuncionales.

He de confesar que tuve que indagar algunas situaciones para conocer un poco más de “The Umbrella Academy”, y debo decir también que me parece una especie de versión emo y punk de “Doom Patrol” de DC, que como breviario cultural para los millenials, es de donde Marvel copió a los “X-Men”. La serie intenta atraparnos en el primer capítulo, sin embargo, el planteamiento resulta tan largo que la atención del espectador promedio se pierde antes de la mitad del episodio, y si eso me pasó a mí que no soy fan, supongo que los seguidores fieles tuvieron ganas de azotar contra el suelo la computadora, la tableta o el dispositivo donde lo hayan visto. Con todo y Pogo (Adam Godley), el chimpancé mayordomo súper dotado, el episodio resulta un tanto aburrido aunque va tomando forma hacia el final.

La serie se centra en los volúmenes del cómic llamados “Apocalypse Suite” y “Dallas”, donde muchas locuras y situaciones increíbles suceden, cosa que en la serie obviamente no. Indiscutiblemente, también eso fue un problema para los seguidores que simplemente no engancharon con nada. Ya ni hablamos de Cha-Cha (Mary J. Blige) y Hazel (Cameron Britton), que nos quedaron debiendo muchísimo, incluso a quienes no conocíamos la historieta y que esperábamos un comportamiento mucho más violento y sangriento de estos excéntricos y cautivadores personajes.

Sin embargo también hay que mencionar las cosas increíbles que tiene, que aunque se apegue poco a las historietas, tiene elementos muy rescatables. Para comenzar, se supone que el personaje principal es Vanya (Ellen Page), la heroína número siete que no tiene ninguna habilidad especial más que tocar el violín y no de forma tan destacada en un inicio; sin duda ella es lo mejor de todo el culebrón. Sin embargo, la actuación de los personajes llamados Klaus / Número Cuatro y The Boy / Número Cinco interpretados por Robert Sheehan (que ya nos demostró sus grandiosas habilidades histriónicas en la película “Un hogar para nosotros” donde interpretó de manera magistral y muy emotiva a un adolescentes con síndrome de Tourette) y por Aidan Gallagher, el actor de 15 años de la serie “Nicky, Ricky, Dicky y Down” de Nickelodeon, respectivamente y que son realmente quienes sin querer se roban el drama con sus interpretaciones tan intensas y convincentes, haciendo de manera recurrente, que la trama principal sea la que como espectador la coloques en segundo plano para esperar el conflicto entre los menos convencionales de los ya de por sí extraños hermanos. Algo que vale mucho la pena destacar también, es la atmósfera oscura y un tanto “noir” que nos retratan, presentando gracias a eso, imágenes que nos recuerdan a los cómics impresos en color sepia, transportándonos a un viaje en el tiempo de cuando sentíamos que leíamos una historia mucho más seria que de ficción.

Como siempre, estimado lector les comento que la mejor opinión será la de ustedes pero, me atrevo a decir que si ya Netflix nos ha presentado trabajos colosales como “Dark”, “The Crown”, “Stranger Things” y más recientemente “The Bodyguard”, yo al menos, esperaba mucho más de la serie inspirada en el equipo de los más inauditos y sociópatas súper héroes. Ahora sí que verla, lo dejo a su criterio.

Lo que nos provocó la muerte de Luke Perry

Ismael Ortiz Romero Cuevas

Siempre he dicho que el gran negocio de estos días es la nostalgia. La repetición de varios programas o la compra de los derechos de los mismos en las plataformas en streaming siendo además, los que más vistas tienen es una prueba. Otra es el ‘revival’ de los materiales en formato de vinil que los artistas de la nueva generación y las reediciones de materiales emblemáticos de la era dorada del disco compacto a ese formato, es otro de los grandes éxitos y estrategias más redituables de las compañías disqueras. Y es que justamente es en esta época que todos quienes fuimos integrantes de la generación X, tenemos poder adquisitivo y nos encanta recordar todo aquello que nos hizo felices en nuestra etapa de adolescentes.

Y la semana pasada, uno de los golpes más bajos fue enterarnos del repentino derrame cerebral que sufrió Luke Perry y dos días después, de su deceso. Se fue uno de los galanes más emblemáticos de la generación X y símbolo del estilo, pues él fue uno de los protagonistas de una de las series insignia de aquellos gloriosos años 90: “Beverly Hills 902010”, ese culebrón con una súper producción que contaba la historia de unos adolescentes que vivían de la manera más acomodada y sofisticada en uno de los barrios más exclusivos de California. Así, es. Nos hacían soñar y fantasear con aquellas chicas con vestuarios tan sexys y vanguardistas como Brenda (Shannen Doherty), Valery (Tiffany-Amber Thiessen) o Donna (Tori Spelling), y soñábamos con ser tan populares como Brandon (Jason Priestley) y obviamente como Dylan McKay (Luke Perry). La serie además, trataba temas desde los más triviales, hasta complicados como adicciones, divorcios, sexualidad y violaciones. “Beverly Hills 902010”, se mantuvo a aire por una década, siendo una de las producciones más redituables para la cadena Fox y se transmitió en prácticamente todo el mundo.

