Ismael Ortiz Romero Cuevas

Pareciera que el año 2001 no fue hace tanto. En realidad, han pasado 20 años desde que se contaba el primer año del milenio y la música que nos acompañaba, era variada, de muchos estilos y de artistas que, al paso de los años, se consagrarían como grandes figuras de la música. Y para que vean que no miento, les invito este jueves a recordar cinco enormes materiales discográficos que actualmente son considerados clásicos de la música y que vieron la luz hace dos décadas, en el lejano 2001: 

1.- “Songs In A Minor”

Artista: Alicia Keys

Fecha de publicación: 05 de junio de 2001

Productores: Jermaine Dupri; Kandi Burruss y Jimmy Cozier

Discográfica: Sony Music / J Records

El álbum debut de Alicia Keys se convirtió en uno de los más exitosos de su carrera y en uno de los discos más premiados de la historia de la música. El sonido R&B y neo soul encontraron en Alicia Keys una exponente que puso al género en alto y la convirtieron en una estrella en toda la extensión de la palabra. La historia de la grabación de “Songs In A Minor” también es muy interesante, y es que Alicia Keys después de graduarse de la Professional Performing Arts School de Nueva York, fue aceptada en la Universidad de Columbia, sin embargo, pronto dejó sus estudios porque decidió iniciar su carrera musical de manera profesional y grabó un demo con el productor Jermaine Dupri, que venía de colaborar con Mariah Carey con gran éxito. Así, comenzó la grabación a mediados del año 2000 y a su lanzamiento, se convirtió en el disco más vendido del 2001, alcanzando la enorme cifra de 12 millones de copias vendidas en el mundo y ganó cinco premios Grammy, incluyendo “Mejor Álbum R&B”. Este disco de Alicia Keys es uno de los más aclamados de su carrera y parece que el tiempo, no pasa por él, aunque ya hayan pasado 20 años. 

2.- “Swing When You’re Winning”

Artista: Robbie Williams

Fecha de publicación: 19 de noviembre de 2001

Productor: Guy Chambers

Discográfica: EMI / Chrissalys Records

Después de que Robbie Williams conquistó el mercado internacional con “Rock DJ”, contenido en su disco anterior, nunca imaginamos que el llamado “Chico malo del pop” nos sorprendería y cautivaría con un trabajo con swing y jazz en homenaje nada menos que a Frank Sinatra, Dean Martin y Sammy Davis Jr. Y a finales del 2001, llegaba a las tiendas de discos “Swing When You’re Winning” un disco que demostró que Williams no solo podía ser un gran intérprete y compositor de rock-pop, sino que además, era un cantante talentoso y que podía muy bien, con arreglos hechos para orquesta, pues fue acompañado nada menos que por la Orquesta Sinfónica de Londres. El material fue calificado como una locura en su momento, pero le dio el reconocimiento de gran cantante que Robbie había buscado para sacudirse la imagen de chico superficial. Este álbum de Williams, fue elogiado por la crítica y alcanzó el primer lugar de ventas y popularidad en casi toda Europa, Asia y parte de América en países como Canadá y el nuestro, sin embargo, los Estados Unidos siempre ha sido un mercado en donde Williams no ha penetrado con gran fuerza y este disco, no fue la excepción a pesar de que el primer ‘single’, “Somtehing Stupid”, lo interpretó a dúo con Nicole Kidman, cuando la australiana era una de las consentidas de Hollywood y en el otro de los cortes decía: “I Will Talk And Hollywood Will Listen” (Yo hablaré y Hollywood escuchará). Y parece mentira que muchos de nosotros compramos y conservamos este disco como uno de los iconos de inicio del milenio y hoy, esté por cumplir 20 años. 