Creo que no me equivocó cuando digo que estos actores se convirtieron en ídolos de casi todos los adolescentes noventeros, pues aunque en nuestro país y me atrevo a decir que incluso en nuestro continente, el contexto en el que se desarrollaba la historia era prácticamente inexistente, fue tal el impacto de los personajes y de las historias tan actuales para la época, que no tardaron en apoderarse de la audiencia juvenil y de algunas ya mayores. Fue en 1991, cuando “Beverly Hills 90210” adquirió muchísima popularidad, siendo Priestley y Perry dos de los grandes responsables de ese éxito, pues creo no existía en aquellos años por lo menos un cuaderno forrado de ninguna jovencita que no tuviera algún recorte con la imagen de cualquiera de estos dos actores que aparecía en la revista rosa juvenil de esos años llamada “Eres”. Jason y Luke además, llevaron una amistad que sobrepasó los sets de grabación y que conservaron de manera muy cercana por casi 30 años; por eso, la despedida de Priestley en su cuenta de Instagram a Perry es un texto que le rompe el corazón a cualquiera.

Pero ya sin tanto rollo con los recuentos de lo que pasó, la muerte de Perry nos impactó a todos quienes nos consideramos de aquella generación, porque no solo fue uno de los más grandes ídolos de la época; Perry marcó todo un estilo de vivir la juventud, impuso moda y fue el equivalente de popularidad y personalidad que todo adolescente busca en esa etapa de vida; se convirtió en una especie de ‘héroe de acción’ de carne y hueso, pues incluso los chicos no temían decir que lo admiraban por la fuerza del personaje que interpretaba o por el estilo que el mismo actor manejaba ante los medios, algo así como cuando nos enorgullecía decir que nos gustaba Kurt Cobain o Axl Rose. Fue lo más parecido a lo que cualquier chico quería ser, incluso por la euforia que causaba en las jovencitas; porque representaba el sueño, ideales y quizá algunas metas de muchos muchachos de todo el mundo de esa década. Incluso, muchos actores que comenzaban su carrera en aquellos años como Ryan Phililppe, Mark Wahlberg, Brendan Fraser o el mismísimo DiCaprio no tenían empacho en copiar el estilo único de Perry.

Actualmente, Luke Perry tenía uno de los papeles principales en la serie “Riverdale” de la cadena Warner Bros., misma que ha tenido que suspender su rodaje por su repentina muerte. Esta serie, está basada en los personajes de “Archie Comics”, pero en un contexto mucho más oscuro. La serie ha tenido buenas críticas y aceptación del público. La muerte de Perry sucedió cuando prácticamente habían terminado de filmar la cuarta temporada próxima a estrenarse. En “Riverdale” Luke Perry interpretaba a Fred Andrews, padre de Archie (K. J. Apa), protagonista de la serie, siendo uno de los personajes principales. Así, Perry había atravesado la barrera de ser un ídolo adolescente de la generación X para ahora, conquistar a los extraños ‘millenials” que también aceptaron su personaje de forma inmediata, pues su carisma y calidad histriónica hizo que sufriéramos demasiado el final de la primer temporada donde supuestamente matan al personaje. También seamos honestos, así como Henry Thomas atrajo a un público más maduro a “La maldición de Hill House”, Perry hizo lo propio en “Riverdale”, pues muchos aplaudimos la decisión de que un ídolo adolescente de hace dos décadas, pasara la estafeta a nuevos chicos haciendo actuando a su lado.

Muchos comentarios en redes tanto de compañeros actores como de fanáticos, hablaron de la gran persona que fue Perry en vida. Todos tenían una palabra de aliento a su familia, incluso para su pareja, la actriz Wendy Bauer, que actuó con él en “Beverly Hills 90210”, relación que se mantuvo en secreto, hasta el día de su muerte. Así, queridos lectores, permítanme cerrar este Paréntesis de hoy con una frase que le dedicó su amigo, casi hermano, Jason Priesteley en su despedida, cuatro días después y según el mismo Jason, aún con su corazón destrozado: “Tu luz fue tan brillante, que la vela de tu vida se agotó demasiado pronto”.

Las 20 mujeres más exitosas de la música

Ismael Ortiz Romero Cuevas

El pasado viernes 08 de marzo, celebramos el día internacional de las mujeres. Un día en que conmemoramos la lucha de ellas por la igualdad y se recuerda, las vejaciones de las que han sido objeto por defender sus derechos. Y no podemos dejar de mencionar que son las mujeres también, quienes han marcado vanguardia en el mundo de la música así como en diferentes ámbitos. Creadoras, marcando pautas y estableciendo influencias en otros cantantes. Sin duda, ellas nos han puesto a reflexionar y a vibrar con la música. Y aquí estimados lectores les dejo a las 20 cantantes, que algunas además son compositoras, productoras y arreglistas más exitosas en la industria de la música:

1.- Madonna.- Ha vendido más de 275 millones de discos en el mundo. Tiene 39 temas colocados en el Top 10 en Billboard, más que ningún otro artista.

2.- Mariah Carey.– Ha vendido más de 240 millones de discos en todo el mundo. Ha colocado 18 temas en la primera posición en el conteo Billboard Hot 100, siendo superada sólo por The Beatles que alcanzaron 20 primeras posiciones y ha superado a Elvis Presley y Michael Jackson, lo que la convierte en la artista con vida más exitosa en la historia de la prestigiada lista y la única mujer en lograrlo. Es de Mariah Carey la canción más exitosa de todos los tiempos, pues “One Sweet Day” a dúo con Boys II Men permaneció 16 semanas consecutivas en el primer puesto de la lista en 1995; hasta este día, ningún cantante ha podido superar ese récord.

3.- Celine Dion.- Ha vendido 195 millones de discos en todo el mundo. Ha colocado cuatro temas en el número uno de Billboard Hot 100 y es la cantante más exitosa en la historia en su natal Canadá. El tema “My Heart Will Go On”, de la cinta “Titanic”, se mantuvo ocho semanas en el número uno de la lista de Billboard.

4.- Whitney Houston.- Vendió 170 millones de discos en el mundo y colocó 11 temas en la cima del Billboard Hot 100. Es la artista más galardonada de la historia de la música según Récord Guiness.

5.- Barbra Straisand.- Ha vendido 140 millones de discos a lo largo de su carrera. Ha colocado cinco temas en el puesto uno de Billboard Hot 100.

6.- Britney Spears.- Ha vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo y ha colocado cinco temas en la cima del Billboard Hot 100.

7.- Janet Jackson.- Ha vendido 100 millones de álbumes en su carrera y ha colocado 10 temas en el puesto uno del Billboard Hot 100.

8.- Olivia Newton-John.- Vendió hasta este momento 100 millones de discos. Ha estado en películas generalmente musicales, siendo su mayor éxito “Vaselina” al lado de John Travolta.

9.- Cher.- Con más de cincuenta años de carrera, ha vendido 100 millones de discos y ha colocado en el puesto uno, cuatro canciones, entre ellas, uno de los emblemas de finales de los 90’s, “Believe”.

10.- Tina Turner.- La grandiosa Tina ha vendido 100 millones de discos en todo el planeta. Es la única artista en llenar al tope en tres conciertos consecutivos, el Estadio Maracaná en Río de Janeiro, cuando era el más grande del mundo.

11.- Dolly Parton.- 100 millones de discos también, es lo que ha vendido esta grandiosa artista. Es la autora y cantante original del tema “I Will Always Love You”, del cual, hiciera un cóver Whitney Houston para la película El Guardaespaldas.

12.- Gloria Estefan.- La cantante latina más exitosa de la historia ha vendido 90 millones de discos a lo largo de más de 30 años de carrera y la primera latina en lograr la posición uno en la lista de Billboard Hot 100 con el tema “Don’t Wanna Lose You”, en 1989.

13.- Rihanna.- Ha vendido 80 millones de discos. Ha colocado 14 temas en la primera posición del Billboard Hot 100 y es la cantante actual más exitosa.

14.- Shania Twain.- La cantante country pop ha vendido más de 75 millones de discos en el mundo. Su álbum Come On Over, es el álbum country, más vendido de todos los tiempos al alcanzar los 40 millones de copias vendidas.

15.- Beyoncé.- Ha vendido 75 millones de discos y ha colocado cinco temas en la primera posición del Billboard Hot 100.

16.- Spice Girls.- El grupo femenino más exitoso de la historia de la música, son las Spice Girls, quienes vendieron en su momento de gran éxito, 70 millones de discos.

17.- Enya.- El new age tiene una digna representante con esta cantante irlandesa, que ha vendido en el mundo, 70 millones de discos.

18.- Shakira.- La segunda latina en este selecto grupo es la barranquillera quien ha vendido nada menos que 70 millones de discos en todo el mundo. La colombiana tenía hasta el 2017, el récord de reproducciones en el canal Vevo, pues su canción “Waka Waka” fue reproducida 100 millones de veces.

19.- Lady Gaga.- La artista neoyorkina tiene reconocidos 64 millones de discos en ventas. Es la artista que posee uno de los récords de permanencia en el puesto dos del Billboard Hot 100 con la canción “Poker Face”, al estar por nueve semanas en la segunda posición del prestigiado conteo. Hace unos días, ganó el Oscar a Mejor Canción por su tema “Shallow” para la película “Nace una Estrella”.

20.- Alanis Morissette.- La canadiense ha vendido más de 60 millones de discos en todo el mundo. Descubierta por Madonna, la canadiense ha ganado siete premios Grammy, un Juno y estuvo pre seleccionada a un Premio Oscar a Mejor Canción con el tema “Uninvited” de “Un Ángel Enamorado” en 1998.