3.- “Gorillaz”

Artista: Gorillaz

Fecha de publicación: 26 de marzo de 2001

Productores: Tom Girling; Jason Cox; Dan the Automator y Gorillaz

Discográfica: EMI / Parlophone Records

Cuando apareció “Gorillaz” en la escena, era algo así como inconcebible que ya hubiera una banda de dibujos animados tratando de conquistar el mercado musical; de verdad, fue algo inaudito hasta para los más vanguardistas del principio del milenio. Después, salió el disco, lo escuchamos y resultó que era arte en toda la extensión de la palabra; la agrupación de ‘monitos’ experimentaba con sonidos como el hip-hop, el reggae, brit pop, art rock, punk, dub y hasta con música latina, convirtiéndolo con esos elementos, uno de los mejores discos de 2001 y uno de los mejores de la historia sin duda. Años más tarde, me enteré de que Damon Albarn, líder y vocalista de “Blur” era quien se encontraba detrás del proyecto y todo tuvo sentido. El álbum debut de esta banda conformada por los personajes llamados 2D; Murdoc; Noodle y Russell, fue un éxito rotundo en todo el planeta y elogiado por la crítica y el público, quienes reconocieron la calidad en la producción de esta agrupación y lo han colocado en la actualidad como un material de catálogo y de colección. Y sí, ya cumplió 20 años. 

4.- “Vespertine”

Artista: Björk

Fecha de publicación: 27 de agosto de 2001

Productores: Björk; Thomas Knak; Martin Gretschmann y Marius de Vries

Discográfica: EMI / One Little Indian Records

Recuerdo la primera vez que escuché “Vespertine” cuando tenía yo como 21 o 22 años. Repaso esa experiencia sobrecogedora pero que contenía emociones irreconocibles en mis sentidos cuando instrumentos como el arpa o el clavicordio eran piezas fundamentales en la música de la cantante islandesa que presentaba en 2001, uno de sus mejores trabajos en su carrera. La inclusión de estos instrumentos dentro de este disco y de sonidos llamados ‘microritmos’ de cosas cotidianas como cartas siendo barajeadas o hielo rompiéndose, fue pensado en la gente que, al descargar las pistas en Napster, tuviera una calidad digna para escuchar las resonancias íntimas, personales y complejas que esta ‘genio’ había creado para este álbum. “Vespertine” está enmarcado por la filmación de la cinta “Bailando en la oscuridad” y por los conflictos que Björk tuvo con el director, Lars Von Trier, por eso se comenta que en las pistas podemos escuchar los diferentes matices de la cantante en las pistas grabadas, desde el enojo hasta la tristeza. 20 años de este material simplemente increíble. 

5.- “Survivor”

Artista: Destiny’s Child

Fecha de publicación: 01 de mayo de 2001

Productores: Anthony Dent; K-Fam; Mark J.; Feist Rob Fusari; Beyoncé Knowles; Errol “Poppi” McCalla Jr.; Falonte Moore; Poke & Tone; Rapture & E. Seats; Cory Rooney y Dwayne Wiggins

Discográfica: Sony Music / Columbia Records

Un disco que marcó una época en la forma de fusionar el pop y el R&B. “Survivor” fue el tercer disco de las “Destiny’s Child” y de cuando pasaron de cuarteto a trío, además de que con este disco, debutaban en el sello Columbia de Sony Music, a quienes hacía poco se les había ido Mariah Carey por los conflictos personales que tuvo con Tommy Mottola y por supuesto, que les urgía artistas que cubrieran el nicho de este género. Este álbum se convirtió en un éxito rotundo en prácticamente todo el planeta, vendiendo más de cuatro millones de copias, además de que fue ganador de dos premios Grammy, uno de ellos, “Mejor grupo o dúo R&B”. Después de este disco, el declive del grupo fue inminente, pues a la disquera en realidad lo que le interesaba era lanzar como solista a Beyoncé. En estas dos décadas, esta placa sigue siendo un referente del género. 

Yo sé que muchos como yo, quedaron sorprendidos de enterarse de que estos discos, están llegando a las dos décadas de existencia, pues seguramente muchas canciones contenidas en ellos fueron compañeras de aventuras juveniles. 

Estimados lectores, me tomaré un descanso muy necesario en este tiempo de labores virtuales. “Paréntesis” regresará a los portales habituales el próximo martes 10 de agosto. Nos leemos entonces, en fechas próximas. 

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Ismael Ortiz Romero Cuevas

Nunca me he considerado algo así como ‘beatlemaniaco’, pero tampoco soy ajeno a su música, a su estilo y a su influencia cultural. Sus creaciones han estado presentes en muchos momentos de mi vida porque mis padres siempre los escucharon en prácticamente cualquier ocasión. Fui creciendo y me fueron gustando sus temas que se convirtieron en compañeros de muchos instantes ahora míos. Conocí a sus integrantes, sus personalidades y estilos cautivadores se convirtieron en referencia; pero por algo, siempre me llamó la atención más que todos el gran Ringo Starr que, reiterando que no soy gran fanático del cuarteto de Liverpool, considero mi “Beatle” favorito. 

Cuando era niño, la canción “Yellow Submarine” me parecía un tema de lo más divertido y, aunque en ese entonces no entendía la letra, su pegajoso ritmo me hacía cantarla o más bien algo así como ‘washawashearla’, porque algo tiene esa pieza escrita por Lennon y McCartney que pone de buenas a quien sea, pero es la interpretación de Ringo la que la hace única. El arreglo adaptado de manera magistral a su limitado tono de barítono, hacían que la rola se convirtiera en algo así como la canción que cualquier persona sin tener la gran voz, podía cantar. Y en efecto, al menos para mí, también sigue siendo una de mis piezas favorita. 

Sin embargo, no podemos negar que fue la ejecución de la batería la que le dio ese toque rebelde y elegante a la música de “The Beatles”. El talento de Starr se notaba en cada ‘track’ aunque la pieza no hubiera sido compuesta por él; se decía que su precisión al tocar la batería lo convertían en un verdadero metrónomo humano, siendo pieza clave para que sus demás compañeros del cuarteto pudieran conocer de manera precisa el ‘tempo’ de la canción y no se descuadraran. Aunado a su talento, el carisma de Ringo siempre fue una pieza fundamental dentro de “The Beatles; mientras que Lennon y McCarteney se perdían en las olas de la popularidad, el acecho tanto de la prensa como de los fans y tenían la habilidad de portarse como súper estrellas; ese comportamiento era completamente opuesto a lo que proyectaba George Harrison quien se consolidaba como la figura sexy del grupo: su misteriosa mirada, su sonrisa de lado y su temperamento rebelde pero discreto lo convertían en un “Beatle” acorralado y deseado; y a todo esto, parecía que el único que parecía disfrutar de todo era Ringo, siempre detrás, con una sonrisa tocando su batería y que, no sin menos fans, parecía que tenía todo calculado, igual que cada golpe a su ‘bataca’. Y sí, por eso, siempre ha sido mi “Beatle” favorito. 

Y justamente por esa personalidad cautivante, no podemos imaginar que la voz del Sargento Pimienta fuera otra más que la del gran Ringo; podría decirse que, sin lugar a duda, nació para ser el personaje central del emblemático disco. Ni McCartney ni Lennon le hubieran impreso ese humor, ese carisma y ese alcance, sólo él podía hacerlo. Esa sencillez y ese carisma le permitieron además ser el integrante del cuarteto más honesto, y esto es notorio en su escasa participación como compositor de los temas y que además él reconocía sin tapujos, pues su aporte dentro del grupo solo se limita a dos piezas: “Don’t Pass Me By” y “Octopus’s Garden” incluidas en los discos “The White Album” de 1968 y en “Abbey Road” de 1969 respectivamente. Sin embargo, algunos de los llamados ‘ringorismos’ justamente nombrados así por él, que en realidad se llaman giros gramaticales, que él empleaba en su lenguaje fueron utilizados como títulos de temas, tal es el caso de “A Hard Day’s Night” que se traduce como “la noche de un día difícil” o “Tomorrow Never Knows” es decir, “mañana nunca sabe” que aunque eran errores realmente sonaban muy originales, al respecto, alguna vez McCartney dijo que “Ringo solía hacer estos ‘malapropismos’, solía decir cosas un poco mal, como la gente hace, pero los suyos eran maravillosos, muy líricos… Eran una especie de magia”; y eso lo hacía único. 

Ayer 07 de julio, Ringo Starr, una de las leyendas vivas más grandes de la música llegó a los 81 años de vida, siendo reconocido como uno de los cinco mejores bateristas del mundo y siendo influencia de un sinnúmero de leyendas, por ejemplo Phil Collins. Desde hace tiempo, Ringo vive en una especie de semi retiro pero no por eso, se le deja de reconocer como uno de los más grandes de la música, alguien que fue mucho más que el baterista del grupo más alucinante de que se tenga memoria. 

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